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Mi (muy) parcial Festival de San Sebastián 2019

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Si la 66ª edición del Festival de San Sebastián se caracterizó por un crisis de crecimiento del certámen que pareció pillar desprevenidos a sus organizadores pero que afectó sobre todo al desempeño del trabajo de la prensa acreditada, con el consiguiente aluvión de críticas negativas a la organización, la edición de 2019 del Zinemaldi se ha desarrollado con comodidad inesperada para los profesionales de la información en eventos de este calibre, fruto de las inteligentes medidas introducidas por el equipo de José Luis Rebordinos.

Siempre que se hace una valoración de una edición del Zinemaldi hay que resaltar la especial posición que ocupa el certámen vasco dentro del complejísimo panorama de los festivales internacionales de cine. Si por un lado ha jugado ser un escaparate del cine latino sin conseguirlo realmente del todo, en los últimos años se ha conformado como el festival resumen del año, el festival al que hay que ir si realmente se quiere tener una visión de lo más destacado del año audiovisual si no se puede acudir a los grandes festivales históricos de Berlín, Cannes, Locarno o Venecia, que junto a Toronto y en menor medida, Sundance, marcan la evolución del cine cada año.

Con este rol asumido cada vez con más claridad, el equipo del Zinemaldi consigue armar cada año un evento que satisface diferentes intereses que van desde la promoción de la propia ciudad, los intereses del público generalista, los del cine español, los de la industria (sobre todo latinoamericana), los de la prensa especializada y la no especializada, de distribuidoras y exhibidores, todo sin perder de vista su carácter de evento competitivo e internacional y su función de plataforma para el descubrimiento de nuevos talentos.

Con este modelo de festival que parece funcionar, aunque no sabemos por cuanto tiempo dentro del competitivo y cambiante mundo de los festivales de cine, la sección Perlas/Perlak se configura como la más mediática, seguida y disputada del certámen. En esta edición se ha programado un buen número de las películas que probablemente van copar la temporada de premios a nivel internacional. De Berlín se ha podido ver el magnífico y conmovedor drama chino So Long, My Son (Wang Xiaoshuai), Amazing Grace, el documental sobre el concierto de Aretha Franklin donde grabó su álbum más vendido. De Cannes ha llegado la mayoría de títulos de la sección con Parasite (Bong Joon-ho), la bomba coreana ganadora de la Palma de Oro en la edición de este año, a la cabeza. También se han visto la magnífica y exquisita Portrait del jeune fille en feu (Céline Sciamma), Beanpole (Kantemir Balagov), la nueva joya del gallego Oliver Laxe y también premiada en Un Certain Regard O Que Arde; Les Miserables, de Ladj Ly o The Lighthouse, la nueva película de Robert Eggers. Desde la reciente Mostra se ha podido ver La Verité, la aventura francesa del siempre querido en Donosti Hirokazu Koreeda; la incendiaria Ema, del chileno Pablo Larraín o The Laundromat, la visión de Steven Soderbergh del escándalo de los papeles de Panamá.

En las últimas ediciones, New Directors es una sección que está aumentado su interés y prestigio por el buen ojo y selección de los programadores del Festival y al que la prensa especializada debería prestar mucha más atención. Si el año pasado nos descubrió al japonés Hiroshi Okuyama, autor de Boku wa Iesu-sama ga kirai/Jesus o a Celia Rico con Viaje al Cuarto de una Madre, en la última edición reconoció el trabajo del chileno Jorge Riquelme Serrano, director de Algunas Bestias,  que para una parte de la prensa ha sido una de las películas más interesantes de todo el festival. También han destacado La Inocencia, primera película de Lucía Alemany, graduada de la Escac, así como Las letras de Jordi, ópera prima de Maider Fernández.

