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Crónica parcial del Festival de San Sebastián 2022

ssiff sección oficial 70 edición

Las ediciones de aniversario son generalmente buena excusa para hacer un viaje al pasado y tener perspectiva de lo realizado. Sin embargo, el Festival de San Sebastián en su 70 aniversario solo puso un ojo en el pasado y se centró más en el presente y el futuro en la primera edición totalmente normalizada tras la pandemia. El equipo encabezado por José Luis Rebordinos prosigue con paso firme el asentamiento del certamen bajo parámetros industriales sin perder nunca de vista que el festival es un evento ciudadano que sin la respuesta del público no tendría justificación. El Zinemaldi sigue siendo uno de los principales festivales del circuito realizado con una profesionalidad y calidez muy de agradecer.

Los Reyes del Mundo. Laura Mora

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La colombiana Laura Mora ya era conocida en San Sebastián por su película Matar a Jesús, donde ganó el Premio de la Juventud en 2017. En su regreso al Zinemaldi, no solo ha confirmado su talento sino que se ha alzado de forma incontestable con la Concha de Oro a la mejor película con una obra exuberante donde denuncia la situación social de la Colombia post FARC a través de un grupo de desheredados. El punto más destacable de la película es su mezcla de lo onírico con una una potencia sensorial apabullante que sumerge al espectador en una realidad que no por ser ya conocida resulta menos trágica. Interpretada por actores no profesionales, el máximo premio de San Sebastián supone un hito histórico para el cine colombiano que certifica el buen momento creativo que vive el audiovisual de este país.

Girasoles Silvestres. Jaime Rosales

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La nueva obra del realizador de Petra (2018) o La Soledad (2007) es un muy interesante acercamiento al tema de las masculinidades tóxicas con un estilo realista y depurado en el que la fotografía de Hélène Louvart juega un papel destacado en la transmisión de sensaciones y estados de ánimo. Señalar también el brillante trabajo interpretativo de Anna Castillo en su búsqueda de luz y claridad para su vida y del actor Oriol Pla como una de sus parejas. Será una película que se redescubrirá pasados los años.

La Consagración de la Primavera. Fernando Franco

La consagración de la primavera _ Festival San Sebastián 2022 (1)

En su nuevo trabajo, Fernando Franco aborda un tema a priori espinoso como es el de la asistencia sexual a personas con discapacidad física, una cuestión que ya abordó con sutilidad y respeto la película The Sessions dirigida por Ben Lewin en 2012, que ganó el Premio del Público en el Zinemaldi de ese año. Por su parte, Fernando Franco se acerca a este asunto desde la luminosidad, la naturalidad y lo poético para mostrar una realidad bastante desconocida y nada tratada por nuestro cine. Es también, una de las crónicas del paso de la adolescencia a la juventud más bellas que se han hecho en el cine español.

Le Lycéen. Christophe Honoré

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El francés Christophe Honoré es autor de una filmografía bastante irregular que compagina películas tan interesantes como Vivir deprisa, amar despacio (2018) y obras intrascendentes y directamente fallidas como Haciendo planes para Lena (2009). En su nueva película, Honoré se queda a medio camino de todo. Le Lycéen es una película más interesante de lo que en un simple visionado pueda parecer pero también contiene algunas de las escenas más pedantes e insoportables de su cine. A destacar el trabajo del recién llegado Paul Kircher, hijo de la actriz Iréne Jacob.

Sparta. Ulrich Seidl

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La película-polémica del Festival llegaba a Donosti con una expectativa inusitada debido a la cancelación de su pase en el Festival de Toronto tras las acusaciones realizadas contra su director desde la revista Stern por parte de varios padres de los niños que actúan en la película, que argumentaban que no se les había informado previamente del contenido del film. Considerado como uno de los maestros del cine europeo contemporáneo, Ulrich Seidl no es un director cómodo para el espectador medio ya que su cine y su mirada disecciona algunos de los males actuales que atraviesan las sociedades europeas. En Sparta, Seidl viaja hasta Rumanía para mostrar el día a día de un pederasta austríaco que hace valer su superioridad en todos los ámbitos. A medio camino entre la ficción y el documental, esta también una crónica de la Europa asimétrica, de la explotación de la Europa pobre que convive frente a frente de la Europa rica.

Runner. Marian Mathias

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La ópera prima de la directora Marian Mathias es una obra de una gran belleza que retrata la parte menos amable y acostumbrada de los Estados Unidos donde podemos encontrar los ecos de películas como Malas Tierras, premiada con la Concha de Oro en 1974. Runner se atiene a cierta estética ligada al cine independiente norteamericano desde que existe tal concepto pero al mismo tiempo permite vislumbrar una directora a la que seguir la pista por la capacidad demostrada en la composición de los planos y el reflejos de estados de ánimo ligados a este.

Suro. Mikel Gurrea

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El debut en la dirección del donostiarra Mikel Gurrea ha sorprendido por la madurez y solidez que demuestra en este drama ambientado en el ámbito rural de Cataluña. Más allá de la crónica del desencuentro de una pareja de urbanitas que van a vivir al campo y su diferente evolución, Suro es una magnífica radiografía de los diferentes problemas que anidan en las sociedades contemporáneas como la desigualdad económica, la xenofobia o el privilegio de nacimiento.

 R.M.N. Cristian Mungiu

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Programada en la Sección Oficial de Cannes, la nueva película del maestro rumano es un minucioso y complejo retrato de la xenofobia en Europa. Tal y como acostumbran los directores de la Nueva Ola Rumana, asombra la precisión y exactitud a la hora de “recrear” actitudes, pasajes o conversaciones que se materializan en la escena de la asamblea, el momento cumbre de la película. Por otro lado, Mingiu se muestra juguetón a la hora de utilizar el background fílmico. Este caso, utiliza la conocida banda sonora que Shigeru Ubemayashi compuso para In the mood for love (Wong Kar Wai) con un propósito totalmente diferente al del director hongkonés.

Bardo, Falsa crónica de unas cuantas verdades. Alejandro G. Iñárritu

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En su vuelta a su México natal, Iñárritu se apunta a una tendencia tan de moda en el cine actual como es la autoficción. Conociendo los antecedentes de su cine, el resultado no puede ser más decepcionante. Bardo es una película donde sobre todo asoma la peor vertiente del ego de su director que pretende hacer una obra profunda, trascendental y seria poniendo en el espejo un montón de temas por medio de metáfora visuales tan cargantes como las que puede producir Sorrentino. Y como en el caso del italiano, siempre, al fondo asoma el modelo insuperable en el que se miran y se asoman estas películas de autoficción, que no es otro que Fellini y su Otto e mezzo.

Corsage. Marie Kreutzer

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Al igual que Susanna Nicchiarelli con Miss Marx (2020) o Pablo Larraín con Spencer (2021), la película de Marie Kreutzer se enmarca en la revisión y actualización de figuras históricas femeninas haciendo una lectura más cercana a la realidad desde un punto de vista contemporáneo. En Corsage lo que se produce es una enmienda a la totalidad, una destrucción completa del mito que nos transmitieron las edulcoradas películas protagonizadas por Romy Schneider en los años 50, para mostrar una persona adelantada a su tiempo con actitudes y valores más acordes a los tiempos actuales. A destacar el gran trabajo de Vicky Krieps.

Broker. Hirokazu Koreeda

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Para su primera película surcoreana, el maestro japonés ha reclutado a su mayor estrella, el actor Song Kang-ho, que encabeza una trama que gira alrededor de los “buzones de niños”, lugares donde se entregan a bebés abandonados.  Tal vez no sea la película más lograda y perfecta de Koreeda pero contiene todos los elementos que lo han encumbrado: una mirada luminosa y empática a todas las realidades, incluso a las más desagradables y molestas, y un nuevo estudio sobre las diferentes variantes de familias.

Algunas de mis películas más esperadas de Cannes 2022

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Siempre inabarcable pero casi siempre imprescindible, el Festival de Cannes tiene la cualidad de capitalizar la mayoría de los títulos más deseados que marcarán temporada cinematográfica de cada año. También es el festival más mediático y el que consigue erigirse como el trampolín para las nuevas figuras emergentes del cine de autor y hacer guiños al cine más comercial de Hollywood. Este año no podré asistir pero estas son algunas de las películas que no trataría de perderme por nada del mundo si estuviera en la ciudad francesa.

Sección Oficial

Holy Spider. Ali Abbasi

El director irano-danés sorprendió en Cannes 2018 con la original Border consiguiendo ganar la sección Un Certain Regard y colocarse como nombre de referencia a tener en cuenta.  Cuatro años después es ascendido por Frémaux a la categoría competitiva con una película en situada en el Irán del año 2001.

La sinopsis: un hombre de familia llamado Saeed mientras se embarca en su propia búsqueda religiosa: “limpiar” la ciudad sagrada iraní de Mashhad de prostitutas callejeras inmorales y corruptas. Después de asesinar a varias mujeres, se vuelve cada vez más desesperado por la falta de interés público en su misión divina.

Showing Up. Kelly Reichardt

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Primera participación de la estadounidense en la competición de Cannes después de concursar en 2008 en Un Certain Regard con Wendy and Lucy. Desde entonces, su carrera ascendente ha logrado los máximos reconocimientos con su anterior película, First Cow, conformando una filmografía de gran interés que revela aspectos inesperados de los Estados Unidos. Showing Up está interpretada por su actriz fetiche, Michelle William.s

Sinopsis: Una artista que está a punto de conseguir una exposición que le cambiará la vida. En las semanas antes del evento, su vida se convierte en un caos y, a su vez, inspira su arte.

Broker. Hirokazu Kore-eda

El japonés vuelve a Cannes tras ganar la Palma de Oro en 2018 con Un asunto de familia y estrenar en Venecia su película francesa La Verdad. Rodada en Corea del Sur, a priori, Broker, supone una vuelta al universo temático de su filmografía tras su experiencia europea y el rodaje de una serie japonesa para Netflix. Su nueva película está protagonizada por Song Kang-ho, la estrella coreana de Parasites.

Sinopsis: En Corea, una caja para bebés es un pequeño espacio en el que los padres pueden dejar a sus bebés no deseados de forma anónima. Sang-Hyun (Song Kang-Ho) encuentra nuevos padres para un bebé abandonado y hace un trato especial con ellos, aunque se llama a sí mismo un “agente de buena voluntad”.

