Si en la anterior edición del Zinemaldi la programación se vio afectada negativamente por la huelga de actores y guionistas de Hollywood, este año ha supuesto un factor positivo en las diferentes secciones del ya gigante evento donostiarra. Una Sección Oficial con grandes nombres del cine de autor histórico como Costa-Gavras o Mike Leigh; también con triunfadores del Zinemaldi como François Ozon, prestigiosos nombres que se disputan todos los festivales como Joshua Oppenheimer, Kiyoshi Kurosawa, Audrey Diwan o Edward Berger, y claro, sin olvidar la presencia del cine español, que tiene en Donosti su tradicional rampa de lanzamiento de cara a los estrenos del otoño con nombres conocidos como Iciar Bollaín y Pilar Palomero y, por primera vez en Donosti, Albert Serra, que finalmente sería el gran vencedor de la Concha de Oro con Tardes de Soledad, había casi unanimidad en calificar a la 72 edición del Festival como la mejor de la etapa Rebordinos, en la dirección del certamen desde 2011.

Como es tradición en el festival, también se han incluido varias primeras películas en la Sección Oficial. La portuguesa Laura Carreira, con On Falling y el español Pedro Martín-Calero, con la película de terror El Llanto,  son los dos nombres que el jurado ha destacado con el premio ex-aequo a la Mejor Dirección. Además, un festival conocido por ser la histórica y persistente ventana al cine latinoamericano ha servido como plataforma de apoyo al cine argentino, en serio riesgo de desmantelamiento de sus bases industriales y legislativas por las políticas aplicadas por el presidente ultraliberal Javier Milei.

 EMMANUELLE. Audrey Diwan

La nueva versión del clásico erótico de los años 70 venía precedida de la máxima expectación por ser la primera película de su directora, Audrey Diwan, tras ganar el León de Oro de Venecia en 2021 con L’ événement, adaptación de la novela del mismo título de la Premio Nobel francesa Annie Ernaux, y por comprobar como se puede abordar desde los parámetros actuales post Me Too la novela de Emmanuelle Arsan. El resultado no ha satisfecho a la mayoría de la crítica pero Diwan plantea una visión mucho más inteligente, adulta y totalmente contemporánea en un mundo donde internet y los móviles hace posible el acceso a cualquier tipo de fantasía sexual y donde la posibilidad de escandalizarse ya no es posible en una sociedad que ya nada tiene que ver con la de los años 70. Con un gran trabajo de Noemie Merlant, la directora francesa plantea una visión equilibrada, inteligente y feminista del deseo así como de la influencia del capitalismo en una película que se valorará más a futuro.

EMILIA PÉREZ. Jacques Audiard

La nueva película del francés Jacques Audiard está llamada a ser una de las películas del año. Avalada por los dos premios recibidos en el Festival de Cannes, -mejor interpretación femenina al conjunto de actrices con Karla Sofía Gascón a la cabeza, y mejor guion para el propio Audiard, Thomas Bidegain y Lea Mysius-, Emilia Pérez es un propuesta audaz que conjuga muchos elementos para hacerla atractiva al gran público. Una ambientación exótica (México), con una protagonista que encarna uno de los temas de nuestro tiempo como es el de la transexualidad y un formato de musical y culebrón que bebe directamente de las películas y la estética de Almodóvar. Con estos ingredientes, Audiard formula una película visualmente magnética y atractiva donde no falta una visión polémica y exotizante desde una visión colonialista y occidental de los tópicos mexicanos. Si en 2023, Paul B. Preciado con su Orlando, una biografía política, daba un paso adelante en la representación de las personas trans en el audiovisual contemporáneo, Emilia Pérez, supone una vuelta atrás. Hasta el momento, la carrera de Audiard ha sido impecable, con películas siempre interesantes y magníficamente hechas pero Emilia Pérez es su película menos interesante y menos sólida pese al éxito que le avalada desde que estreno en Cannes.

