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Bong Joon-ho

IMG_9140Bong Joon-ho en la rueda de prensa tras ganar la Palma de Oro por “Parasite en Cannes 2019. Foto: Juan Arteaga Villar

Mi (muy) parcial Festival de San Sebastián 2019

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Si la 66ª edición del Festival de San Sebastián se caracterizó por un crisis de crecimiento del certámen que pareció pillar desprevenidos a sus organizadores pero que afectó sobre todo al desempeño del trabajo de la prensa acreditada, con el consiguiente aluvión de críticas negativas a la organización, la edición de 2019 del Zinemaldi se ha desarrollado con comodidad inesperada para los profesionales de la información en eventos de este calibre, fruto de las inteligentes medidas introducidas por el equipo de José Luis Rebordinos.

Siempre que se hace una valoración de una edición del Zinemaldi hay que resaltar la especial posición que ocupa el certámen vasco dentro del complejísimo panorama de los festivales internacionales de cine. Si por un lado ha jugado ser un escaparate del cine latino sin conseguirlo realmente del todo, en los últimos años se ha conformado como el festival resumen del año, el festival al que hay que ir si realmente se quiere tener una visión de lo más destacado del año audiovisual si no se puede acudir a los grandes festivales históricos de Berlín, Cannes, Locarno o Venecia, que junto a Toronto y en menor medida, Sundance, marcan la evolución del cine cada año.

Con este rol asumido cada vez con más claridad, el equipo del Zinemaldi consigue armar cada año un evento que satisface diferentes intereses que van desde la promoción de la propia ciudad, los intereses del público generalista, los del cine español, los de la industria (sobre todo latinoamericana), los de la prensa especializada y la no especializada, de distribuidoras y exhibidores, todo sin perder de vista su carácter de evento competitivo e internacional y su función de plataforma para el descubrimiento de nuevos talentos.

Con este modelo de festival que parece funcionar, aunque no sabemos por cuanto tiempo dentro del competitivo y cambiante mundo de los festivales de cine, la sección Perlas/Perlak se configura como la más mediática, seguida y disputada del certámen. En esta edición se ha programado un buen número de las películas que probablemente van copar la temporada de premios a nivel internacional. De Berlín se ha podido ver el magnífico y conmovedor drama chino So Long, My Son (Wang Xiaoshuai), Amazing Grace, el documental sobre el concierto de Aretha Franklin donde grabó su álbum más vendido. De Cannes ha llegado la mayoría de títulos de la sección con Parasite (Bong Joon-ho), la bomba coreana ganadora de la Palma de Oro en la edición de este año, a la cabeza. También se han visto la magnífica y exquisita Portrait del jeune fille en feu (Céline Sciamma), Beanpole (Kantemir Balagov), la nueva joya del gallego Oliver Laxe y también premiada en Un Certain Regard O Que Arde; Les Miserables, de Ladj Ly o The Lighthouse, la nueva película de Robert Eggers. Desde la reciente Mostra se ha podido ver La Verité, la aventura francesa del siempre querido en Donosti Hirokazu Koreeda; la incendiaria Ema, del chileno Pablo Larraín o The Laundromat, la visión de Steven Soderbergh del escándalo de los papeles de Panamá.

En las últimas ediciones, New Directors es una sección que está aumentado su interés y prestigio por el buen ojo y selección de los programadores del Festival y al que la prensa especializada debería prestar mucha más atención. Si el año pasado nos descubrió al japonés Hiroshi Okuyama, autor de Boku wa Iesu-sama ga kirai/Jesus o a Celia Rico con Viaje al Cuarto de una Madre, en la última edición reconoció el trabajo del chileno Jorge Riquelme Serrano, director de Algunas Bestias,  que para una parte de la prensa ha sido una de las películas más interesantes de todo el festival. También han destacado La Inocencia, primera película de Lucía Alemany, graduada de la Escac, así como Las letras de Jordi, ópera prima de Maider Fernández.