Crimes Of The Future. David Cronenberg

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Sin duda uno de los platos fuertes de la edición de este año y una de las películas más esperadas por toda la prensa internacional desde la publicación del impactante trailer el mismo día que se anunció su participación en Cannes. David Cronenberg es uno de los totems del cine de autor mundial desde los años 70 con una temática y una estética que sigue influyendo a las nuevas generaciones de directores y directoras (por ejemplo, Julia Ducournau y Titane). Habitual de Cannes (sin ganar nunca la Palma de Oro), en su primera película en ocho años reúne un elenco estelar encabezado por un actor habitual en su cine como es Viggo Mortensen y por Kristen Stewart y Léa Seydoux.

Sinopsis: En un futuro no muy lejano la humanidad está aprendiendo a adaptarse a su entorno sintético, en un mundo donde no existe el dolor y el cuerpo humano es objeto de nuevas transformaciones y mutaciones. Con la ayuda de su compañera Caprice (Léa Seydoux), Saul Tenser (Viggo Mortensen), célebre artista performativo, escenifica la metamorfosis de sus órganos en espectáculos de vanguardia.

Tchaikovski’s Wife. Kirill Serebrennikov

Conocido tanto por su ya larga filmografía como por ser una de las bestias negras culturales opositoras al régimen de Putin, el ruso Kirill Serebrennikov vuelve a Cannes, donde ha presentado sus cuatro últimas películas. Supone la tercera participación en la competición tras Leto y la crónica alucinada y premonitoria de la situación de su país que es Petro’s Flu, presentada el año pasado. Exiliado en Alemania, será la primera vez que el director pueda acudir en persona a Cannes, ya que en las anteriores participaciones estaba sometido a arresto domiciliario o encarcelado. Será, sin duda, uno de los puntos fuertes del festival dada la actual situación provocada por la invasión de Ucrania por parte de Rusia.

Sinopsis: Rusia, siglo XIX: Antonina Miliukova, una joven rica y brillante, se casa con el compositor Piotr Tchaikovsky. Pero su amor por él se convierte en una obsesión y la joven es rechazada violentamente. Consumida por sus sentimientos, Antonina acepta soportarlo todo para quedarse con él.

Pacifiction. Albert Serra

Enfant terrible del cine español y europeo, Albert Serra es un director muy querido por el certamen francés que lo ha incluido en otras cuatro ocasiones anteriores en diversas secciones. Rodada en Tahiti, la nueva película de Serra es una coproducción con Francia que cuenta con Benoit Magimel y Sergi Lopez como protagonistas. Será estimulante ver como se valore y se perciba el cine tan característico de Serra al lado de los nombres más rutilantes del cine de autor dentro de la competición.

Sinopsis: Una escritora vuelve a su hogar en la Polinesia Francesa tras haber triunfado como escritora en Francia. Pero su vuelta está rodeada de desconcierto debido a una crisis creativa en la que está sumida. Sin poder escribir, decide aceptar un trabajo de traductora simultánea para un embajador. Pero con el tiempo, se da cuenta de que ha surgido una curiosa atracción amorosa entre ellos, siendo dos personas muy diferentes.

Armageddon Time. James Gray

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Quinta participación del norteamericano en Cannes. Interpretada por Anne Hathaway y Anthony Hopkins y de carácter autobiográfica, parece ser una crónica de los años 80 en la que sobrevuela la familia Trump y las raíces de los Estados Unidos más conservadores.

Sinopsis: El filme está basado en los recuerdos de la infancia de su director, retratando su paso de la niñez a la edad adulta en el barrio de Queens a mediados de los 80. A lo largo de la cinta, explora temas como la amistad y la lealtad con el telón de fondo de una América preparada para elegir como nuevo presidente a Ronald Reagan.

Decision To Leave. Park Chan-wook

Vuelta a la Croisette de uno de los directores coreanos más admirados tras el éxito de The Handmaiden, presentada en 2016. En esta ocasión, vuelve de la mano de la estrella china Tang Wei, actriz de Lust, Caution y de Long Day’s Journey into Night.

Sinopsis: Hae-Joon, un experimentado detective, investiga la sospechosa muerte de un hombre en la cima de una montaña. Pronto empieza a sospechar de Sore, la mujer del fallecido, mientras se que siente irremediablemente atraído por el magnetismo que desprende la joven.

R.M.N. Cristian Mungiu

El rumano Cristian Mungiu es otra de las vacas sagradas de Cannes, donde ha participado  en la Sección Oficial con todas sus películas desde su consagración definitiva en 2007 con la Palma de Oro a 4 meses, 3 semanas, 2 días. Primera película en seis años, R.M.N. promete ser una nueva, precisa y solvente disección de la sociedad rumana y europea.

Sinopsis: Matthias, un hombre que vuelve antes de Navidad a su pueblo natal en Transilvania, tras algún tiempo trabajando en el extranjero. A su retorno se muestra preocupado por la educación que su hijo Rudi ha recibido de su madre, Ana. También necesita saber cómo está su padre Otto y anhela volver a ver a su ex amante Csilla. Cuando la fábrica que dirige esta mujer con la que mantuvo un romance, contrata a trabajadores extranjeros, afloran impulsos y resentimientos muy arraigados, estallan conflictos y emociones y se rompe el barniz de paz de la comunidad.

Triangle Of Sadness. Ruben Östlund

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Primera película del sueco tras ganar la Palma de Oro en 2017 con The Square. Esperada con ansiedad para la edición del año pasado, su nueva obra promete ser una nueva disección sin concesiones de las sociedades occidentales contemporáneas.  Si su anterior película diseccionaba el mundo del arte esta vez la ambienta en el universo de la moda.

Sinopsis: Una pareja de modelos son invitados a un crucero de lujo. Cuando el yate se hunde acaban en una isla desierta con un grupo de multimillonarios y una señora de la limpieza. En la lucha por la supervivencia, las antiguas jerarquías se trastocan ya que la limpiadora es la única que sabe pescar.

Frère Et Soeur. Arnaud Desplechin

Situado como uno de los referentes más indiscutibles del cine de autor francés Desplechin es uno de los habituales en la sección a competición de Cannes. Autor de obras magníficas como Rois et Reine, Un conte de Nöel o Roubaix, un lumière, también lo es de fracasos artísticos como Tromperie, adaptación de la novela de Philip Roth, presentada en Cannes 2021.

Sinopsis: Un hermano y una hermana a punto de entrar en la cincuentena… Alice es actriz; Louis fue profesor y poeta. Alice odia a su hermano desde hace más de veinte años. No se han visto en todo ese tiempo. A la muerte de sus padres, este hermano y esta hermana se verán obligados a volver a verse.

Close. Lukas Dhont

El belga Lukas Dhont asciende a la categoría reina del festival tras ganar con Girl en Un Certain Regard en 2018. Su nueva película también ambientada en las realidades LGTBIQ y desde el anuncio de su participación ya aparece en muchas quinielas de críticos como una de las más firmes candidatas a conseguir la Palma de Oro.

Sinopsis: Léo y Rémi son dos niños de 13 años que siempre han sido amigos. Hasta que un acontecimiento impensable los separa. Tras ello, Léo se acerca a Sophie -la madre de Rémi- para intentar comprender que es lo que ha roto sus inseparables lazos de amistad.

Eo. Jerzy Skolimowski

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Sexta participación en Cannes para uno de los maestros vivientes del cine polaco y europeo. Conocido por obras como The Shout, Moonlight o El año de las lluvias torrenciales, esta vez vuelve con una revisitación del clásico de Robert Bresson Au hasard Balthazar, quien contando la vida de un burro analizaba los comportamientos humanos. Su nueva película parece tener un formato de road movie pues se ambienta entre Polonia e Italia.

Sinopsis: EO, es un burro gris que mira el mundo a través de sus ojos melancólicos y soñadores. En el viaje de su vida conoce a gente buena y mala, experimenta la alegría y el dolor, siente las ruedas del destino que aplastan su inocencia con una sensación familiar de inevitabilidad e indiferencia. Comenzando su vida en un circo polaco, pasa a un establo de caballos, después a un santuario de burros, luego una granja de zorros, y finalmente a través de los Alpes hasta un palacio italiano.

Stars At Noon. Claire Denis

Convertida en referente para las nuevas generaciones de directoras y directores en todo el mundo, la francesa Claire Denis vuelve a la competición canina después de ganar este mismo año el premio a la mejor dirección en la Berlinale.

Sinopsis: En la Nicaragua de 1984, un misterioso hombre de negocios inglés y una testaruda periodista estadounidense entablan un romance cuando pronto se ven envueltos en un peligroso laberinto de mentiras y conspiraciones y se ven obligados a intentar escapar del país.

 

Un Certain Regard

Ródeo. Lola Quivoron

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Graduada en la prestigiosa Femis y conocida por sus participaciones en el Festival de Locarno, la ópera prima de la francesa Lola Quivoron disecciona espacios tradicionalmente masculismos como es el de las motos desde el punto de vista de mujeres jovenes europeas. A medio camino entre algunos videoclips de Rosalía y el cine de Julia Ducournau, parece ser una poderosa apuesta visual.

Sinopsis: Julia, una joven marginal, sale adelante con sus pequeños trapicheos y tiene una pasión voraz, casi animal, por el motociclismo. Un día de verano, conocerá a una pandilla de moteros aficionados al motocross sobre asfalto, una moda que consiste en conducir a toda velocidad y realizar figuras acrobáticas con la moto, casi siempre sin casco. La protagonista se infiltrará en este universo clandestino, formado principalmente por chicos jóvenes. Hasta que un accidente pone en riesgo su posición en la pandilla.

Quinzaine des Realisateurs

De Humano Corporis Fabrica. Véréna Paravel, Lucien Castaing-Taylor

Antropólogos de profesión y formados en el SEL (Sensory Etnography Lab) los dos directores son conocidos dentro del cine de no ficción por un tipo de acercamiento muy novedoso donde experimentan con la imagen y el sonido. Conocidos sobre todo por Leviathan (2012), sin duda la Quincena es el espacio donde mejor se puede valorar sus propuestas audiovisuales.