LUMIÈRE, L’AVENTURE CONTINUE. Thierry Frémaux

La segunda entrega de Lumière, l’aventura commence, es la confirmación de Thierry Frémaux, máximo responsable artístico del Festival de Cannes, como un director con visiones propias, originales y bellísimas sobre los inicios del cine y la obra de los hermanos Lumiére. Aquí, nos vuelve a emocionar con las primeras películas de los Lumiére y como su mirada y su forma de rodar las primeras películas de la Historia conformaron y dieron forma a los inicios del cine. De nuevo, una clase de cine apasionante que todo el mundo debería ver.

CUANDO CAE EL OTOÑO. François Ozon

La sexta participación del director francés en la Sección Oficial del Festival, que ya ganó en 2012, con Dans la maison, es en apariencia una película ligera y crepuscular ambientada en la Francia rural que parte de una anécdota ocurrida en la vida real de Ozon. Bajo esta apariencia apacible y serena, Ozon deja muestras y detalles de elementos transgresores propios de su cine que desafía la moral imperante de la sociedades actuales. Con un formato de thriller y de otoñal cuento, las dos protagonistas, ya en la etapa final de sus vidas, van descubriendo diferentes capas y aspectos vitales que nada tiene que ver con lo aparente a primera vista. Interesante como la primera escena de la película, donde un cura celebra una misa y hace referencia a María Magdalena, planteando casi el tema de lo que veremos a lo largo de la película: una historia sobre segundas oportunidades y sobre como las personas menos favorecidas tienen que transgredir ciertas normas sociales para poder continuar con la vida en sociedad.

THE END. Joshua Oppenheimer

La primera película de ficción del conocido director de documentales Joshua Oppenheimer es un largo y audaz musical de dos horas y media donde plantea un mundo futuro de pesadilla fruto del cambio climático y el desastre ecológico. Los ecos y metáforas con la realidad actual son evidentes al plantear como tesis principal del argumento la responsabilidad de los ricos y poderosos en la actual y futura situación del mundo que intentan maquillar. The End es audaz, fascinante en su  propuesta estética con muchos referentes artísticos, pero también muy arriesgada y a ratos tediosa que requiere un esfuerzo del espectador.

LOS DESTELLOS. Pilar Palomero

La tercera película de Pilar Palomero después de Las niñas y La maternal supone la confirmación de un gran talento para el cine al realizar una de las películas más bellas del cine en los últimos años. En Los Destellos, la directora adapta un relato de la escritora Eider Rodríguez donde los cuidados de una persona con una enfermedad terminal es la base argumental. Lo que consigue Pilar Palomero en su acercamiento esta idea y un tema tan complejo y con tantos peligros en su traslación a una película, es un tratamiento plenamente contemporáneo, reflexivo y luminoso donde no se obvian los aspectos contradictorios y dolorosos. Importancia capital en la película es el trabajo con la luz y la fotografía, obra de Daniela Cajías, que tiene tanto o más protagonismo como Patricia López Arnáiz, Antonio De la Torre y Marina Guerola. Este protagonismo de la luz me hacen pensar en El Sur, película también alrededor de la presencia/ausencia de un padre.

HEBI NO MICHI/SERPENT’S PATH. Kiyoshi Kurosawa

El remake de la película del mismo título y mismo director del año 1998 es una traslación al París contemporáneo de la historia ambientada en Japón. Y el resultado no es satisfactorio. Al inicio de la película la historia planteada es persuasiva e interesante y el espectador hace un esfuerzo por introducirse en el argumento pero el desarrollo posterior es una aburrida sucesión de escenas cada vez menos creíbles.

CONCLAVE. Edward Berger

La principal cualidad de Conclave es desvelar algo casi totalmente desconocido como son los ritos y formalismos que se ejecutan en la elección de un nuevo Papa. Basada en el best seller del mismo título de Robert Harris, la película no escapa ni elude su origen claramente comercial pero su deriva argumental es cada vez más exagerada e increíble. A nivel visual busca también impactar con imágenes y escenas claramente sensacionalistas que aunque demuestran el oficio de su director, el oscarizado Edward Berger, no ofrecen un tratamiento riguroso de la trama que nos cuenta.