Como consecuencia del peculiar lugar que ocupa el Zinemaldi en el panorama de festivales competitivos, la Sección Oficial puede oscilar según los años en un escaparate interesante o una selección de menos nivel, cosa que ha ocurrido en la última edición. Hay que añadir que el jurado presidido por el realizador irlandés Neil Jordan no ha destacado por la audacia y sagacidad de sus elecciones para el palmarés, retomando una tradición de fallos garrafales de los jurados de San Sebastián que han lastrado históricamente una lista de películas ganadoras que podía ser impresionante. Concentró en pocas películas los siete premios posibles de la Sección Oficial, teniendo en cuenta que el premio de mejor actriz fue exaequo para Nina Hoss (The Audition) y Greta Fernández (La hija de un ladrón).  Concedió la Concha de Oro a la brasileña Pacificado, dirigida por el norteamericano Paxton Winters, y dos premios más – el premio al mejor actor y a la mejor fotografía-, un reconocimiento excesivo para una película que no contaba en las quinielas. La otra película que sale victoriosa de su paso por San Sebastián es La Trinchera Infinita, obra a seis manos por los locales Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, que recibió los premios a la mejor dirección y al mejor guion, y máxima favorita al triunfo final para buena parte de la prensa y desde luego para el público de San Sebastián.

La pasada edición no será especialmente recordada. Más bien supone un festival de transición y menos brillante que otros anteriores. El Zinemaldi reafirma su modelo con un respaldo masivo de un público que adora el festival y lo siente como suyo. Eso está muy bien pero desde otro punto de vista y si no quiere perder definitivamente sus opciones, el certámen deberá introducir cambios y abrirse a miradas renovadoras y sobre todo echar el resto en el competitivo mundo de los festivales de cine para conseguir películas que realmente dejen huella y merezcan el viaje a San Sebastián.

Algunas de las películas que pude ver y que más me interesaron fueron:

THE AUDITION. Ina Weisse

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La segunda película de la alemana Ina Weisse se construye en torno al portentoso trabajo interpretativo de Nina Hoss y en un principio remite al mundo de Haneke y La Pianista entre sus referencias más evidentes aunque de forma inteligente evita sumergirse por completo en los infiernos del director austriaco conformando un sobrio, preciso e inquiente retrato de la obsesion de una profesora de violín con su alumno en la búsqueda de la perfección artística. En el reflejo de su anhelo vital, la película se detiene especialmente en mostar el universo personal que rodea a la protagonista, buscando por un lado encontrar explicaciones a su comportamiento y por otro mostrar como el obsesivo afán de perfección tiene consecuencias terribles para quienes la rodean aunque evita en todo momento juicios morales. Para equilibrar las turbulencias de este viaje al fondo de la psique, Weisse recurre a magnífica interpretaciones de obras de Bach, que actúan  como contrapunto para evidencia que la belleza y la perfección artística se pueden alcanzar por otros medios. Sección Oficial

LA TRINCHERA INFINITA. Aitor Arregui, Jon Garaño, José Mari Goenaga

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Dirigida a seis manos por los donostiarras Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, La Trinchera Infinita es su película más ambiciosa hasta ahora y nada mas proyectarse en el Zinemaldi escaló a favorita de parte de la prensa y del público al triunfo final. Inspirada por  el libro Los Topos, escrito por Manu Leguineche y Jesús Torbado en 1977, y los innumerables casos que se dieron durante la Guerra Civil y la dictadura franquista de personas que vivieron escondidas durante décadas por miedo a las represalias, la película adopta en todo momento el punto de vista de estas personas. Esta orignalidad constituye un reto narrativo y audiovisual considerable si tenemos en cuenta que la película dura dos horas y media. El resultado es una primera hora que vuelta a gran altura desde todos los puntos de análisis pero que va perdiendo fuerza e interés a medida que la película avanza. Al inicio, los tres directores sumergen al espectador directamente en el horror que viven los personajes logrando una profundidad psicológica y sensorial increíble. El punto de inflexión lo marca el desarrollo narrativo de la historia, con decisiones de guion claramente erradas y altamente improbables que pudieran darse en la época. Desaparecido el estudio psicológico de los magníficos protagonistas, la película deriva en una edulcoración de la narración que tal vez permita respirar al espectador y hacerla más comercial pero que le hace perder interés. Sección Oficial