Sinopsis: Hace cinco siglos, el anatomista André Vesalius abrió el cuerpo al escrutinio científico por primera vez. Hoy, De Humani Corporis Fabrica abre el cuerpo al cine. Descubrimos que la carne humana es un paisaje inédito que sólo existe gracias a los ojos y las atenciones de los demás. Los hospitales, lugares de cuidado y sufrimiento, son laboratorios que unen todos los cuerpos del mundo…

El Agua. Elena López Riera

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Paso a paso se ha conformada como una de las grandes esperanzas del cine español más reciente. Su primer largo puede suponer una verdadera revelación y añadir su nombre a la ya larga nómina de directoras que están definiendo el  influyente panorama audiovisual español actual. Conocida ya en Cannes por sus cortometrajes y haber sido seleccionada con El Agua en la Cinefondation, su película es una coproducción con Francia, lo que le garantiza su estreno en el país vecino.

Sinopsis: Es verano en un pequeño pueblo español del sureste. Una tormenta amenaza con volver a desbordar el río que lo atraviesa. Una antigua creencia popular asegura que algunas mujeres están predestinadas a desaparecer con cada nueva inundación, porque llevan “agua dentro”. Un grupo de jóvenes intenta sobrevivir al cansancio del verano, fuman, bailan y se desean. En este ambiente eléctrico, Ana y José viven una historia de amor, hasta que estalla la tormenta.

Fogo-Fátuo. Joao Pedro Rodrigues

Figura provocadora del cine portugués y europeo, el autor de O Fantasma y O Ornitologo vuelve a Cannes con una comedia queer musical queer ambientada en un cuartel de bomberos.

Sinopsis: En su lecho de muerte, Alfredo, un rey sin corona, es llevado a los recuerdos lejanos de su juventud y de la época en que soñaba con ser bombero. El encuentro con el instructor de bomberos Afonso abre un nuevo capítulo en la vida de dos jóvenes dedicados al amor y al deseo, y a cambiar el statu quo.

L’ Envol. Pietro Marcello

El nuevo proyecto después de su celebradísima Martin Eden se daba como casi seguro en la competición, sin embargo, recala en la Quincena. Rodada en Francia con Louis Garrel encabezando el reparto, se inspira libremente en el libro infantil “Velas Escarlatas”, del escritor ruso Alexander Grin, un cuento popular, musical e histórico, en la frontera del realismo mágico.

Sinopsis: En algún lugar del norte de Francia, Juliette crece sola con su padre, Raphaël, un soldado que sobrevivió a la Primera Guerra Mundial. Apasionada por el canto y la música, la solitaria niña conoce un verano a un mago que le promete que unas velas escarlatas la llevarán un día lejos de su pueblo. Juliette nunca dejará de creer en la profecía.

Les Cinq Diables. Léa Mysius

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Figura emergente del cine francés gracias a sus guiones para directores como Jacques Audiard (Les Olympiades) o Arnaud Desplechin (Roubaix, un lumiére), presenta su segunda película como directora tras dirigir Ava en 2017. Además, es también guionista de Stars at Noon, la película de Claire Denis que compite en la Sección Oficial.

Vicky, una niña extraña y solitaria, tiene un don: puede oler y reproducir cualquier aroma que desee, que recoge en frascos cuidadosamente etiquetados. Ha extraído en secreto el olor de su madre, Joanne, a la que tiene un amor loco y exclusivo, casi enfermizo. Un día Julia, la hermana de su padre, irrumpe en sus vidas. Vicky comienza a trabajar en su aroma. Entonces se ve transportada a unos recuerdos oscuros y mágicos donde descubre los secretos de su pueblo, de su familia y de su propia existencia.

Un Beau Matin. Mia Hansen-Løve

Después de concursar en el festival del año pasado con La Isla de Bergman, película que dividió a la crítica, la siempre brillante Mia Hansen-Løve, recala en la Quincena para presentar su nueva película. Interpretada por la omnipresente Léa Seydoux y Melvil Poupaud,  será otra crónica llena de sensibilidad sobre personas en situación de colapso vital que finalmente encuentra una salida para seguir adelante con sus vidas.

Sinopsis: Sandra, una joven madre que cría sola a su hija, visita a menudo a su padre enfermo, Georg. Mientras ella y su familia se embarcan en un viaje para que sea tratado, Sandra se encuentra con Clement, un amigo perdido hace tiempo.

Les Années Super 8. David Ernaux-Briot

Figura indispensable de la literatura francesa actual, Annie Ernaux ha visto como varias de sus novelas han sido trasladadas a la gran pantalla con desigual resultado. Tras Passion Simple (Danielle Arbid) y la premiada L’Evenement (Audrey Diwan), Ernaux se lanza junto a su hijo a relatar las transfomaciones personales y de la sociedad francesa a través de las películas familiares rodadas en Super 8.

Sinopsis: “Cuando revisé nuestras películas en Super 8 tomadas entre 1972 y 1981, me di cuenta de que no sólo eran un archivo familiar, sino también un testimonio de las actividades de ocio, el estilo de vida y las aspiraciones de una clase social en la década posterior a 1968. Quería integrar estas imágenes silenciosas en una narración que combinara lo íntimo, lo social y lo histórico, para hacer sensible el sabor y el color de aquellos años”. Annie Ernaux

Otras Secciones

As Bestas. Rodrigo Sorogoyen

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La primera presencia de Sorogoyen en el certamen francés, pero fuera de la competición, llega de la mano de una coproducción con el país galo encabezada por dos de los actores franceses más interesantes como son Denis Menochet y Marina Foïs. Por parte española encabezan el reparto Luis Zahera y Diego Anido.

Sinopsis: Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.

The Natural History of Destruction. Sergei Loznitsa

Al igual que Serebrennikov, la presencia del ucraniano Loznitsa en Cannes en estos momentos puede suponer uno de los puntos más interesantes de todo el festival por el contexto de guerra en que se desarrolla. Especializado en el análisis y consecuencias de la historia en general y de la rusa y soviética en particular en el presente, será muy interesante escuchar y ver lo que ha hecho Loznitsa.

Sinopsis: Inspirada en la obra de W.G. Sebald y basada en imágenes de archivo de la Segunda Guerra Mundial, la película nos hace una pregunta: ¿es moralmente aceptable utilizar a la población civil como instrumento de guerra? ¿Podemos justificar la destrucción masiva en nombre de un ideal “moral” superior? La pregunta sigue teniendo la misma vigencia hoy que hace 80 años, y su urgencia se manifiesta trágicamente en los eventos políticos actuales.

 

 

 

(Partial) Top Berlin International Film Festival & European Film Market

Sin orden de preferencia / In no order of preference

 

Mi vacío y yo / My Emptiness and I. Adrián Silvestre

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Lo que hacen Adrián Silvestre y Raphaëlle Pérez es maravilloso y muy valioso. Una película tan profunda y valiente como fácil de ver y empatizar. Raphaëlle hace una inmersión en sí misma que muy pocas veces se ven el cine de esta forma tan sincera. Entre la realidad, la ficción y el testimonio personal, las posibles limitaciones  narrativas de la película también son su virtud.

What Adrián Silvestre and Raphaëlle Pérez do is wonderful and very valuable. A film as deep and brave as it is easy to watch and empathize with. Raphaëlle makes an immersion in herself that is rarely seen in cinema in such a sincere way. Between reality, fiction and personal testimony, the possible limitations of the film are also its virtue.

Un été comme ça / That kind of summer. Denis Côté

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El director canadiense Denis Côté sigue el recorrido emocional de tres mujeres que intentan curar sus heridas personales y sexuales durante un mes de verano en una casa de reposo en el campo. Una interesante y sólida  película sobre los diferentes aspectos de la sexualidad femenina sin obviar aspectos provocadores pero que finalmente se conforma un relato emotivo y bastante austero en su forma.

Canadian director Denis Côté follows the emotional journey of three women who try to heal their personal and sexual wounds during a summer month in a rest home in the countryside. An interesting and solid film about the different aspects of female sexuality without omitting provocative aspects, but which in the end forms an emotional and rather austere story.

Cinco lobitos / Lullaby. Alauda Ruiz de Azúa

Captura de pantalla 2022-03-15 a las 12.00.43

La primera película de la directora Alauda Ruiz de Azúa es un bellísimo ejercicio sobre la maternidad vista desde una doble perspectiva, como madre y como hija, sin obviar los aspectos más positivos y conflictivos de ambos roles. Es también un trabajo sobre los diferentes roles de las mujeres madres en dos generaciones diferentes y los desafíos que enfrentan en épocas tan distintas. Además, es un gran trabajo sobre la familia desde un punto de vista femenino.  Bajo una parente sencillez, muy basada en los detalles, destaca el trabajo admirable de dos grandes actrices como son Laia Costa y Susi Sánchez, que dotan de sinceridad a sus papeles, sin olvidar a Ramón Barea.

Director Alauda Ruiz de Azúa’s first film is a beautiful exercise on motherhood seen from a double perspective, as a mother and as a daughter, without ignoring the most positive and conflictive aspects of both roles. It is also a work about the different roles of women mothers in two different generations and the challenges they face in such different times. A simple film, very much based on details, it is supported by the admirable work of two great actresses, Laia Costa and Susi Sánchez, who give truth to their roles.

Klondike / Klondike. Maryna Er Gorbach

Captura de pantalla 2022-03-15 a las 12.15.04

Presentada en el Festival de Sundance, Klondike es una película premonitoria por estrenarse pocos días antes en la Berlinale pocos días antes de la invasión de Ucrania por Putin. Es también un viaje a los origenes del conflicto con un hecho que ahora puede resultar casi mínimo (el derribo de una avión de Malasian Airlines) por medio de un dispositivio audiovisual tan brillante como desgarrador y dramático, con aspectos que rayan en el surrealismo y el absurdo.

Presented at the Sundance Film Festival 2022, Klondike is a premonitory film, premiering a few days before Putin’s invasion of Ukraine at the Berlinale. It is also a journey to the origins of the conflict with an event that may now seem almost minimal (the shooting down of a Malaysian Airlines plane) through an audiovisual device as brilliant as it is heartbreaking and dramatic, with aspects bordering on surrealism and absurdity.

Alcarràs / Alcarràs. Carla Simón

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Ganadora del Oso de Oro, la segunda película de la catalana Carla Simón es más compleja y ambiciosa narrativamente y requiere una implicación más activa del espectactador. Asistimos a una elegía sobre la desaparición de una forma de vida en el campo y la agricultura tradicional narrada con sinceridad, precisión y minuciosidad a través de un grupo increíble de actores no profesionales, logrando un bellísimo fresco familiar crepuscular. Como en Verano 1993, Simón refleja con especial maestría los ritos y juegos de la infancia, característica que se ha convertido en una de las marcas reconocibles de su forma de hacer cine.