Si la 66ª edición del Festival de San Sebastián se caracterizó por un crisis de crecimiento del certámen que pareció pillar desprevenidos a sus organizadores pero que afectó sobre todo al desempeño del trabajo de la prensa acreditada, con el consiguiente aluvión de críticas negativas a la organización, la edición de 2019 del Zinemaldi se ha desarrollado con comodidad inesperada para los profesionales de la información en eventos de este calibre, fruto de las inteligentes medidas introducidas por el equipo de José Luis Rebordinos.

Siempre que se hace una valoración de una edición del Zinemaldi hay que resaltar la especial posición que ocupa el certámen vasco dentro del complejísimo panorama de los festivales internacionales de cine. Si por un lado ha jugado ser un escaparate del cine latino sin conseguirlo realmente del todo, en los últimos años se ha conformado como el festival resumen del año, el festival al que hay que ir si realmente se quiere tener una visión de lo más destacado del año audiovisual si no se puede acudir a los grandes festivales históricos de Berlín, Cannes, Locarno o Venecia, que junto a Toronto y en menor medida, Sundance, marcan la evolución del cine cada año.

Con este rol asumido cada vez con más claridad, el equipo del Zinemaldi consigue armar cada año un evento que satisface diferentes intereses que van desde la promoción de la propia ciudad, los intereses del público generalista, los del cine español, los de la industria (sobre todo latinoamericana), los de la prensa especializada y la no especializada, de distribuidoras y exhibidores, todo sin perder de vista su carácter de evento competitivo e internacional y su función de plataforma para el descubrimiento de nuevos talentos.

Con este modelo de festival que parece funcionar, aunque no sabemos por cuanto tiempo dentro del competitivo y cambiante mundo de los festivales de cine, la sección Perlas/Perlak se configura como la más mediática, seguida y disputada del certámen. En esta edición se ha programado un buen número de las películas que probablemente van copar la temporada de premios a nivel internacional. De Berlín se ha podido ver el magnífico y conmovedor drama chino So Long, My Son (Wang Xiaoshuai), Amazing Grace, el documental sobre el concierto de Aretha Franklin donde grabó su álbum más vendido. De Cannes ha llegado la mayoría de títulos de la sección con Parasite (Bong Joon-ho), la bomba coreana ganadora de la Palma de Oro en la edición de este año, a la cabeza. También se han visto la magnífica y exquisita Portrait del jeune fille en feu (Céline Sciamma), Beanpole (Kantemir Balagov), la nueva joya del gallego Oliver Laxe y también premiada en Un Certain Regard O Que Arde; Les Miserables, de Ladj Ly o The Lighthouse, la nueva película de Robert Eggers. Desde la reciente Mostra se ha podido ver La Verité, la aventura francesa del siempre querido en Donosti Hirokazu Koreeda; la incendiaria Ema, del chileno Pablo Larraín o The Laundromat, la visión de Steven Soderbergh del escándalo de los papeles de Panamá.

En las últimas ediciones, New Directors es una sección que está aumentado su interés y prestigio por el buen ojo y selección de los programadores del Festival y al que la prensa especializada debería prestar mucha más atención. Si el año pasado nos descubrió al japonés Hiroshi Okuyama, autor de Boku wa Iesu-sama ga kirai/Jesus o a Celia Rico con Viaje al Cuarto de una Madre, en la última edición reconoció el trabajo del chileno Jorge Riquelme Serrano, director de Algunas Bestias,  que para una parte de la prensa ha sido una de las películas más interesantes de todo el festival. También han destacado La Inocencia, primera película de Lucía Alemany, graduada de la Escac, así como Las letras de Jordi, ópera prima de Maider Fernández.