Como consecuencia del peculiar lugar que ocupa el Zinemaldi en el panorama de festivales competitivos, la Sección Oficial puede oscilar según los años en un escaparate interesante o una selección de menos nivel, cosa que ha ocurrido en la última edición. Hay que añadir que el jurado presidido por el realizador irlandés Neil Jordan no ha destacado por la audacia y sagacidad de sus elecciones para el palmarés, retomando una tradición de fallos garrafales de los jurados de San Sebastián que han lastrado históricamente una lista de películas ganadoras que podía ser impresionante. Concentró en pocas películas los siete premios posibles de la Sección Oficial, teniendo en cuenta que el premio de mejor actriz fue exaequo para Nina Hoss (The Audition) y Greta Fernández (La hija de un ladrón).  Concedió la Concha de Oro a la brasileña Pacificado, dirigida por el norteamericano Paxton Winters, y dos premios más – el premio al mejor actor y a la mejor fotografía-, un reconocimiento excesivo para una película que no contaba en las quinielas. La otra película que sale victoriosa de su paso por San Sebastián es La Trinchera Infinita, obra a seis manos por los locales Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, que recibió los premios a la mejor dirección y al mejor guion, y máxima favorita al triunfo final para buena parte de la prensa y desde luego para el público de San Sebastián.

La pasada edición no será especialmente recordada. Más bien supone un festival de transición y menos brillante que otros anteriores. El Zinemaldi reafirma su modelo con un respaldo masivo de un público que adora el festival y lo siente como suyo. Eso está muy bien pero desde otro punto de vista y si no quiere perder definitivamente sus opciones, el certámen deberá introducir cambios y abrirse a miradas renovadoras y sobre todo echar el resto en el competitivo mundo de los festivales de cine para conseguir películas que realmente dejen huella y merezcan el viaje a San Sebastián.

Algunas de las películas que pude ver y que más me interesaron fueron:

THE AUDITION. Ina Weisse

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La segunda película de la alemana Ina Weisse se construye en torno al portentoso trabajo interpretativo de Nina Hoss y en un principio remite al mundo de Haneke y La Pianista entre sus referencias más evidentes aunque de forma inteligente evita sumergirse por completo en los infiernos del director austriaco conformando un sobrio, preciso e inquiente retrato de la obsesion de una profesora de violín con su alumno en la búsqueda de la perfección artística. En el reflejo de su anhelo vital, la película se detiene especialmente en mostar el universo personal que rodea a la protagonista, buscando por un lado encontrar explicaciones a su comportamiento y por otro mostrar como el obsesivo afán de perfección tiene consecuencias terribles para quienes la rodean aunque evita en todo momento juicios morales. Para equilibrar las turbulencias de este viaje al fondo de la psique, Weisse recurre a magnífica interpretaciones de obras de Bach, que actúan  como contrapunto para evidencia que la belleza y la perfección artística se pueden alcanzar por otros medios. Sección Oficial

LA TRINCHERA INFINITA. Aitor Arregui, Jon Garaño, José Mari Goenaga

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Dirigida a seis manos por los donostiarras Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, La Trinchera Infinita es su película más ambiciosa hasta ahora y nada mas proyectarse en el Zinemaldi escaló a favorita de parte de la prensa y del público al triunfo final. Inspirada por  el libro Los Topos, escrito por Manu Leguineche y Jesús Torbado en 1977, y los innumerables casos que se dieron durante la Guerra Civil y la dictadura franquista de personas que vivieron escondidas durante décadas por miedo a las represalias, la película adopta en todo momento el punto de vista de estas personas. Esta orignalidad constituye un reto narrativo y audiovisual considerable si tenemos en cuenta que la película dura dos horas y media. El resultado es una primera hora que vuelta a gran altura desde todos los puntos de análisis pero que va perdiendo fuerza e interés a medida que la película avanza. Al inicio, los tres directores sumergen al espectador directamente en el horror que viven los personajes logrando una profundidad psicológica y sensorial increíble. El punto de inflexión lo marca el desarrollo narrativo de la historia, con decisiones de guion claramente erradas y altamente improbables que pudieran darse en la época. Desaparecido el estudio psicológico de los magníficos protagonistas, la película deriva en una edulcoración de la narración que tal vez permita respirar al espectador y hacerla más comercial pero que le hace perder interés. Sección Oficial