Winner of the Golden Bear, the second film by the Catalan director Carla Simón is more complex and ambitious narratively and requires a more active involvement of the viewer. We witness an elegy on the disappearance of a way of life in the countryside and traditional agriculture narrated with sincerity, precision and thoroughness through an incredible group of non-professional actors, achieving a beautiful twilight family fresco. As in Verano 1993, Simón reflects with special mastery the rites and games of childhood, a characteristic that has become one of the recognisable marks of his filmmaking.

Mutzenbacher / Mutzenbacher. Ruth Beckermann

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La nueva película de Ruth Beckermann toma como punto de partida la novela del mismo título Josefine Mutzenbacher o la historia de una prostituta vienesa contada por sí misma, publicadada anonimamente en Viena en 1906. Prohibida durante décadas, fue leída clandestinamente por diferentes generaciones, y solo muy recientemente, se ha atribuido la autoría de la novela a Félix Salten, autor de Bambi. La originalidad de la película de Beckermann consiste en reunir a 100 hombres de diferentes generaciones para que lean diferentes pasajes de la novela en un sofá siguiendo las indicaciones de la directora. El resultado produce una nueva “lectura” de la novela desde un nuevo punto de vista debido a las diferentes reacciones y pensamientos que origina la lectura o representación en sus protagonistas sin que en ningún momento la directora ridiculice a los entrevistados.

Ruth Beckermann’s new film takes as its starting point the novel of the same title, Josefine Mutzenbacher or the story of a Viennese prostitute told by herself, published anonymously in Vienna in 1906. Banned for decades, it was read clandestinely by different generations, and only very recently has the novel’s authorship been attributed to Felix Salten, author of Bambi. The originality of Beckermann’s film consists in bringing together 100 men from different generations to read different passages from the novel on a sofa, following the director’s instructions. The result is a new “reading” of the novel from a new point of view due to the different reactions and thoughts that the reading or representation causes in its protagonists, without the director ever ridiculing the interviewees.

Afterwater / Afterwater. Dane Komljen

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Fascinante película que nos lleva a terrenos estéticos diferentes con una premisa argumental basada en los lagos. La segunda película de su director tras All the cities of the north (2016), se basa en textos del estudioso de los lagos Georges Evelyn Hutchinson. Consta de tres partes que parecen representar diferentes estados del tiempo. Cada fragmento se acompaña por la lectura de diferentes textos. En la primera parte se leen pasajes de la obra de Hutchinson y Wislawa Szymborska. En la segunda parte nos encontramos con el lago de Sanabria, en Zamora, y con Miguel de Unamuno y un texto de su conocida novela San Manuel Bueno Martir, mientras que la última parte es la más experimental. Toda la película está atravesada de fluided, sensualidad y fisicidad de los cuerpos que parece transmitir la necesidad de comunicación con la naturaleza.


Fascinating film that takes us to different aesthetic terrains with a plot premise based on lakes. The director’s second film after All the cities of the north (2016), it is based on texts by lake scholar Georges Evelyn Hutchinson. It consists of three parts that seem to represent different states of time. Each fragment is accompanied by the reading of different texts. In the first part, passages from the work of Hutchinson and Wislawa Szymborska are read. In the second part we meet the lake of Sanabria, in Zamora, and Miguel de Unamuno and a text from his well-known novel San Manuel Bueno Martir, while the last part is the most experimental. The whole film is full of fluidity, sensuality and physicality of the bodies, which seems to transmit the need to communicate with nature.

Cerdita / Piggy. Carlota Pereda

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Traslación a largometraje de su conocido corto Cerdita (2018) con el que consiguió premios en todo el mundo. Parte de idéntica trama argumental para ir expandiendo la historia y lograr una película completamente diferente. Ambientada en Extremadura durante un tórrido verano, se inicia bajo los parámetros de cierto costumbrismo muy reconocible -esto lo entronca con Destello Bravío) para ir derivando progresivamente  hacia una película de género que la relaciona con Crudo, de Julia Ducournau. Las dos tienen en común algunos elementos -las protagonistas son adolescentes- aunque en el caso de Cerdita, la directora busca una empatía con la protagonista mucho más clara que en la película francesa. En cualquier caso, Cerdita es la demostración de las capacidades de su directora por su gran ejercicio de dirección.

Translation to feature film of his well-known short Cerdita (2018) with which he won awards all over the world. It starts with the same plot to expand the story and achieve a completely different film. Set in Extremadura during a torrid summer, it begins under the parameters of a certain very recognisable costumbrismo (this connects it with Destello Bravío) to progressively drift towards a genre film that relates it to Crudo, by Julia Ducournau. The two have some elements in common – the protagonists are teenagers – although in the case of Cerdita, the director seeks a much clearer empathy with the protagonist than in the French film. In any case, Cerdita is a demonstration of its director’s abilities through her great directing exercise.

Dreaming walls. Maya Duverdier & Amelie van Elmbt

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Documental sobre el mítico Chelsea Hotel de Nueva York, lugar por el que pasó y habitó gran parte de las figuras de la cultura más vanguardistas del pasado siglo XX. Como revisitación de un lugar “sagrado”, la película es un ejercicio de nostalgia poblado por la impresionante galería de fantasmas ilustres que se alojaron en sus habitaciones. Pero al mismo tiempo es también una película que refleja la evolución de la ciudad, convertida en un paradigma neoliberal ya que el hotel está siendo renovado como hotel de lujo, nada que ver con lo que lo hizo célebre.

Documentary about the mythical Chelsea Hotel in New York, a place where many of the most avant-garde cultural figures of the 20th century stayed and lived. As a revisiting of a “sacred” place, the film is an exercise in nostalgia populated by the impressive gallery of illustrious ghosts who stayed in its rooms. But at the same time it is also a film that reflects the evolution of the city, converted into a neoliberal paradigm as the hotel is being renovated as a luxury hotel, nothing like what made it famous.

Alis / Alis. Clare Weiskopf & Nicolas van Hemelryck

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Alis es una figura imaginaria que sirve a doce chicas de la calle que viven internas en el hogar La Arcadia, en Bogotá, para ir desgranando sus vivencias, traumas y también sus esperanzas futuras. Lo principal en esta película es como un espacio cerrado se ha convertido en un lugar de especial confianza para quienes lo habitan donde no hay lugar a discriminaciones de ningún tipo. Con un dispositivo muy sencillo, los directores logran conformar un retrato coral de estas doce chicas que anhelan un futuro de superación y esperanza.

Alis is an imaginary figure who serves twelve street girls who live in the La Arcadia home in Bogotá, in order to unravel their experiences, traumas and also their hopes for the future. The main thing in this film is how a closed space has become a place of special trust for those who live there, where there is no room for discrimination of any kind. With a very simple device, the directors manage to create a choral portrait of these twelve girls who yearn for a future of self-improvement and hope.

 

Mi (muy) parcial Festival Internacional de San Sebastián 2021

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Si el año pasado el equipo directivo del Festival, encabezado por José Luis Rebordinos, fue capaz de sacar adelante contra viento y pandemia pero con enorme brillantez la edición del certamen, algo que fue celebrado y reconocido por todos los medios, este año la perspectiva era mucho mejor al no estar tan condicionado por las medidas anti covid. Con todo, el aforo de las proyecciones siguió reducido a la mitad además de otras medidas ya comunes a los eventos culturales. Si el año pasado San Sebastián fue uno de los beneficiados de la no celebración del Festival de Cannes al acoger a numerosas películas de alta calidad destinadas en principio a participar en el certamen francés conformando una selección de gran nivel, este año tenía el reto de conformar una sección a competición que fuera los suficiemente interesante para atraer la atención mediática y cinéfila. Si bien el nivel de la Sección Oficial no fue igualado ha contado con numerosas películas de gran calidad e interés y autores de prestigio como Terence Davies, Zhang Yimou, Claudia Llosa, Laurent Cantet, Claire Simon o Jonás Trueba. También ha servido de plataforma de lanzamiento para nuevas directoras como la danesa Tea Lindeburg o la rumana Alina Grigore, que fue la ganadora de la Concha de Oro. El jurado, comandado por Dea Kulumbegashvili -ganadora del año pasado, concedió la mayoría de premios al cine dirigido por mujeres, reconociendo por fin la calidad y la audacia creativa tantas veces negada a las mujeres.

Algunas películas que pude ver fueron:

THE POWER OF THE DOG. Jane Campion

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Recién llegada de la Mostra de Venecia con el premio a la mejor dirección para Jane Campion, The Power of the Dog es una obra brillante y poderosa que supone la vuelta al cine de su directora después de doce años. Basada en la obra del mismo título que el escritor Thomas Savage publicó en 1967, Campion realiza un minucioso estudio psicológico de los personajes para contar una historia sobre la identidad negada y las consecuencias derivadas de la masculinidad tóxica y los deseos reprimidos. Una de las principales cualidades por las que esta película marca un hito es el uso de los códigos del western desde una visión totalmente nueva y, como Kelly Reichardt en Meek’s Cutoff, llevan el western a lugares que nunca nos contaron antes pero que siempre estuvieron.