Como consecuencia del peculiar lugar que ocupa el Zinemaldi en el panorama de festivales competitivos, la Sección Oficial puede oscilar según los años en un escaparate interesante o una selección de menos nivel, cosa que ha ocurrido en la última edición. Hay que añadir que el jurado presidido por el realizador irlandés Neil Jordan no ha destacado por la audacia y sagacidad de sus elecciones para el palmarés, retomando una tradición de fallos garrafales de los jurados de San Sebastián que han lastrado históricamente una lista de películas ganadoras que podía ser impresionante. Concentró en pocas películas los siete premios posibles de la Sección Oficial, teniendo en cuenta que el premio de mejor actriz fue exaequo para Nina Hoss (The Audition) y Greta Fernández (La hija de un ladrón).  Concedió la Concha de Oro a la brasileña Pacificado, dirigida por el norteamericano Paxton Winters, y dos premios más – el premio al mejor actor y a la mejor fotografía-, un reconocimiento excesivo para una película que no contaba en las quinielas. La otra película que sale victoriosa de su paso por San Sebastián es La Trinchera Infinita, obra a seis manos por los locales Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, que recibió los premios a la mejor dirección y al mejor guion, y máxima favorita al triunfo final para buena parte de la prensa y desde luego para el público de San Sebastián.

La pasada edición no será especialmente recordada. Más bien supone un festival de transición y menos brillante que otros anteriores. El Zinemaldi reafirma su modelo con un respaldo masivo de un público que adora el festival y lo siente como suyo. Eso está muy bien pero desde otro punto de vista y si no quiere perder definitivamente sus opciones, el certámen deberá introducir cambios y abrirse a miradas renovadoras y sobre todo echar el resto en el competitivo mundo de los festivales de cine para conseguir películas que realmente dejen huella y merezcan el viaje a San Sebastián.

Algunas de las películas que pude ver y que más me interesaron fueron:

THE AUDITION. Ina Weisse

La segunda película de la alemana Ina Weisse se construye en torno al portentoso trabajo interpretativo de Nina Hoss y en un principio remite al mundo de Haneke y La Pianista entre sus referencias más evidentes aunque de forma inteligente evita sumergirse por completo en los infiernos del director austriaco conformando un sobrio, preciso e inquiente retrato de la obsesion de una profesora de violín con su alumno en la búsqueda de la perfección artística. En el reflejo de su anhelo vital, la película se detiene especialmente en mostar el universo personal que rodea a la protagonista, buscando por un lado encontrar explicaciones a su comportamiento y por otro mostrar como el obsesivo afán de perfección tiene consecuencias terribles para quienes la rodean aunque evita en todo momento juicios morales. Para equilibrar las turbulencias de este viaje al fondo de la psique, Weisse recurre a magnífica interpretaciones de obras de Bach, que actúan  como contrapunto para evidencia que la belleza y la perfección artística se pueden alcanzar por otros medios. Sección Oficial

LA TRINCHERA INFINITA. Aitor Arregui, Jon Garaño, José Mari Goenaga

Dirigida a seis manos por los donostiarras Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, La Trinchera Infinita es su película más ambiciosa hasta ahora y nada mas proyectarse en el Zinemaldi escaló a favorita de parte de la prensa y del público al triunfo final. Inspirada por  el libro Los Topos, escrito por Manu Leguineche y Jesús Torbado en 1977, y los innumerables casos que se dieron durante la Guerra Civil y la dictadura franquista de personas que vivieron escondidas durante décadas por miedo a las represalias, la película adopta en todo momento el punto de vista de estas personas. Esta orignalidad constituye un reto narrativo y audiovisual considerable si tenemos en cuenta que la película dura dos horas y media. El resultado es una primera hora que vuelta a gran altura desde todos los puntos de análisis pero que va perdiendo fuerza e interés a medida que la película avanza. Al inicio, los tres directores sumergen al espectador directamente en el horror que viven los personajes logrando una profundidad psicológica y sensorial increíble. El punto de inflexión lo marca el desarrollo narrativo de la historia, con decisiones de guion claramente erradas y altamente improbables que pudieran darse en la época. Desaparecido el estudio psicológico de los magníficos protagonistas, la película deriva en una edulcoración de la narración que tal vez permita respirar al espectador y hacerla más comercial pero le hace perder interés. Sección Oficial