MIENTRAS DURA LA GUERRA. Alejandro Amenábar

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Segunda película a concurso con la Guerra Civil como elemento protagonista y primera vez de Amenábar a competición en San Sebastián. Tras la fracasada Regression, presentada fuera de concurso hace cuatro años, nadie podía imaginar que Amenábar eligiera la compleja figura del intelectual Miguel de Unamuno en los inicios de la Guerra Civil como elemento protagonista de su siguiente película. Asumida la sorpresa inicial quedaba despejar la expectación generada por una propuesta en principio tan alejada de los temas tratados por Amenábar en sus anteriores trabajos. Con una puesta en escena magnífica -marca de la casa por otra parte-, y una interpretación de altura por parte de Karra Elejalde, la tesis de la película navega entre una equidistancia ideológica, que se aleja de buena parte de la filmografía del cine español sobre el tema, y un didactismo más propio de una clase de la ESO, tal vez con el objetivo de que sea entendida en el mercado internacional ya que remarca innecesariamente hechos históricos básicos conocidos por toda la sociedad. Desde el punto de vista cinematográfico contiene momentos brilllantes, -la escena del discurso de la famosa frase de “vencéreis pero no convenceréis” en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca-, y otras claramente sonrojantes como son los subrayados emotivos buscando una fácil identificación emocional del espectador. Sección Oficial

VENDRÁ LA MUERTE Y TENDRÁ TUS OJOS. José Luis Torres Leiva

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Primera participación a competición del cineasta chileno José Luis Torres Leiva, muy vinculado a la ciudad por haber colaborado con Tabakalera y haber prsentado sus obras anteriores en secciones del festival como Zabaltegi, donde hace tres años se pudo ver El viento sabe que vuelvo a casa y el corto El vuelo de Ana. Su nuevo trabajo toma el título de un poema del mismo nombre de Cesare Pavese que escribió antes de suicidarse. Con esta premisa, Torres Leiva aborda los últimos días de una pareja enamorada acosada por una enfermedad terminal de una de ellas que toma de decisión de no tratarse. Aceptado el planteamiento tan arriesgado, Torres Leiva nos muestra un poema visual elegíaco llevado casi al límite de la sublimación mediante las historias paralelas que cuenta pero donde no falta la ironía ni el elogio de la vitalidad en una película donde resuenan ecos del cine de Apichatpong Weerasetakhul. Película arriesgada y diferente auque que no termina de funcionar en todas sus aristas pero a tener en cuenta por aparterse totalmente de los lugares comunes. Sección Oficial

TEMBLORES. Jayro Bustamante

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La película del guatemalteco Jayro Bustamante es un profundo, meticuloso y detallado retrado de como el fanatismo e irracionalidad de las sectas, tan presentes entre las clases altas de muchas sociedades latinoamericanas, pueden condicionar y determinar la vida de una persona sino también tener consecuencias desastrosas para toda la sociedad. Para este preciso retrato, Temblores se sirve de la relación que establece Pablo, mienbro de la alta sociedad del país, con Javier, gay declarado, con el que inicia una nueva vida dejando atrás a su familia, que toma la determinación de “recuperar” y “curar” para una vida “normalizada a Javier utilizando para ello toda clase de manipulaciones y estragemas. Demoledor retrato de una sociedad condicionada por el fanatismo y la intoleracia. Como dispositivo formal, Bustamante pone especial énfasis en el uso de diferentes texturas y sonoridades, enriqueciendo la película hasta hacer de ella una verdadera experiencia. A destacar el gran trabajo interpretativo de los actores, en especial de su protagonista, Juan Pablo Olyslager, y de las actrices Sabrina de la Hoz y Diane Bathen. Horizontes Latinos

MONOS. Alejandro Landes

Captura de pantalla 2020-02-12 a la(s) 20.14.46La nueva película del colombiano Alejandro Landes, que ganó el Premio Especial del Jurado en Sundance, tiene su centro de gravedad en la gran potencia visual de sus imágenes. Ambientada en lo más profundo de la selva colombiana, Landes genera un dispositivo audiovisual imponente que subyuga e impresiona todo el tiempo la mirada absorta del espectador para retratar la vida de un grupo de guerrilleros jóvenes que al final son dominados por la fuerza y el misterio de la naturaleza más salvaje. Es una narración donde lo etnográfico tiene una presencia constante, se articula en un mix entre el clásico de William Golding, El Señor de las Moscas, el viaje a las tinieblas de Apocalypse Now y desde una vertiente política, la presencia de la guerrilla de las FARC en la vida colombiana. Horizontes Latinos