La película pivota sobre varios elementos, todos brillantes. La interpretaciones de los cuatro actores principales, con Benedict Cumberbacht a la cabeza encarnando un complejísimo papel con un gran arco de registros.  Casi a la misma altura interpretativa, Kodi Smith-McPhee, Kirsten Dunst y Jesse Plemons, junto a la fotografía de Ari Wegner y la sobresaliente banda sonora de Jonny Greenwood, logran conformar una extraordinaria pieza de cámara no exenta de momento sombriamente majestuosos enmarcados por los grandes paisajes de Nueva Zelanda donde se ha rodado la película. PERLAS

ARTHUR RAMBO. Laurent Cantet

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Después de la magnífica El Taller de Escritura (2017), Laurent Cantet vuelve con una película donde analiza uno de los aspectos más presentes en nuestras sociedades como es la influencia y las consecuencias de las redes sociales en nuestras vidas. Protagonizada por el ascendente Rabah Nait Oufella, que encarna a un escritor que pasa de la noche a la mañana de ser aclamado a ser despellejado en la redes sociales, la película tiene un interesante guion que parte de una premisa inicial bien llevada por Cantet aunque el conjunto final deja la sensación de que podía haber llegado a cotas mayores. Con todo, es hasta el momento de las mejores plasmaciones vistas en una pantalla sobre las diferentes vertienes y distorsiones  de las redes sociales y la dependencia de ellas de buena parte de la sociedad. SECCIÓN OFICIAL

 

BENEDICTION. Terence Davis

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Regreso de Terence Davies, uno de los directores más queridos por el certamen, al Festival de San Sebastián tras participar dos veces en la Sección Oficial y una en Zabaltegi, además de la retrospectiva de su obra en 2008. En esta ocasión lo hace con una nueva biografía de una figura histórica que desafió las convenciones políticas, morales  y sexuales de la sociedad de su tiempo como es el poeta Siegfried Sassoon, quien tras participar y ser condecorado por su participación en la I Guerra Mundial se enfrentó al estamento militar al declararse pacifista al mismo tiempo que profundiza en su orientación homosexual. Fiel a la elegancia y exquisitez en la puesta en escena, marca tradicional del director, Davies plantea una película ambiciosa en la descripción tanto de la evolución vital del personaje interpretado por Jack Lowden al tiempo que describe meticulosamente el ambiente social en el que se desarrolló la vida del poeta. En las películas de Davies simpre hay una melancolía y un dolor subyaciente que también está presente de manera muy elocuente en Benediction logrando una película a ratos sublime y en otras demasiado clásica para los parámetros actuales. SECCIÓN OFICIAL

AS IN HEAVEN. Tea Lindeburg

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La primera película, es tambián directora de series de televisión, realizada por la danesa Tea Lindeburg es una de las apuestas fuertes del Festival para esta edición del certamen. En As In Heaven, Lindeburg nos traslada a la Dinamarca rural de finales del siglo XIX para contarnos una historia sobre como las tradiciones religiosas y heteropatriarcales marcan el destino vital de una joven de 14 años que sueña con horizonte personal independiente y luminoso. Basada en una novela de Marie Bregendahl, los puntos fuertes son el extraordianario trabajo interpretativo de la joven actriz Flora Ofelia Hofman Lindahl, la fotografía de Marcel Zyskind y una dirección en la que Lindenburg demuestra una gran madurez y seguridad. SECCIÓN OFICIAL

QUIÉN LO IMPIDE. Jonás Trueba

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La nueva película de Jonás Trueba es un impresionante y deslumbrante fresco que retrata a lo largo de tres horas y cuarenta minutos a la juventud española en este momento histórico. Rodada en diferentes formatos, tal y como mandan los tiempos y las circunstancias de la pandemia, por sus realistas imagenes transita una generación de jovenes que no hace participe de toda la escala de sentimientos, sensaciones, ingenuidades y responsabilidades; anhelos y ansiedades comunes a cualquier generación que empieza a enfrentarse al descubrimiento de la vida adulta. Con un tono de marcada nostalgia, en el mejor sentido de la palabra, Quién lo impide está llamada a ser una obra referencial dentro de la historia del cine español por portar en sus imágenes tanta verdad como belleza. SECCIÓN OFICIAL

 

VOUS NE DÉSIREZ QUE MOI. Claire Simon

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Una de las películas más interesantes y arriesgadas de todo el festival ha venido de la mano de la conocida directora de no ficción francesa Claire Simon. En este caso toma la ya conocida entrevista que Yann Andréa concedió en 1992 a la periodista Michèle Monceaux donde describe la inusual y tormentosa relación con una figura del calibre de Marguire Duras que únicamente se hizo pública tras la muerte de los dos protagonistas. Fiel al texto original y a la situación que se vivió realmente, Simon disecciona en una pieza de cámara la verdadera naturaleza de esa relación de carácter dependiente que asombró a la escena cultural francesa y europea por las especiales características de sus protagonistas. Con apenas tres actores, destacando el sobresaliente trabajo de Swann Arlaud encarnando los abismos vividos por el personaje real, y en contraposición vital, el papel de la periodista interpretado por la siempre brillante Emmanuelle Devos, Simon nos sumerge a través de un formato de entrevista en una relación a menudo tiránica y cruel solo interrumpida por pequeños insertos animados que metaforizan las relaciones sexuales de los protagonistas. SECCIÓN OFICIAL

 

LA HIJA. Manuel Martín Cuenca

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La hija es un poderoso y brillante ejercicio de estilo donde su director, Manuel Martín Cuenca, hace un despliegue impresionante de todas sus capacidades para llevar a buen término una historia tan fascinante como imposible de creer en algunas de sus giros de guion. Como tema plantea la posibilidad/imposibilidad de ser madre vista desde su ángulo más perverso y cruel y lo articula a través de un poderoso y subyugante thriller, a veces también puro cine de terror, que mantiene enganchado al espectador hasta el final mismo de la proyección. Como espacio de desarrollo de esta esta axfisiante historia están los impresionantes y bellísimos paisajes naturales de las Sierras de Cazorla y Segura en Jaén, que se convierten en un personaje más de la película gracias al gran trabajo en la fotografía de Marc Gómez del Moral. Una propuesta tan arriesgada debe contar también con actores tan brillantes como lo que se quiere contar y en este caso todos, con Javier Gutierrez y Patricia López Arnaiz a la cabeza, e incluida la debutante Irene Virgüez, realizan magníficos trabajos. Destacar también la primera banda sonora compuesta por el grupo Vetusta Morla. SECCIÓN OFICIAL

 

ENQUÊTE SUR UN SCANDALE D’ETAT. Thierry de Peretti

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 Dirigida por el francés Thierry de Peretti, la película es un intento de armar una película comercial en forma de thriller pero que al mismo tiempo contenta los suficientes elementos persuasivos para convencer a diferentes tipos de públicos. Basada en una investigación real hecha por el diario Liberation, estos elementos persuasivos consisten en la introducción de temas que lo acercan al cine de denuncia política o el papel de la prensa en la vigilancia de los excesos  y corrupciones de los Estados democráticos. A priori, la propuesta es persuasiva pero no termina de convencer en ninguno de sus aspectos. Tampoco se luce la habitualmente brillante Clarie Mathon en la dirección de fotografía. SECCIÓN OFICIAL

ELES TRANSPORTAN A MORTE. Helena Girón, Samuel S. Delgado

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Vista en la Semana Internacional de la Crítica de la Mostra veneciana, la película trata de contar la historia desde otros puntos de vista y sensibilidades al margen de lo oficial desde un dispositivo audiovisual que auna tanto lo narrativo como el tratamiento experimental de las imágenes. El resultado es una película de gran interés ya que logra plantear nuevas visiones y acercamientos que desmitifican el colonialismo, en este caso de la conquista de América, y a la microhistoria anónima, aspectos que se ocultan en las visiones oficiales pero que son determinantes en las nuevas lecturas de la Historia. ZABALTEGI-TABAKALERA

HANYEO. Kim Ki-young

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Consideradada por la crítica más prestigiosa como uno de los grandes clásicos del cine surcoreano, para quien no la conoce Hanyeo asombra por la radical modernidad tanto de los temas que plantea como del tramiento que el director Kim Ki-youg da a temas como la infidelidad, los celos, la ambición social o el aborto. Rodada en 1960, la película nos cuenta la historia de una familia de clase media que aspira a un bienestar económico que ve trastocados sus planes al ser contratada una criada que progresivamente va trastocando el orden establecido. Comparada con el cine de Buñuel, es una de las películas que ha influenciado a Bong Joon-ho para realizar Parasite y su plasmación de las diferencias de clase. LA EDAD DE ORO DEL CINE COREANO

 

É STATA LA MANO DI DIO. Paolo Sorrentino

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Tras Loro y la serie The New Pope, Sorrentino vuelve a su Nápoles natal para contar una historia autobiográfica de carácter iniciático. El cine de Sorrentino se caracteriza por un poderoso y específico sentido visual creando imagenes tan emblemáticas como insustanciales y gratuitas en muchas ocasiones. En È stata la mano di Dio abandona la parafernalia audiovisual acostumbrada para depurarla y contarnos episodios iniciáticos de su vida que finalmente lo conviertieron en director de cine. Deudor, siempre, del cine de Fellini -que se percibe claramente en la primera parte de la película-, adopta un tono sencillo e intimista. El resultado es su película más accesible y seguramente otro gran éxito que se podrá ver en Netlix. PERLAS

MASS. Fran Kranz

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Si algo es Mass es la constatación del increíble talento de su director y guionista Fran Kranz. Presentada en el Festival de Sundance, Mass gira en torno a la reunión que mantienen cuatro personajes alrededor de una mesa donde van a explorar e intentar sanar las terribles consecuencias que tuvo para sus vidas de un hecho violento protagonizado por el hijo de una de las parejas. Uno de sus logros, que consigue mantener alerta la atención del espectador, es la gradación de la información que recibe el espectador que va descubriendo progresivamente los hechos que han provocado la reunión. Así, durante dos horas asistimos a un recital interpretativo extraordiario de los cuatro actores que se sumergen, y también los espectadores, en el dolor más profundo pero también en la esperanza y el perdón. Desde el punto de vista cinematográfico Kranz demuestra hasta donde se puede llegar un una gran historia y cuatro enormes actores. NEW DIRECTORS

 MAROCCO/MIKADO. Emanuel Pârvu

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Segunda película dirigida por el también director de teatro y actor en obras de Cristian Mungiu o Constatin Popescu Emanuel Pârvu. La premisa del film parte de como un simple y anedóctico hecho como es el regalo de un brazalete por un padre a su hija por su cumpleaños puede desarrollar una cadena de acontecimientos que acaban trastocando la vida de los protagonistas. Fiel a una de las características de los cineastas de la Nueva Ola Rumana como es la disección lo más realista posible de la sociedad rumana, Pârvu consigue una obra de gran madurez y solidez cinematográfica desprovista de cualquier artificio donde el único elemento que desentona es el final elegido para finalizar la historia. Bajo este estilo realista el director consigue elaborar un tratado donde la culpa, la responsaibilad y las consecuencias de nuestros actos se ponen de frente al espectador y lo interrogan. NEW DIRECTORS

TOP TEN BERLINALE 2021

1

Wheel of Fortune and Fantasy (Gūzen to Sōzō). Ryûsuke Hamaguchi

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2

Petite Maman. Céline Sciamma

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3

What do we see when we look at the sky?. Alekzandre Koberidze

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4

Mr. Bachmann and his class. Maria Speth

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5

Una película de policías. Alfonso Ruizpalacios

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6

Mbah Jhiwo. Álvaro Gurrea

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7

Natural Light. Dénes Nagy

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8

From where they stood. Christophe Cognet

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9

Come here. Anocha Suwichakornpong

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10

Nous. Alice Diop

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Mi (muy) parcial Festival de San Sebastián 2019

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Si la 66ª edición del Festival de San Sebastián se caracterizó por un crisis de crecimiento del certámen que pareció pillar desprevenidos a sus organizadores pero que afectó sobre todo al desempeño del trabajo de la prensa acreditada, con el consiguiente aluvión de críticas negativas a la organización, la edición de 2019 del Zinemaldi se ha desarrollado con comodidad inesperada para los profesionales de la información en eventos de este calibre, fruto de las inteligentes medidas introducidas por el equipo de José Luis Rebordinos.