MIENTRAS DURA LA GUERRA. Alejandro Amenábar

Segunda película a concurso con la Guerra Civil como elemento protagonista y primera vez de Amenábar a competición en San Sebastián. Tras la fracasada Regression, presentada fuera de concurso hace cuatro años, nadie podía imaginar que Amenábar eligiera la compleja figura del intelectual Miguel de Unamuno en los inicios de la Guerra Civil como elemento protagonista de su siguiente película. Asumida la sorpresa inicial quedaba despejar la expectación generada por una propuesta en principio tan alejada de los temas tratados por Amenábar en sus anteriores trabajos. Con una puesta en escena magnífica -marca de la casa por otra parte-, y una interpretación de altura por parte de Karra Elejalde, la tesis de la película navega entre una equidistancia ideológica, que se aleja de buena parte de la filmografía del cine español sobre el tema, y un didactismo más propio de una clase de la ESO, tal vez con el objetivo de que sea entendida en el mercado internacional ya que remarca innecesariamente hechos históricos básicos conocidos por toda la sociedad. Desde el punto de vista cinematográfico contiene momentos brilllantes, -la escena del discurso de la famosa frase de “vencéreis pero no convenceréis” en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca-, y otras claramente sonrojantes como son los subrayados emotivos buscando una fácil identificación emocional del espectador. Sección Oficial

VENDRÁ LA MUERTE Y TENDRÁ TUS OJOS. José Luis Torres Leiva

Primera participación a competición del cineasta chileno José Luis Torres Leiva, muy vinculado a la ciudad por haber colaborado con Tabakalera y haber prsentado sus obras anteriores en secciones del festival como Zabaltegi, donde hace tres años se pudo ver El viento sabe que vuelvo a casa y el corto El vuelo de Ana. Su nuevo trabajo toma el título de un poema del mismo nombre de Cesare Pavese que escribió antes de suicidarse. Con esta premisa, Torres Leiva aborda los últimos días de una pareja enamorada acosada por una enfermedad terminal de una de ellas que toma de decisión de no tratarse. Aceptado el planteamiento tan arriesgado, Torres Leiva nos muestra un poema visual elegíaco llevado casi al límite de la sublimación mediante las historias paralelas que cuenta pero donde no falta la ironía ni el elogio de la vitalidad en una película donde resuenan ecos del cine de Apichatpong Weerasetakhul. Película arriesgada y diferente auque que no termina de funcionar en todas sus aristas pero a tener en cuenta por aparterse totalmente de los lugares comunes. Sección Oficial

TEMBLORES. Jayro Bustamante

La película del guatemalteco Jayro Bustamante es un profundo, meticuloso y detallado retrado de como el fanatismo e irracionalidad de las sectas, tan presentes entre las clases altas de muchas sociedades latinoamericanas, pueden condicionar y determinar la vida de una persona sino también tener consecuencias desastrosas para toda la sociedad. Para este preciso retrato, Temblores se sirve de la relación que establece Pablo, mienbro de la alta sociedad del país, con Javier, gay declarado, con el que inicia una nueva vida dejando atrás a su familia, que toma la determinación de “recuperar” y “curar” para una vida “normalizada a Javier utilizando para ello toda clase de manipulaciones y estragemas. Demoledor retrato de una sociedad condicionada por el fanatismo y la intoleracia. Como dispositivo formal, Bustamante pone especial énfasis en el uso de diferentes texturas y sonoridades, enriqueciendo la película hasta hacer de ella una verdadera experiencia. A destacar el gran trabajo interpretativo de los actores, en especial de su protagonista, Juan Pablo Olyslager, y de las actrices Sabrina de la Hoz y Diane Bathen. Horizontes Latinos