EMA. Pablo Larraín

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Recién llegada desde la Mostra veneciana donde ha sido uno de las películas más comentadas, el siempre interesante Pablo Larraín , autor de NO, El Club o Jackie, vuelve con espíritu disruptivo e incendiario. Ema trasciende el retrato generacional de la juventud chilena contemporánea para retratar un malestar que afecta a una gran parte de las capas sociales a ritmo de reggeaton, del que hace una elogiosa defensa como música y estética con implicaciones políticas. A destacar sin duda el enorme trabajo de Mariana di Girolamo, una especie de ángel caído que al igual que Terence Stamp en la muy profética Teorema (1968) de Pasolini, desestabiliza todas las convenciones sociales allá por donde pasa para alumbrar un nuevo orden social más donde las caducas convenciones no tienen lugar ni sirven para nada.  Y al igual que hizo Almodóvar hace más de veinte años en Todo sobre mi madre, Larraín crea una ficción, aunque tal vez se esté ya produciendo, donde sus personajes tienen el poder inmenso de articular su existencia de una manera más libre. Perlas/Perlak

HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO. Wang Xiaoshuai

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El director chino Wang Xiaoshuai, conocido en occidente a partir de La bicicleta de Pekín (2001), recaló este año en la sección oficial de la Berlinale con este drama-río de tres horas de duración donde ajusta cuentas con la imposición de la política de hijo único del régimen chino, que marcó dramaticamente la vida de varias generaciones en el gigante asiático desde los albores de la Revolución Cultural hasta el año 2015. La historia, contada a través de las visicitudes que vive un un matrimonio durante tres décadas, está narrada de forma clásica aunque evidencia una gran complejidad por la cantidad de saltos en el tiempo  y elipsis que contiene. Descansa, sobre todo, en una pareja de actores inconmensurables, -Yong Mei y Wang Yingchiun-, que realizan un trabajo prodigioso por el que recibieron el premio de interpretación en el Festival de Berlín. Tan bella como triste, Wang Xiaoshuai ha realizado una película produndamente humana que permanecerá en la memoria. Perlas/Perlak

SESTRA. Svetla Tsotsorkova

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La búlgara Svetlana Tsortsova es una directora respaldada por el Festival de San Sebastián, ya que participó en 2015 con su primer largometraje, Thirst. Este año ha vuelto a la misma sección que la vió nacer como directora con su segunda película, Sister, donde narra la peculiar relación entre dos hermanas con su madre. Una relación plagada de ocultaciones, mentiras y medias verdades siempre al borde de la explosión durante todo el metraje. La originalidad de la película radica en que estas relaciones en apariencia tan conflictivas en realidad no lo son tanto planteando una irónica pero eficaz sororidad femenian. New Directors

DELPHINE ET CAROLE, INSOUMUSES. Callisto McNully

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La actriz francesa Delphine Seyrig fue una de las interprétas más reconocidas del cine autor europeo de los años 70, con títulos legendarios como El año pasado en Marienbad, El discreto encantode la burguesía o Jeanne Dielman y reclamada por directores como Margarite Duras, Joseph Losey, Fraçois Truffaut, Jacques Demy o Chantal Ackerman. Lo que narra este documental programado en Zabaltegi es el proceso de toma de conciencia feminista y su puesta en práctica junto a la documentalista Carole Roussopoulos, quien le enseña las técnicas del vídeo, y su paso a la acción militante en una década donde una actriz de su prestigio y posición se podía jugar su carrera. Uno de los grandes atractivos de este documental es el uso del material de archivo, tanto de películas interpretadas por la actriz como del materiales – entrevistas, debates de televisión-, que rodaron las dos activistas. Destaca el conjunto de entrevisas realizadas en Estados Unidos a actrices como Jane Fonda, Maria Schneider o Ellen Burstyn, así como su papel en el Manifiesto de las 343, en pro del derecho al aborto. Sin duda dos mujeres adelantadas a su tiempo. Zabaltegi

Céline Sciamma

Captura de pantalla 2019-06-07 a la(s) 12.36.00 copiaPortrait de la Jeune Fille en Feu. Prix du Scénario. Cannes 2019

 