Siempre que se hace una valoración de una edición del Zinemaldi hay que resaltar la especial posición que ocupa el certámen vasco dentro del complejísimo panorama de los festivales internacionales de cine. Si por un lado ha jugado ser un escaparate del cine latino sin conseguirlo realmente del todo, en los últimos años se ha conformado como el festival resumen del año, el festival al que hay que ir si realmente se quiere tener una visión de lo más destacado del año audiovisual si no se puede acudir a los grandes festivales históricos de Berlín, Cannes, Locarno o Venecia, que junto a Toronto y en menor medida, Sundance, marcan la evolución del cine cada año.

Con este rol asumido cada vez con más claridad, el equipo del Zinemaldi consigue armar cada año un evento que satisface diferentes intereses que van desde la promoción de la propia ciudad, los intereses del público generalista, los del cine español, los de la industria (sobre todo latinoamericana), los de la prensa especializada y la no especializada, de distribuidoras y exhibidores, todo sin perder de vista su carácter de evento competitivo e internacional y su función de plataforma para el descubrimiento de nuevos talentos.

Con este modelo de festival que parece funcionar, aunque no sabemos por cuanto tiempo dentro del competitivo y cambiante mundo de los festivales de cine, la sección Perlas/Perlak se configura como la más mediática, seguida y disputada del certámen. En esta edición se ha programado un buen número de las películas que probablemente van copar la temporada de premios a nivel internacional. De Berlín se ha podido ver el magnífico y conmovedor drama chino So Long, My Son (Wang Xiaoshuai), Amazing Grace, el documental sobre el concierto de Aretha Franklin donde grabó su álbum más vendido. De Cannes ha llegado la mayoría de títulos de la sección con Parasite (Bong Joon-ho), la bomba coreana ganadora de la Palma de Oro en la edición de este año, a la cabeza. También se han visto la magnífica y exquisita Portrait del jeune fille en feu (Céline Sciamma), Beanpole (Kantemir Balagov), la nueva joya del gallego Oliver Laxe y también premiada en Un Certain Regard O Que Arde; Les Miserables, de Ladj Ly o The Lighthouse, la nueva película de Robert Eggers. Desde la reciente Mostra se ha podido ver La Verité, la aventura francesa del siempre querido en Donosti Hirokazu Koreeda; la incendiaria Ema, del chileno Pablo Larraín o The Laundromat, la visión de Steven Soderbergh del escándalo de los papeles de Panamá.

En las últimas ediciones, New Directors es una sección que está aumentado su interés y prestigio por el buen ojo y selección de los programadores del Festival y al que la prensa especializada debería prestar mucha más atención. Si el año pasado nos descubrió al japonés Hiroshi Okuyama, autor de Boku wa Iesu-sama ga kirai/Jesus o a Celia Rico con Viaje al Cuarto de una Madre, en la última edición reconoció el trabajo del chileno Jorge Riquelme Serrano, director de Algunas Bestias,  que para una parte de la prensa ha sido una de las películas más interesantes de todo el festival. También han destacado La Inocencia, primera película de Lucía Alemany, graduada de la Escac, así como Las letras de Jordi, ópera prima de Maider Fernández.

Como consecuencia del peculiar lugar que ocupa el Zinemaldi en el panorama de festivales competitivos, la Sección Oficial puede oscilar según los años en un escaparate interesante o una selección de menos nivel, cosa que ha ocurrido en la última edición. Hay que añadir que el jurado presidido por el realizador irlandés Neil Jordan no ha destacado por la audacia y sagacidad de sus elecciones para el palmarés, retomando una tradición de fallos garrafales de los jurados de San Sebastián que han lastrado históricamente una lista de películas ganadoras que podía ser impresionante. Concentró en pocas películas los siete premios posibles de la Sección Oficial, teniendo en cuenta que el premio de mejor actriz fue exaequo para Nina Hoss (The Audition) y Greta Fernández (La hija de un ladrón).  Concedió la Concha de Oro a la brasileña Pacificado, dirigida por el norteamericano Paxton Winters, y dos premios más – el premio al mejor actor y a la mejor fotografía-, un reconocimiento excesivo para una película que no contaba en las quinielas. La otra película que sale victoriosa de su paso por San Sebastián es La Trinchera Infinita, obra a seis manos por los locales Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, que recibió los premios a la mejor dirección y al mejor guion, y máxima favorita al triunfo final para buena parte de la prensa y desde luego para el público de San Sebastián.

La pasada edición no será especialmente recordada. Más bien supone un festival de transición y menos brillante que otros anteriores. El Zinemaldi reafirma su modelo con un respaldo masivo de un público que adora el festival y lo siente como suyo. Eso está muy bien pero desde otro punto de vista y si no quiere perder definitivamente sus opciones, el certámen deberá introducir cambios y abrirse a miradas renovadoras y sobre todo echar el resto en el competitivo mundo de los festivales de cine para conseguir películas que realmente dejen huella y merezcan el viaje a San Sebastián.

Algunas de las películas que pude ver y que más me interesaron fueron:

THE AUDITION. Ina Weisse

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La segunda película de la alemana Ina Weisse se construye en torno al portentoso trabajo interpretativo de Nina Hoss y en un principio remite al mundo de Haneke y La Pianista entre sus referencias más evidentes aunque de forma inteligente evita sumergirse por completo en los infiernos del director austriaco conformando un sobrio, preciso e inquiente retrato de la obsesion de una profesora de violín con su alumno en la búsqueda de la perfección artística. En el reflejo de su anhelo vital, la película se detiene especialmente en mostar el universo personal que rodea a la protagonista, buscando por un lado encontrar explicaciones a su comportamiento y por otro mostrar como el obsesivo afán de perfección tiene consecuencias terribles para quienes la rodean aunque evita en todo momento juicios morales. Para equilibrar las turbulencias de este viaje al fondo de la psique, Weisse recurre a magnífica interpretaciones de obras de Bach, que actúan  como contrapunto para evidencia que la belleza y la perfección artística se pueden alcanzar por otros medios. Sección Oficial

LA TRINCHERA INFINITA. Aitor Arregui, Jon Garaño, José Mari Goenaga

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Dirigida a seis manos por los donostiarras Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, La Trinchera Infinita es su película más ambiciosa hasta ahora y nada mas proyectarse en el Zinemaldi escaló a favorita de parte de la prensa y del público al triunfo final. Inspirada por  el libro Los Topos, escrito por Manu Leguineche y Jesús Torbado en 1977, y los innumerables casos que se dieron durante la Guerra Civil y la dictadura franquista de personas que vivieron escondidas durante décadas por miedo a las represalias, la película adopta en todo momento el punto de vista de estas personas. Esta orignalidad constituye un reto narrativo y audiovisual considerable si tenemos en cuenta que la película dura dos horas y media. El resultado es una primera hora que vuelta a gran altura desde todos los puntos de análisis pero que va perdiendo fuerza e interés a medida que la película avanza. Al inicio, los tres directores sumergen al espectador directamente en el horror que viven los personajes logrando una profundidad psicológica y sensorial increíble. El punto de inflexión lo marca el desarrollo narrativo de la historia, con decisiones de guion claramente erradas y altamente improbables que pudieran darse en la época. Desaparecido el estudio psicológico de los magníficos protagonistas, la película deriva en una edulcoración de la narración que tal vez permita respirar al espectador y hacerla más comercial pero le hace perder interés. Sección Oficial

MIENTRAS DURA LA GUERRA. Alejandro Amenábar

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Segunda película a concurso con la Guerra Civil como elemento protagonista y primera vez de Amenábar a competición en San Sebastián. Tras la fracasada Regression, presentada fuera de concurso hace cuatro años, nadie podía imaginar que Amenábar eligiera la compleja figura del intelectual Miguel de Unamuno en los inicios de la Guerra Civil como elemento protagonista de su siguiente película. Asumida la sorpresa inicial quedaba despejar la expectación generada por una propuesta en principio tan alejada de los temas tratados por Amenábar en sus anteriores trabajos. Con una puesta en escena magnífica -marca de la casa por otra parte-, y una interpretación de altura por parte de Karra Elejalde, la tesis de la película navega entre una equidistancia ideológica, que se aleja de buena parte de la filmografía del cine español sobre el tema, y un didactismo más propio de una clase de la ESO, tal vez con el objetivo de que sea entendida en el mercado internacional ya que remarca innecesariamente hechos históricos básicos conocidos por toda la sociedad. Desde el punto de vista cinematográfico contiene momentos brilllantes, -la escena del discurso de la famosa frase de “vencéreis pero no convenceréis” en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca-, y otras claramente sonrojantes como son los subrayados emotivos buscando una fácil identificación emocional del espectador. Sección Oficial

VENDRÁ LA MUERTE Y TENDRÁ TUS OJOS. José Luis Torres Leiva

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Primera participación a competición del cineasta chileno José Luis Torres Leiva, muy vinculado a la ciudad por haber colaborado con Tabakalera y haber prsentado sus obras anteriores en secciones del festival como Zabaltegi, donde hace tres años se pudo ver El viento sabe que vuelvo a casa y el corto El vuelo de Ana. Su nuevo trabajo toma el título de un poema del mismo nombre de Cesare Pavese que escribió antes de suicidarse. Con esta premisa, Torres Leiva aborda los últimos días de una pareja enamorada acosada por una enfermedad terminal de una de ellas que toma de decisión de no tratarse. Aceptado el planteamiento tan arriesgado, Torres Leiva nos muestra un poema visual elegíaco llevado casi al límite de la sublimación mediante las historias paralelas que cuenta pero donde no falta la ironía ni el elogio de la vitalidad en una película donde resuenan ecos del cine de Apichatpong Weerasetakhul. Película arriesgada y diferente auque que no termina de funcionar en todas sus aristas pero a tener en cuenta por aparterse totalmente de los lugares comunes. Sección Oficial