MONOS. Alejandro Landes

La nueva película del colombiano Alejandro Landes, que ganó el Premio Especial del Jurado en Sundance, tiene su centro de gravedad en la gran potencia visual de sus imágenes. Ambientada en lo más profundo de la selva colombiana, Landes genera un dispositivo audiovisual imponente que subyuga e impresiona todo el tiempo la mirada absorta del espectador para retratar la vida de un grupo de guerrilleros jóvenes que al final son dominados por la fuerza y el misterio de la naturaleza más salvaje. Es una narración donde lo etnográfico tiene una presencia constante, se articula en un mix entre el clásico de William Golding, El Señor de las Moscas, el viaje a las tinieblas de Apocalypse Now y desde una vertiente política, la presencia de la guerrilla de las FARC en la vida colombiana. Horizontes Latinos

EMA. Pablo Larraín

Recién llegada desde la Mostra veneciana donde ha sido uno de las películas más comentadas, el siempre interesante Pablo Larraín , autor de NO, El Club o Jackie, vuelve con espíritu disruptivo e incendiario. Ema trasciende el retrato generacional de la juventud chilena contemporánea para retratar un malestar que afecta a una gran parte de las capas sociales a ritmo de reggeaton, del que hace una elogiosa defensa como música y estética con implicaciones políticas. A destacar sin duda el enorme trabajo de Mariana di Girolamo, una especie de ángel caído que al igual que Terence Stamp en la muy profética Teorema (1968) de Pasolini, desestabiliza todas las convenciones sociales allá por donde pasa para alumbrar un nuevo orden social más donde las caducas convenciones no tienen lugar ni sirven para nada.  Y al igual que hizo Almodóvar hace más de veinte años en Todo sobre mi madre, Larraín crea una ficción, aunque tal vez se esté ya produciendo, donde sus personajes tienen el poder inmenso de articular su existencia de una manera más libre. Perlas/Perlak

HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO. Wang Xiaoshuai

El director chino Wang Xiaoshuai, conocido en occidente a partir de La bicicleta de Pekín (2001), recaló este año en la sección oficial de la Berlinale con este drama-río de tres horas de duración donde ajusta cuentas con la imposición de la política de hijo único del régimen chino, que marcó dramaticamente la vida de varias generaciones en el gigante asiático desde los albores de la Revolución Cultural hasta el año 2015. La historia, contada a través de las visicitudes que vive un un matrimonio durante tres décadas, está narrada de forma clásica aunque evidencia una gran complejidad por la cantidad de saltos en el tiempo  y elipsis que contiene. Descansa, sobre todo, en una pareja de actores inconmensurables, -Yong Mei y Wang Yingchiun-, que realizan un trabajo prodigioso por el que recibieron el premio de interpretación en el Festival de Berlín. Tan bella como triste, Wang Xiaoshuai ha realizado una película produndamente humana que permanecerá en la memoria. Perlas/Perlak

SESTRA. Svetla Tsotsorkova

La búlgara Svetlana Tsortsova es una directora respaldada por el Festival de San Sebastián ya que participó en 2015 con su primer largometraje, Thirst. Este año ha vuelto a la misma sección que la vió nacer como directora con su segunda película, Sister, donde narra la peculiar relación entre dos hermanas con su madre. Una relación plagada de ocultaciones, mentiras y medias verdades siempre al borde de la explosión durante todo el metraje. La originalidad de la película radica en que estas relaciones en apariencia tan conflictivas en realidad no lo son tanto planteando una irónica pero eficaz sororidad femenian. New Directors