MIENTRAS DURA LA GUERRA. Alejandro Amenábar

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Segunda película a concurso con la Guerra Civil como elemento protagonista y primera vez de Amenábar a competición en San Sebastián. Tras la fracasada Regression, presentada fuera de concurso hace cuatro años, nadie podía imaginar que Amenábar eligiera la compleja figura del intelectual Miguel de Unamuno en los inicios de la Guerra Civil como elemento protagonista de su siguiente película. Asumida la sorpresa inicial quedaba despejar la expectación generada por una propuesta en principio tan alejada de los temas tratados por Amenábar en sus anteriores trabajos. Con una puesta en escena magnífica -marca de la casa por otra parte-, y una interpretación de altura por parte de Karra Elejalde, la tesis de la película navega entre una equidistancia ideológica, que se aleja de buena parte de la filmografía del cine español sobre el tema, y un didactismo más propio de una clase de la ESO, tal vez con el objetivo de que sea entendida en el mercado internacional ya que remarca innecesariamente hechos históricos básicos conocidos por toda la sociedad. Desde el punto de vista cinematográfico contiene momentos brilllantes, -la escena del discurso de la famosa frase de “vencéreis pero no convenceréis” en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca-, y otras claramente sonrojantes como son los subrayados emotivos buscando una fácil identificación emocional del espectador. Sección Oficial

VENDRÁ LA MUERTE Y TENDRÁ TUS OJOS. José Luis Torres Leiva

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Primera participación a competición del cineasta chileno José Luis Torres Leiva, muy vinculado a la ciudad por haber colaborado con Tabakalera y haber prsentado sus obras anteriores en secciones del festival como Zabaltegi, donde hace tres años se pudo ver El viento sabe que vuelvo a casa y el corto El vuelo de Ana. Su nuevo trabajo toma el título de un poema del mismo nombre de Cesare Pavese que escribió antes de suicidarse. Con esta premisa, Torres Leiva aborda los últimos días de una pareja enamorada acosada por una enfermedad terminal de una de ellas que toma de decisión de no tratarse. Aceptado el planteamiento tan arriesgado, Torres Leiva nos muestra un poema visual elegíaco llevado casi al límite de la sublimación mediante las historias paralelas que cuenta pero donde no falta la ironía ni el elogio de la vitalidad en una película donde resuenan ecos del cine de Apichatpong Weerasetakhul. Película arriesgada y diferente auque que no termina de funcionar en todas sus aristas pero a tener en cuenta por aparterse totalmente de los lugares comunes. Sección Oficial

TEMBLORES. Jayro Bustamante

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La película del guatemalteco Jayro Bustamante es un profundo, meticuloso y detallado retrado de como el fanatismo e irracionalidad de las sectas, tan presentes entre las clases altas de muchas sociedades latinoamericanas, pueden condicionar y determinar la vida de una persona sino también tener consecuencias desastrosas para toda la sociedad. Para este preciso retrato, Temblores se sirve de la relación que establece Pablo, mienbro de la alta sociedad del país, con Javier, gay declarado, con el que inicia una nueva vida dejando atrás a su familia, que toma la determinación de “recuperar” y “curar” para una vida “normalizada a Javier utilizando para ello toda clase de manipulaciones y estragemas. Demoledor retrato de una sociedad condicionada por el fanatismo y la intoleracia. Como dispositivo formal, Bustamante pone especial énfasis en el uso de diferentes texturas y sonoridades, enriqueciendo la película hasta hacer de ella una verdadera experiencia. A destacar el gran trabajo interpretativo de los actores, en especial de su protagonista, Juan Pablo Olyslager, y de las actrices Sabrina de la Hoz y Diane Bathen. Horizontes Latinos

MONOS. Alejandro Landes

Captura de pantalla 2020-02-12 a la(s) 20.14.46La nueva película del colombiano Alejandro Landes, que ganó el Premio Especial del Jurado en Sundance, tiene su centro de gravedad en la gran potencia visual de sus imágenes. Ambientada en lo más profundo de la selva colombiana, Landes genera un dispositivo audiovisual imponente que subyuga e impresiona todo el tiempo la mirada absorta del espectador para retratar la vida de un grupo de guerrilleros jóvenes que al final son dominados por la fuerza y el misterio de la naturaleza más salvaje. Es una narración donde lo etnográfico tiene una presencia constante, se articula en un mix entre el clásico de William Golding, El Señor de las Moscas, el viaje a las tinieblas de Apocalypse Now y desde una vertiente política, la presencia de la guerrilla de las FARC en la vida colombiana. Horizontes Latinos