TEMBLORES. Jayro Bustamante

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La película del guatemalteco Jayro Bustamante es un profundo, meticuloso y detallado retrado de como el fanatismo e irracionalidad de las sectas, tan presentes entre las clases altas de muchas sociedades latinoamericanas, pueden condicionar y determinar la vida de una persona sino también tener consecuencias desastrosas para toda la sociedad. Para este preciso retrato, Temblores se sirve de la relación que establece Pablo, mienbro de la alta sociedad del país, con Javier, gay declarado, con el que inicia una nueva vida dejando atrás a su familia, que toma la determinación de “recuperar” y “curar” para una vida “normalizada a Javier utilizando para ello toda clase de manipulaciones y estragemas. Demoledor retrato de una sociedad condicionada por el fanatismo y la intoleracia. Como dispositivo formal, Bustamante pone especial énfasis en el uso de diferentes texturas y sonoridades, enriqueciendo la película hasta hacer de ella una verdadera experiencia. A destacar el gran trabajo interpretativo de los actores, en especial de su protagonista, Juan Pablo Olyslager, y de las actrices Sabrina de la Hoz y Diane Bathen. Horizontes Latinos

MONOS. Alejandro Landes

Captura de pantalla 2020-02-12 a la(s) 20.14.46La nueva película del colombiano Alejandro Landes, que ganó el Premio Especial del Jurado en Sundance, tiene su centro de gravedad en la gran potencia visual de sus imágenes. Ambientada en lo más profundo de la selva colombiana, Landes genera un dispositivo audiovisual imponente que subyuga e impresiona todo el tiempo la mirada absorta del espectador para retratar la vida de un grupo de guerrilleros jóvenes que al final son dominados por la fuerza y el misterio de la naturaleza más salvaje. Es una narración donde lo etnográfico tiene una presencia constante, se articula en un mix entre el clásico de William Golding, El Señor de las Moscas, el viaje a las tinieblas de Apocalypse Now y desde una vertiente política, la presencia de la guerrilla de las FARC en la vida colombiana. Horizontes Latinos

EMA. Pablo Larraín

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Recién llegada desde la Mostra veneciana donde ha sido uno de las películas más comentadas, el siempre interesante Pablo Larraín , autor de NO, El Club o Jackie, vuelve con espíritu disruptivo e incendiario. Ema trasciende el retrato generacional de la juventud chilena contemporánea para retratar un malestar que afecta a una gran parte de las capas sociales a ritmo de reggeaton, del que hace una elogiosa defensa como música y estética con implicaciones políticas. A destacar sin duda el enorme trabajo de Mariana di Girolamo, una especie de ángel caído que al igual que Terence Stamp en la muy profética Teorema (1968) de Pasolini, desestabiliza todas las convenciones sociales allá por donde pasa para alumbrar un nuevo orden social más donde las caducas convenciones no tienen lugar ni sirven para nada.  Y al igual que hizo Almodóvar hace más de veinte años en Todo sobre mi madre, Larraín crea una ficción, aunque tal vez se esté ya produciendo, donde sus personajes tienen el poder inmenso de articular su existencia de una manera más libre. Perlas/Perlak

HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO. Wang Xiaoshuai

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El director chino Wang Xiaoshuai, conocido en occidente a partir de La bicicleta de Pekín (2001), recaló este año en la sección oficial de la Berlinale con este drama-río de tres horas de duración donde ajusta cuentas con la imposición de la política de hijo único del régimen chino, que marcó dramaticamente la vida de varias generaciones en el gigante asiático desde los albores de la Revolución Cultural hasta el año 2015. La historia, contada a través de las visicitudes que vive un un matrimonio durante tres décadas, está narrada de forma clásica aunque evidencia una gran complejidad por la cantidad de saltos en el tiempo  y elipsis que contiene. Descansa, sobre todo, en una pareja de actores inconmensurables, -Yong Mei y Wang Yingchiun-, que realizan un trabajo prodigioso por el que recibieron el premio de interpretación en el Festival de Berlín. Tan bella como triste, Wang Xiaoshuai ha realizado una película produndamente humana que permanecerá en la memoria. Perlas/Perlak

SESTRA. Svetla Tsotsorkova

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La búlgara Svetlana Tsortsova es una directora respaldada por el Festival de San Sebastián ya que participó en 2015 con su primer largometraje, Thirst. Este año ha vuelto a la misma sección que la vió nacer como directora con su segunda película, Sister, donde narra la peculiar relación entre dos hermanas con su madre. Una relación plagada de ocultaciones, mentiras y medias verdades siempre al borde de la explosión durante todo el metraje. La originalidad de la película radica en que estas relaciones en apariencia tan conflictivas en realidad no lo son tanto planteando una irónica pero eficaz sororidad femenian. New Directors

DELPHINE ET CAROLE, INSOUMUSES. Callisto McNully

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La actriz francesa Delphine Seyrig fue una de las interprétes más reconocidas del cine autor europeo de los años 70, con títulos legendarios como El año pasado en Marienbad, El discreto encanto de la burguesía o Jeanne Dielman y reclamada por directores como Margarite Duras, Joseph Losey, François Truffaut, Jacques Demy o Chantal Ackerman. Lo que narra este documental programado en Zabaltegi es el proceso de toma de conciencia feminista y su puesta en práctica junto a la documentalista Carole Roussopoulos, quien le enseña las técnicas del vídeo, y su paso a la acción militante en una década donde una actriz de su prestigio y posición se podía jugar su carrera. Uno de los grandes atractivos de este documental es el uso del material de archivo, tanto de películas interpretadas por la actriz como del materiales – entrevistas, debates de televisión-, que rodaron las dos activistas. Destaca el conjunto de entrevisas realizadas en Estados Unidos a actrices como Jane Fonda, Maria Schneider o Ellen Burstyn, así como su papel en el Manifiesto de las 343, en pro del derecho al aborto. Sin duda dos mujeres adelantadas a su tiempo. Zabaltegi

Top 10 Cannes Film Festival 2019

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   1

Portrait de la jaune fille en feu. Céline Sciamma

2

O que arde. Oliver Laxe

3

Jeanne. Bruno Dumont

4

Parasite. Bong Joon-ho

5

Frankie. Ira Sachs

6

Liberté. Albert Serra

7

Roubaix, une lumiére. Arnaud Desplechin

8

Ghost Tropic. Bas Devos

9

Once Upon Time in…Hollywood. Quentin Tarantino

10

Beanpole. Kantemir Balagov

*No incluye Dolor y Gloria, vista en España

 

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BEST CINEMATOGRAPHY CANNES 2019

1

Artur Tort. Liberté

2

José Luis Alcaine. Dolor y Gloria

3

Rui Poças. Frankie

4

Mauro Herce. O que arde

5

Grimm Vanderkerckhove. Ghost Tropic

6

Jarin Blaschke. The Lighthouse

7

Claire Mathon. Portrait de la jaune fille en feu

8

David Chambille. Jeanne

9

Florian Zinke. Nina Wu

10

Kyung-pyo Hong. Parasite

 

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BEST SOUNDTRACK CANNES 2019

1

James Newton Howard. A hidden life

2

Alberto Iglesias. Dolor y Gloria

3

Grégoire Hetzel. Roubaix, une lumiére

4

Christophe. Jeanne

5

Mark Koven. The Lighthouse

6

Fatima Al Qadiri. Atlantique

7

Para One. Portrait de la jaune fille en feu

8

Dickon Hinchliffe. Frankie

9

Jeong Jae-il. Parasite

10

The Pink Noise. Les Miserables

 

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 8

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FRANKIE. Ira Sachs

El norteamericano Ira Sachs se ha colocado en la Sección Oficial por primera vez con una película de clara inspiración rohmeriana donde suenan los ecos de Pauline en la playa y la Rodilla de Clara consiguiendo una de las obras más bellas vistas hasta ahora en el certamen. Ambientada en Sintra durante un verano, Sachs cuenta la historia de una actriz (Isabelle Huppert) que reúne a su familia y seres queridos en los que serán los últimos meses de su vida ya que padece un cáncer terminal. Con fotografía del Rui Poças, habitual de Miguel Gomes y Lucrecia Martel, Sachs consigue un relato irisdencente, lleno de honestidad, sencillez y sutileza. Frankie es una película sobre todo hablada donde las miradas son los elementos fundamentales para la reordenación vital y de aprendizaje de este grupo de personas. Sección Oficial

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O QUE ARDE. Oliver Laxe

Después de haber participado en la Quincena de los Realizadores en 2010 con Todos vos sodes capitans y en la Semana de la Crítica en 2016 con Mimosas Laxe da el salto con O que arde a una de las secciones mayores del festival como es Un Certain Regard, esperemos que antesala de su paso a la sección oficial a concurso en un futuro. Frente a las dos obras anteriores Laxe consigue en su nueva obra una apertura narrativa aunque la capacidad para generar imáges y sensaciones únicas persiste igualmente. La película es un homenaje bellísimo a la Galicia rural y a sus  formas de vida ancestrales así como de los peligros que la amenzan con destruirla. A destacar la fotografía excepcional de Mauro Herce. Un Certain Regard

Leonardo DiCaprio star in Columbia Pictures ÒOnce Upon a Time in Hollywood"

ONCE UPON A TIME IN…HOLLYWOOD. Quentin Tarantino

Recibida y esperada con una expectación inusitada (con colas de horas entre los acreditados), el viaje de Tarantino al Hollywood de finales de los sesenta es un nuevo intento de adaptar la historia y recrearla en algo mucho más alegre y optimista. Más que una evocación es una recreación de un tiempo casi con carácter enciclopédico por el que desfilan innumerables referencias musicales (The Mamas and the Papas, Los Bravos, Neil Diamond, etc), programas de la televisión americana, anuncios o referencias cinematográficas a películas de serie B o a spaguetti-westerns rodados en Almería con homenaje incluido a Joaquín Romero Marchent. Pero bajo todo este despliegue de referencias lo que subyace en el trasfondo de la película es una incurable melancolía por un Hollywood que no volverá aunque Tarantino se ha empeñado en re crear a su imagen y semejanza en su nueva película. Sección Oficial

The Best Cinematography of 2018


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1. Zama. Rui Poças

 

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2. Lazzaro felice. Hélène Louvart

 

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3. Quién te cantará. Eduard Grau

 

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4. Burning. Kyung-Pyo Hong

 

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5. Good Time. Sean Price Williams

 

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6. Cold War. Lukasz Zal

 

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7. The House That Jack Built. Manuel Alberto Claro

 

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8. Roma. Alfonso Cuarón

 

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9. Rojo. Pedro Sotero

 

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10. Leto. Vladislav Opelyants

 

 

Mi (muy parcial) Festival de San Sebastián 2018

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Este es un muy parcial comentario sobre la última edición del Festival de San Sebastián, puesto que apenas he podido ver un puñado de las películas proyectadas. La edición de este año se presentaba bajo el signo de una renovación estética que afectaba tanto a la imagen gráfica del Festival como a un nuevo diseño de la propia Concha de Oro, un cambio que busca dar una nueva identidad de marca al festival a nivel internacional que lo haga fácilmente reconocible dentro del complicado mundo del cine y de los festivales.