DELPHINE ET CAROLE, INSOUMUSES. Callisto McNully

La actriz francesa Delphine Seyrig fue una de las interprétes más reconocidas del cine autor europeo de los años 70, con títulos legendarios como El año pasado en Marienbad, El discreto encanto de la burguesía o Jeanne Dielman y reclamada por directores como Margarite Duras, Joseph Losey, François Truffaut, Jacques Demy o Chantal Ackerman. Lo que narra este documental programado en Zabaltegi es el proceso de toma de conciencia feminista y su puesta en práctica junto a la documentalista Carole Roussopoulos, quien le enseña las técnicas del vídeo, y su paso a la acción militante en una década donde una actriz de su prestigio y posición se podía jugar su carrera. Uno de los grandes atractivos de este documental es el uso del material de archivo, tanto de películas interpretadas por la actriz como del materiales – entrevistas, debates de televisión-, que rodaron las dos activistas. Destaca el conjunto de entrevisas realizadas en Estados Unidos a actrices como Jane Fonda, Maria Schneider o Ellen Burstyn, así como su papel en el Manifiesto de las 343, en pro del derecho al aborto. Sin duda dos mujeres adelantadas a su tiempo. Zabaltegi

BULL. Annie Silverstein

La ópera prima de la estadounidense Annie Silverstein, Bull, ha sido la encargada este año de iniciar las proyecciones en la sección Un Certain Regard. Ya conocida en Cannes al haber ganado el premio de la Cinefondation en 2014 con su cortometraje Skunk,  la directora nos lleva hasta el mundo del rodeo en una pequeña localidad de Houston para contar la interesante relación que establecen Kris, una adolescente de 14 años con su madre en la carcel, y Abe, su vecino negro que ha iniciado ya su étapa de declive dentro del rodeo. Dos personas unidas por una terrible soledad.

En su debut en el largo, Silverstein demuestra sutileza y profundidad en la dirección aunque le falta audacia para trascender y descarse de películas de similar temática. Con todo es una obra que transmite sinceridad y logra un profundo retrato psicológico de los dos protagonistas.  Un Certain Regard

LES MISÉRABLES. Ladj Ly

Otro debut pero más contundente y enérgico ha sido Les Misérables, obra del director francés Ladj Ly, formado en el cine militate del colectivo Kourtrajmé. Les Misérables supone una vuelta contemporánea a la explosiva situación social de los banlieu que Mathieu Kassovitz reflejó hace un cuarto de siglo en La Haine, película que produjo un choque emocional al director cuando la vio con 17 años. Filmada con fuerza y contundencia durante casi todo su desarrollo evita caer en maniqueismos fáciles pero también tiene escenas efectistas que si bien funcionan muy bien en pantalla no terminan por hacer la película redonda que podría haber sido. Como diagnóstico de la Francia actual resulta demoledora. Una película que muy seguramente estará en el palmarés final. Sección Oficial

LA FEMME DE MON FRÈRE. Monia Chokri

A veces se me olvida que Cannes también es un festival de cuotas y la La Femme de Mon Frère, película de inauguración de la sección Un Certain Regard dirigida por la canadiense Monia Chokri es una de ellas. Cumple con la cuota quebequesa bajo influencia de Xavier Dolan porque como película no deja de ser un ejercicio paródico, histérico y gratuito que cuenta la alteración que sufre la relación entre dos hermanos al entrar en juego la mujer del chico. Una película que no pinta nada en un festival como Cannes. Un Certain Regard

Película de apertura (fuera de competición): El gran Gatsby – Baz Luhrmann

Película de clausura: Zulu – Jérôme Salle

Competición:

Only God Forgives – Nicolas Winding Refn
Borgman – Alex Van Warmerdam
La grande bellezza – Paolo Sorrentino
Behind The Candelabra – Steven Soderbergh
La Venus à la fourrure – Roman Polanski
Nebraska – Alexander Payne
Jeune et jolie – François Ozon
Wara No Tate – Takashi Miike
La vie d’Adèle (Blue is the Warmest Color)- Abdellatif Kechiche
Soshite Chich Ni Naru – Hirokazu Kore-eda
Tian Zhy Ding – Zhangke Jia
Grisgris – Mahamat-Saleh Haroun
The Immigrant – James Gray
Le Passé (The Past)- Asghar Farhadi
Heli – Amat Escalante
Un indien des plaines (Jimmy P.) – Arnaud Desplechin
Michael Kohlhaas – Arnaud Despallières
Inside Llewyn Davis – Ethan & Joel Coen
Un Château en Italie – Valeria Bruni-Tedeschi