EMA. Pablo Larraín

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Recién llegada desde la Mostra veneciana donde ha sido uno de las películas más comentadas, el siempre interesante Pablo Larraín , autor de NO, El Club o Jackie, vuelve con espíritu disruptivo e incendiario. Ema trasciende el retrato generacional de la juventud chilena contemporánea para retratar un malestar que afecta a una gran parte de las capas sociales a ritmo de reggeaton, del que hace una elogiosa defensa como música y estética con implicaciones políticas. A destacar sin duda el enorme trabajo de Mariana di Girolamo, una especie de ángel caído que al igual que Terence Stamp en la muy profética Teorema (1968) de Pasolini, desestabiliza todas las convenciones sociales allá por donde pasa para alumbrar un nuevo orden social más donde las caducas convenciones no tienen lugar ni sirven para nada.  Y al igual que hizo Almodóvar hace más de veinte años en Todo sobre mi madre, Larraín crea una ficción, aunque tal vez se esté ya produciendo, donde sus personajes tienen el poder inmenso de articular su existencia de una manera más libre. Perlas/Perlak

HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO. Wang Xiaoshuai

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El director chino Wang Xiaoshuai, conocido en occidente a partir de La bicicleta de Pekín (2001), recaló este año en la sección oficial de la Berlinale con este drama-río de tres horas de duración donde ajusta cuentas con la imposición de la política de hijo único del régimen chino, que marcó dramaticamente la vida de varias generaciones en el gigante asiático desde los albores de la Revolución Cultural hasta el año 2015. La historia, contada a través de las visicitudes que vive un un matrimonio durante tres décadas, está narrada de forma clásica aunque evidencia una gran complejidad por la cantidad de saltos en el tiempo  y elipsis que contiene. Descansa, sobre todo, en una pareja de actores inconmensurables, -Yong Mei y Wang Yingchiun-, que realizan un trabajo prodigioso por el que recibieron el premio de interpretación en el Festival de Berlín. Tan bella como triste, Wang Xiaoshuai ha realizado una película produndamente humana que permanecerá en la memoria. Perlas/Perlak

SESTRA. Svetla Tsotsorkova

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La búlgara Svetlana Tsortsova es una directora respaldada por el Festival de San Sebastián, ya que participó en 2015 con su primer largometraje, Thirst. Este año ha vuelto a la misma sección que la vió nacer como directora con su segunda película, Sister, donde narra la peculiar relación entre dos hermanas con su madre. Una relación plagada de ocultaciones, mentiras y medias verdades siempre al borde de la explosión durante todo el metraje. La originalidad de la película radica en que estas relaciones en apariencia tan conflictivas en realidad no lo son tanto planteando una irónica pero eficaz sororidad femenian. New Directors

DELPHINE ET CAROLE, INSOUMUSES. Callisto McNully

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La actriz francesa Delphine Seyrig fue una de las interprétas más reconocidas del cine autor europeo de los años 70, con títulos legendarios como El año pasado en Marienbad, El discreto encantode la burguesía o Jeanne Dielman y reclamada por directores como Margarite Duras, Joseph Losey, Fraçois Truffaut, Jacques Demy o Chantal Ackerman. Lo que narra este documental programado en Zabaltegi es el proceso de toma de conciencia feminista y su puesta en práctica junto a la documentalista Carole Roussopoulos, quien le enseña las técnicas del vídeo, y su paso a la acción militante en una década donde una actriz de su prestigio y posición se podía jugar su carrera. Uno de los grandes atractivos de este documental es el uso del material de archivo, tanto de películas interpretadas por la actriz como del materiales – entrevistas, debates de televisión-, que rodaron las dos activistas. Destaca el conjunto de entrevisas realizadas en Estados Unidos a actrices como Jane Fonda, Maria Schneider o Ellen Burstyn, así como su papel en el Manifiesto de las 343, en pro del derecho al aborto. Sin duda dos mujeres adelantadas a su tiempo. Zabaltegi

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 5

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PORT AUTHORITY. Danielle Lessovitz

Estimable ópera prima de la directora Danielle Lessovitz que en su debut en el largometraje ha contado nada menos que con Martin Scorsese como productor. La película cuenta la historia de Paul, un joven de veinte años en libertad condicional que llega a Nueva York en busca de una hermana que lo rechaza. Este situación aboca al protagonista a vivir con un grupo de delincuentes y también el acceso a la comunidad voguing de la ciudad, donde conoce a una chica trans de la que se enamora en lo que será un amor imposible que le servirá como paso a la edad adulta. La parte más destacable radica en como el personaje va percibiendo que lo que en principio es rechazado por la sociedad por marginal puede convertirse en su verdadera comunidad y familia que le sirva protección. Un Certain Regard