Y también llegaba bajo el signo del crecimiento. El Festival cada vez es más grande e inabarcable y como consecuencia se han vivido algunas distorsiones entre prensa y acreditados y la organización, que sigue siendo casi modélica y de un trato personal magnífico. En mi opinión, el festival haría mal en imitar y copiar lo peor de otros festivales como dividir a la prensa en castas de colores (como se hace en Cannes) con el consiguiente desprecio y maltrato a quien se gasta su dinero o el de su medio de comunicación en desplazarse y alojarse en la ciudad.

En cuanto a la progrmación, si durante años las fechas del evento eran un obstáculo de cara a conseguir películas y directores de renombre que lo acercara en la medida de lo posible a otros festivales de su misma categoría, el actual equipo directivo del festival ha sabido encontrar una fórmula que lo haga atractivo tanto para la industria internacional, prensa estatal e internacional, y al público, verdadero guardaespaldas de un evento que es vivido en la ciudad con verdadera pasión y entrega. Este festival de lo posible consiste en convertirlo en un certamen que resuma lo mejor del panorama cinematográfico mundial de cada año, de tal manera, que quien no pueda asistir a las grandes citas cinematográficas pueda comprobar en pocos días la evolución del panorama audiovisual a nivel internacional durante el último año. Las secciones Perlas y Zabaltegi son dos imanes programáticos que sirven para atraer al festival tanto al público como a la prensa especializada en una suerte de festival de preestrenos de lo que se verá en los cines comerciales durante el otoño. En esta edición se ha podido ver -fuera de unos pocos títulos como Lazzaro Felice, Suspiria, The favourite o Border- prácticamente lo más destacado de Cannes y Venecia y en menor número películas procedentes de Berlín o Locarno. En cierta manera Perlas y Zabaltegi, inéditas en otros festivales de nivel A, distorsionan el papel que la prensa especializada juega en el festival,  que debería centrarse en cubrir sobre todo la Sección Oficial como New Directors que son las apuestas propias del equipo de programación.

Otro aspecto a destacar es la apuesta decidida del actual equipo directivo por la inclusión dentro de la Sección Oficial de películas de género que han logrado que se perciba con más interés y expectación aunque la conexión Toronto-San Sebastián sigue evidenciando la debilidad del certamen donostiarra frente a Berlín, Cannes, Venecia e incluso Locarno a la hora de las primicias mundiales, que a fin de cuentas es lo que mueve a la prensa internacional. En cualquier caso, títulos como In Fabric (Peter Strickland) hubieran sido impensables verlas programadas en la sección principal del Festival no hace tantos años.

En relación al cine español hay que señalar que dos de las películas más esperadas, El Reino y Quién te cantará, se habían proyectado previamente en Toronto -un mercado más que un festival-, buscando una repercusión internacional de la que adolece muy seriamente el cine español, prácticamente ausente desde hace años de los grandes festivales internacionales de cine, y una difusión que al menos permita a estas películas liderar las taquillas del mercado español. Tanto El Reino como Quién te cantará son dos triunfos artísticos por parte de Rodrigo Sorogoyen y Carlos Vermut aunque la que finalmente se llevó el gato al agua fue Isaki Lakuesta con Entre dos aguas, que llegó al festival de forma silenciosa y discreta al ganar la segunda Concha de Oro en un jurado presidido por Alexander Payne.

Con una Sección Oficial compuesta por una amplia variedad de estilos, géneros y estéticas, la elección de Payne, que realiza un cine que bebe del realismo y el costumbrimo tamizado por un humor melácolico,  como presidente del jurado se ha revelado como no acertada al obviar totalmente en el palmarés a High Life, de Claire Denis, la que en mi opinión ha sido la película más destacada de las vistas en el festival y uno de los grandes títulos del año a nivel internacional.

Con 66 ediciones a sus espaldas es uno de los festivales históricos del mundo y el primer festival en el ámbito latinoamericano. A pesar de ostentar esta condición desde hace décadas sorprende que desde las instituciones estatales y latinoamericanas no se contribuya de manera más decidida a reforzar esta condición y dotarlo de un presupuesto mayor que le permita ser en un plazo de tiempo razonable la plataforma de lanzamiento indiscutible de los cines del estado español y latinoamericano aunque iniciativas como el cada vez más decisivo e influyente Foro de Coproducción Europa-América Latina tratan de consolidar esta condición así como reforzar el papel vital de la industria dentro del certamen.

Algunas de las películas que pude ver y que más me interesaron fueron:

HIGH LIFE. Claire Denis

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Con un formato  de ciencia ficción distópica, Claire Denis, realiza una incursión abstracta que retrata los miedos, ansiedades, angustias y peligros de nuestro tiempo  y de paso, nos proporciona una de las experiencias audiovisuales, sensoriales y orgánicas más radicales del año. Por una lado, Denis, subvierte la reglas del propio género que usa como medio expresivo alejándose por completo de la convenciones de la ciencia ficción marcada históricamente por el cine americano y bebe tanto estéticamente como temáticamente de otros referentes menos espectaculares como son la ciencia ficción europea, en concreto de los países del Este, en los años 70 del siglo pasado. Esta elección estética se evidencia en el look que predomina en la película donde la propia nave espacial semeja a un pobre sarcófago o los propios trajes de los astronautas, más austeros y similares a la estética espacial soviética.

Además, utiliza los cuerpos, el sexo y los fluidos como elementos expresivos para realizar un diagnóstico atroz de nuestra condición humana por medio de un grupo de ex convictos, encabezados por Robert Pattinson y Juliette Binoche, que son enviados como conejillos de indias a una misión espacial imposible. Por otro lado, la directora francesa sublima el propio género de la ciencia ficción al utilizar como referentes el cine de Tarkovski -Solaris y Stalker-, y al propio Kubrick de 2001, una odisea en el espacio. Sin duda una de las grandes películas del año por su ambición, originalidad

ROMA. Alfonso Cuarón

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Roma se plantea como un fresco al mismo tiempo íntimo e histórico con el trasfondo de la situación de México en los años 1970 y 1971. Pese a la enorme profundidad de campo que nos da la película rodada en 65 mm, Alfonso Cuarón no utiliza la épica para retratar sus memorias de infancia y opta por un punto de vista más distanciado ante lo que se muestra en pantalla. En cualquier caso, el espectador asiste a la película como si fuera un trozo de vida real que se desarrolla delante de sus ojos con una asombrosa naturalidad y fluidez siguiendo a Cleo, la criada de la familia de Cuarón en aquel tiempo, un personaje interpretado por la actriz no profesional Yalitza Aparicio, que dota a la película de verdad, dignidad y humanismo. Más allá de sus valores cinematográficos, la película producida por Netflix y úlitma ganadora del León de Oro en Venecia, plantea la paradoja de su forma de exhibición.

MANTA RAY. Phuttiphong Aroonpheng

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Avalada por el reciente premio a la mejor película de la sección Orizzonti de la última Mostra veneciana, Manta Ray está claramemente influenciada por el universo creativo del también tailandés Apichatpong Weerasetakhul. La principal novedad de la ópera prima de Phuttiphong Aroonpheng radica en el inserto de un sutil pero directo elemento de denuncia política como es la situación de los refugiados rohinhyá, la perseguida minoría éntica y cultural de Myanmar, en medio de una formulación cinematográfica tan misteriosa y “fantasmática” como acostumbra el cine tailandés. Lo que logra su director es una potente película críptica y ambivalente, entre el murmullo sonoro y el barroquismo audiovisual, donde convergen lo íntimo y personal con lo antropológico y político.

QUIÉN TE CANTARÁ. Carlos Vermut

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La nueva y esperadísima película de Carlos Vermut tras la Concha de Oro de Magical Girl llegaba a San Sebastián con un hype por encima de sus posibilidades como una de las apuestas indiscutibles de la Sección Oficial de este año. Y una vez despejada la incógnita se puede decir que Quién te cantará supone un paso sólido en la carrera de Carlos Vermut aunque en ese paso se ha dejado parte de la originalidad de su anterior película. Planteada como juego de espejos vampírico entre una cantante de éxito (Najwa Nimri) y una fan (Eva Llorach), la nómina de influencias es larga y excelsa: desde Almodóvar a Bergman, pasando por Douglas Sirk o David Lynch.

EL REINO. Rodrigo Sorogoyen

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Una de las claves de la nueva película de Sorogoyen es que consigue desvelar la parte oculta de la omnipresente corrupción entre la clase política española que no vemos en los telediarios. Junto a su guionista, Isabel Peña, ha conseguido dar forma a toda la intrahistoria de sus conversaciones, llamadas de teléfono, reuniones de partido, fiestas en los yates, como son sus casas y chalets, etc logrando reflejar la realidad de un país de forma demoledora a ritmo de música electronica y utilizando el thriller como forma de narración. Por su contundencia, El Reino es una película que debería trascender el ámbito cinematográfico y tener una influencia destacada en una sociedad que percibe la corrupción política y social como uno de sus grandes retos y problemas a solucionar.

ROJO. Benjamín Naishtat

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Triplemente premiada (dirección, actor -Darío Grandinetti- y fotografía) por el Jurado de San Sebastián, Rojo nos traslada hasta una provincia del interior de Argentina en 1975 para reflejar por medio de un magnífico thriller la cenagosa y malsana atmósfera que posibilitó el Golpe de Estado y la llegada de la dictadura militar en 1976. Con una puesta en escena cuidada donde resuenan los ecos del cine del extrañamiento de Lucrecia Martel y Yorgos Lanthimos y una gran fotografía del brasileño Pedro Sotero (Aquarius), Naishtat consigue una narración que logra radiografiar perfectamente la deriva moral de aquella sociedad cuyos ecos todavía resuenan en la actualidad.