Fuera de competición:

All Is Lost – J.C Chandor
Blood Ties – Guillaume Canet

Proyecciones especiales:

Otdat Konci – Taisia Igumentseva
Seduced and Abandoned – James Toback
Week End of a Champion – Roman Polanski
Stop the Pounding Heart [tráiler] (Low Tide)- Roberto Minervini
Muhammad Ali’s Greatest Fight – Stephen Frears
Max Rose – Daniel Noa

Proyecciones de medianoche:

Blind Detective – Johnnie To
Monsoon Shootout – Amit Kumar

Un Certain Regard:

The Bling Ring – Sofia Coppola
Grand Central – Rebecca Zlotowski
Sarah préfère la course – Chloé Robichaud
Anonymous – Mohammad Rasoulof
La jaula de oro – Diego Quemada-Díez
L’image manquante – Rithy Panh
Bends – Flora Lau
L’inconnu du lac – Alain Guiraudie
Miele – Valeria Golino
As I lay dying – James Franco
Norte, Hangganan ng kasaysayan – Lav Diaz
Les salauds – Claire Denis
Fruitvale Station – Ryan Coogler
Death March – Adolfo Alix Jr.
Omar – Hany Abu-Assad

The Master se incluyó a última hora en la sección oficial de Venecia tras haberse anunciado días antes el resto de las películas y un desmentido por parte del director de la Mostra de que no sería esta la película que faltaba por anunciar. Todos esto ha provacado que la expectación sobre la nueva película de Paul Thomas Anderson fuera enorme y buena parte de la prensa ya la tiene como ganadora del León de oro desde el inicio del festival.

Pero nada de eso importa tras verla en el cine. Y lo que se ve es una obra compleja, turbadora y fascinante que aletea sobre muchos elementos, escenas y situaciones que dejan una interpretación abierta y nada explicita sobre sí lo que cuenta es la vida del fundador de la Iglesia de la Cienciología. The Master no tiene la épica conscientemente buscada de “Pozos de Ambición” sino que trabaja con materiales más turbios, oscuros, difíciles y sensibles de la psique humana y, sobre todo, cimienta su enorme calidad en el trabajo descomunal de Joaquin Phoenix y de Philip Seymour Hoffman, tan diferentes en su forma de actuar y tan complementarios en la película.

Mencionar el trabajo de John Greenwood, autor de arriesgadas y fascinantes bandas sonoras, y también aquí, un elemento determinante en la configuración formal de la película. Nadie usa la música con P. T. Anderson en el cine comercial actual.

Habitual de los grandes festivales, el francés Xavier Giannoli, aborda en “Superstar” los mecanismos de una sociedad que pasa con la misma y desconocida facilidad de la admiración total al odio a través de la historia de un hombre corriente que se convierte una persona ultra famosa sin motivo aparente.  No es una película sobre la “celebridad” ni sobre la fama sino que aborda la falta de control que tenemos sobre nuestra propia vida en una sociedad donde la intimidad está a punto de desaparecer gracias a la tecnololgía, las redes sociales y la manipulación de los grandes medios de comunicación.

The Iceman. Ariel Vromen

Lástima que Michael Shannon no haya encontrado un director a la altura de su interpretación en “The Iceman”, donde un tono tan enfático y solemne terminan por lastrar lo que podría haber sido una gran película. Basada en un caso real de un asesino a sueldo que mató a más de 100 personas mientras mantenía una modélica vida familiar, no indaga en la brutal psicología de este personaje para repetirse en una historia contada sin originalidad. Como gancho comercial desfilan por la pantalla nombres ilustres como Wynona Ryder, James Franco o Stephen Dorff en papeles secundarios.