 

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JEANNE. Bruno Dumont

En una de las más bellas películas vistas hasta ahora en el Festival, Bruno Dumont se acerca a uno de los mitos franceses más tratado por grandes autores en la historia del cine como Dreyer, Bresson o Rivette. En este nuevo tratamiento, el director francés retoma algunas constantes de su cine como es el de trabajar con actores no profesionales o centrar la historia en pocos escenarios desprovistos de cualquier artificio. Lo que consigue es una sublime película iconoclasta que trastoca el mito y lo coloca en un lugar casi desacralizado pero lleno de fascinación. En mi opinión, una película que debería haber estado a concurso. Sección Oficial

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LIBERTÉ. Albert Serra

En su nueva película, Albert Serra lleva a un grupo de nobles libertinos del siglo XVIII hasta un bosque nocturno donde práctican sexo libremente durante toda la noche. Con este planteamiento, la película es un ejercicio de valentía y de radicalidad cinematográfica en la que Serra ha sido hábil y no ha caído en la provocación que a priori plantea la película para el espectador. Serra no crea imágenes pornográficas y no juega a provocar deseo en el espectador, lo admirable es como cinematograficamente es capaz de crear una atmósfera fascinante que posibilitan los deseos de transgresión de la naturaleza humana. Un Certain Regard

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LA GOMERA. Corneliu Porumboiu

Un tanto rara avis frente a la imponente nómina de directores rumanos, Corneliu Porumbiou aterrizó en la Sección Oficial con otro objeto volador no indentificado que bebe de muy diversas fuentes. ¿Alguien habría podido imaginar que el silbo de la isla de la Gomera podría servir como elemento clave de una película noir rumana y concursar en Cannes? Además al terminar suena la Marcha Radetzky! Éste es solo uno de los múltiples elementos, que comprende referencias cinéfilas y musicales, con los que Porumboiu construye una de las propuestas más interesantes y enigmáticas vistas hasta el momento. Vista la reacción tan seca del público intuyo que buena parte de los espectadores no quisieron participar ni de su película ni de su sentido del humor. Sección Oficial

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 2

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BULL. Annie Silverstein

La ópera prima de la estadounidense Annie Silverstein, Bull, ha sido la encargada este año de iniciar las proyecciones en la sección Un Certain Regard. Ya conocida en Cannes al haber ganado el premio de la Cinefondation en 2014 con su cortometraje Skunk,  la directora nos lleva hasta el mundo del rodeo en una pequeña localidad de Houston para contar la interesante relación que establecen Kris, una adolescente de 14 años con su madre en la carcel, y Abe, su vecino negro que ha iniciado ya su étapa de declive dentro del rodeo. Dos personas unidas por una terrible soledad.

En su debut en el largo, Silverstein demuestra sutileza y profundidad en la dirección aunque le falta audacia para trascender y descarse de películas de similar temática. Con todo es una obra que transmite sinceridad y logra un profundo retrato psicológico de los dos protagonistas.  Un Certain Regard

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LES MISÉRABLES. Ladj Ly

Otro debut pero más contundente y enérgico ha sido Les Misérables, obra del director francés Ladj Ly, formado en el cine militate del colectivo Kourtrajmé. Les Misérables supone una vuelta contemporánea a la explosiva situación social de los banlieu que Mathieu Kassovitz reflejó hace un cuarto de siglo en La Haine, película que produjo un choque emocional al director cuando la vio con 17 años. Filmada con fuerza y contundencia durante casi todo su desarrollo evita caer en maniqueismos fáciles pero también tiene escenas efectistas que si bien funcionan muy bien en pantalla no terminan por hacer la película redonda que podría haber sido. Como diagnóstico de la Francia actual resulta demoledora. Una película que muy seguramente estará en el palmarés final. Sección Oficial

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LA FEMME DE MON FRÈRE. Monia Chokri