Top 10 Cannes Film Festival 2019

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   1

Portrait de la jaune fille en feu. Céline Sciamma

2

O que arde. Oliver Laxe

3

Jeanne. Bruno Dumont

4

Parasite. Bong Joon-ho

5

Frankie. Ira Sachs

6

Liberté. Albert Serra

7

Roubaix, une lumiére. Arnaud Desplechin

8

Ghost Tropic. Bas Devos

9

Once Upon Time in…Hollywood. Quentin Tarantino

10

Beanpole. Kantemir Balagov

*No incluye Dolor y Gloria, vista en España

 

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BEST CINEMATOGRAPHY CANNES 2019

1

Artur Tot. Liberté

2

José Luis Alcaine. Dolor y Gloria

3

Rui Poças. Frankie

4

Mauro Herce. O que arde

5

Grimm Vanderkerckhove. Ghost Tropic

6

Jarin Blaschke. The Lighthouse

7

Claire Mathon. Portrait de la jaune fille en feu

8

David Chambille. Jeanne

9

Florian Zinke. Nina Wu

10

Kyung-pyo Hong. Parasite

 

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BEST SOUNDTRACK CANNES 2019

1

James Newton Howard. A hidden life

2

Alberto Iglesias. Dolor y Gloria

3

Grégoire Hetzel. Roubaix, une lumiére

4

Christophe. Jeanne

5

Mark Koven. The Lighthouse

6

Fatima Al Qadiri. Atlantique

7

Para One. Portrait de la jaune fille en feu

8

Dickon Hinchliffe. Frankie

9

Jeong Jae-il. Parasite

10

The Pink Noise. Les Miserables

 

Festival de Cannes. CANNINO DÍA 11

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GHOST TROPIC. Bas Devos

El belga Bas Devos se ha colocado con solo tres películas en el punto de mira de los programadores de festivales y de una parte de la crítica. Devos fue descubierto por la Berlinale en 2014 con Violet, donde ganó el premio de la sección Generation y en su última edición presentó Hellhole. En Ghost Tropic, su primera visita a Cannes en la Quincena de los Realizadores, el director nos presenta a Khadija, una mujer de 58 años que a la salida del trabajo se queda dormida en el metro de vuelta y aparece en un barrio alejado del suyo. Sola y sin dinero debe cruzar a pie y de noche Bruselas para volver a su casa. En su largo transitar por la noche bruselense va encontrando diferentes personas con las que establece una relación de empatía y generosidad dotando a la película de un sentido humanista que diluyen los peligros asociados tradicionalmente a la oscuridad. Ghost Tropic es también una película de percepciones mentales y reflejos de estados de ánimo asociados a luz y sus variaciones, alcanzando cotas de inusitada belleza gracias a la fotografía de Grimm Vandekerckhove, que es capaz de trasladar a la pantalla visiones muy complejas.  Sin duda una de las películas más bellas y personales de todo el festival y un nombre para seguir muy de cerca en el futuro. Quincena de los Realizadores

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IT MUST BE HEAVEN. Elia Suleiman

Heredero de grandes del cine mudo como Chaplin, Keaton o Tati, el palestino Elia Suleiman presentó en la competición de Cannes It must be heaven, primera película desde 2009, donde realiza una denuncia en clave satírica y humanista la injusticia social y las sociedades dominadas por la violencia y la hiperseguridad, con la identidad palestina como tema latente y a quien dedica la obra. Rodada en su Nazareth natal, París y Nueva York, Suleiman prácticamente no habla, pero ve el mundo y la vida como un observador de visión empática pero distanciada, siempre llena de humor y comprensión descubriendo aspectos ridículos y paradójicos de la sociedades contemporáneas. Sección Oficial

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THE LIGHTHOUSE. Robert Eggers

Revelada con una de los grandes descubrimientos de la presente edición del festival, es, sobre todo, una constatación del talento de su director.  Filmada en blanco y negro exquisito y situada en una isla de Nueva Inglaterra a principios del siglo XX, es tambien un compendio de las variadas influencias e inspiraciones que transpira la película. Sin llegar a la evocación directa, por la película desfilan los universos literarios de Melville y Allan Poe; el cine expresionista alemán, ecos de El Resplandor de Kubrick y toda la imageneria asociada a los relatos míticos marinos. Con trabajo excepcional de Willem Dafoe y Robert Pattinson, el director ha sabido equilibrar todos los elementos logrando una película que actúa como pieza de cámara autoral y como relato de género, como relato literario y teatral y como espectáculo cinematográfico. Quincena de lo Realizadores