A veces se me olvida que Cannes también es un festival de cuotas y la La Femme de Mon Frère, película de inauguración de la sección Un Certain Regard dirigida por la canadiense Monia Chokri es una de ellas. Cumple con la cuota quebequesa bajo influencia de Xavier Dolan porque como película no deja de ser un ejercicio paródico, histérico y gratuito que cuenta la alteración que sufre la relación entre dos hermanos al entrar en juego la mujer del chico. Una película que no pinta nada en un festival como Cannes. Un Certain Regard

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 1

THE DEAD DON'T DIE

THE DEAD DON’T DIE. Jim Jarmusch

Jim Jarmusch, uno de los nombre reiterados del Festival de Cannes- en su octava participación-, inaugura el certamen con The Dead Don’t Die, una sátira tragicómica desencantada y política con los zombies como metafora de las sociedades contemporáneas. Arropado por nombres muy habituales de su trayectoria fílmica como  Bill Murray, Tilda Swinton, Adam Driver, Chloë Sevigny o Iggy Pop se sirve del legendario Tom Waits como alter ego del propio director en un papel de ermitaño que vive en un bosque sin apenas contacto social que observa con desdén y desde la distancia el devenir de los habitantes de Centerville, una remota y anodina localidad de 738 habitantes, paradigma y microcosmos de la America profunda de Trump. Una tranquilidad que se ve pertubarda por un hecho insólito, al que asisten totalmente indiferentes,  como el es cambio de rotación de la tierra por el cambio climático que provoca que los muertos salgan de sus tumbas.

Jarmusch formaliza una película que reúne casi todos los elementos característicos ha construido a lo largo de su ya larga carrera y echa mano de una larguísima lista de citas referenciales que van desde Hitchcock a Melville pasando por Georges A. Romero y Stars Wars para formular una crítica sardónica y desesperanzada al capitalismo salvaje y al tipo de sociedades indiferentes que ha producido y que amenza con llevarse todo por delante. Pese a su exquisitez y sofisticación, Jarmusch abusa de cierta reiteración en varios temas y gags, lo que termina por emborronar la sensación final. Sección Oficial

Un Lanthimos más convencional

Captura de pantalla 2019-01-26 a la(s) 08.34.17Yorgos Lanthimos dirigiendo a Olivia Colman en La Favorita

Desde su contundente irrupción en el panorama cinematográfico internacional en 2009 con la extraordinaria Canino -aunque tambien dirigió en 2005 Kinetta-, las siguientes películas de Yorgos Lanthimos (Alps, The Lobster, The killing of a sacred deer) están estrechamente ligadas al reflejo de las paranoias, descompensaciones, fustraciones y obsesiones del mundo contemporáneo con unas marcas estilísticas tan originales como indisociables del mundo y personajes que refleja. En La Favorita dirige por primera vez un guion ajeno  (Deborah Davis y Tony McNamara) y cambia las sociedades occidentales actuales por la Inglaterra de principios del siglo XVIII para contar una historia con transfondo histórico sobre poder, manipulación y dependencias emocionales entre la Reina y dos mujeres que se disputan ser sus preferidas.

A pesar del gran duelo interpretativo entre las tres actrices que protagonizan la película – Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone- y de algunas elecciones estilísticas como la oscura fotografía de Robbie Ryan y del vestuario de Sandy Powel, desde el punto de vista de la dirección, La Favorita es un infructuoso intento por insertar en una historia ajena y de época las marcas reconocibles del estilo cinematográfico de Lanthimos, quedando solo pequeños rastros en actitudes, gestos (el baile ridículo entre Rachel Weisz y Joe Alwyn) y encuadres de cámara (el forzado y recurrente uso del ojo de pez o el contrapicado final sobre el rostro distorsionado de Olivia Colman a la manera de Bacon).

Sin duda la película más convencional y menos interesante de su director aunque el espectador que no conozca el cine de Lanthimos pueda percibirla como un original acercamiento a un tema que cuenta con un amplio tratamiento en el cine como es la ambición de poder y sus consecuencias emocionales y políticas.

Only Lovers Left Alive

 

Jim Jarmusch. 2013

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Innisfree. The quiet man

“The elephant man”

 

David Lynch. 1980

“La Dentellière”

Claude Goretta. 1977

“Esta tierra es mía”

Jean Renoir. 1943