 

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ATLANTIQUE. Mati Diop

Actriz de Claire Denis en 35 rhums y de Matías Piñeiro en Hermia&Helena, la senegalesa Mati Diop da el salto con Atlantique a la dirección de largos de ficción tras dirigir previamente un corto también titulado Atlantiques (2009) y el documental Mille Soleils (2013). El principal logro de esta primera película presentada a competición es el de haber logrado insertar de forma admirable en el realismo más descarnado de la situación social del país una visión fantástica y ancestral ligada a las tradiciones senegalesas con total naturalidad y credibilidad. Mati Diop es una directora a la que seguir los pasos por haber logrado una película, todavía imperfecta, pero que revela una visión y una forma de narrar original. Sección Oficial

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 10

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NUESTRAS MADRES. César Díaz

Primera película del director belgo-guatemalteco, autor de varios cortometrajes documentales premiados en festivales internacionales y montador de Ixcanul y Temblores, obras de Jayro Bustamante. En su paso por el festival francés ha conseguido el premio de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos (SACD) de la Semana de la Crítica, que ha valorado el trabajo equilibrado, sencillo y sensible de esta película que habla de los desaparecidos de Guatemala. Partiendo de los testimonios de las víctimas del larguísimo conflicto bélico de Guatemala (1960-1996), Ernesto, un joven antropólogo, inicia los trabajos para la indentificación de los desaparecidos. Pero un día, a través del testimonio de una mujer, Ernesto cree encontrar un indicio que le permitirá encontrar la vía para encontrar a su padre, un guerrillero desaparecido durante la guerra.

En Nuestras Madres, el director trabaja sobre dos vertientes. Una, en clave colectiva que implica a toda la sociedad guatemalteca y otra, a nivel personal, que servirá al protagonista para completar el puzzle de una identidad incompleta que su madre le ha negado desde siempre. La película se articula desde la voz de las mujeres indígenas, verdaderos motores del proceso de recuperación e identificación de las víctimas, a los que el director retrata con gran dignidad y humanismo. Una primera película con toques naturalistas que pone a la sociedad guatemalteca de frente a los horrores de su memoria, un tema universal que afecta a todas las sociedades y países. Semana de la Crítica

 

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ONCE IN TRUBCHEVSK. Larisa Sadilova

Sexto largo de la directora Larisa Sadilova y primera visita a la Croisette. La película parte de una premisa sugerente: una road movie con camiones a través de la Rusia rural contemporánea. Ambientado en la pequeña localidad de Trubchevsk, nos cuenta la relación clandestina de un camionero con una vecina del pueblo que va a Moscú de forma habitual para vender sus guantes de lana, lo que al final hará sospechar a sus familias. El aspecto más destacado es su tono humorístico y el retrato que hace de sus protagonistas. Película sin pretensiones resuelta con oficio por su directora que se cierra con un conservador final. Un Certain Regard

 

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NINA WU. Midi Z

Inmersión en el mundo del cine de la mano del director birmano pero afincado en Taiwan Midi Z. A través de Nina Wu (Wu-Ke-xi), una actriz de ambición desmesurada de orígenes rurales nos adentramos en el proceso de rodaje de una película de espías ambientado en los años 60, que provocará la aparición de inseguridades, paranoias, angustias y represiones sexuales de la protagonista. Con un estilo visual estilizado y contemporáneo, en Nina Wu suenan los ecos oníricos y psicóticos de Le Locataire (Roman Polanski) y Black Swan (Darren Aronofsky) aunque utilizados con cierta reiteración algunas veces sin sentido. Gran trabajo de la actriz Wu-Ke-xi. Un Certain Regard

 

 

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IL TRADITTORE. Marco Bellocchio

Vuelta a Cannes de Marco Bellocchio, uno de los últimos maestros clásicos del cine italiano y europeo con una película épica sobre la lucha contra la mafia a través de Tommasso Buscetta, un arrepentido de la mafia cuya confesión permitió la detención de centenares de miembros de la Cosa Nostra. Como es tradición en parte del cine italiano, Il Traditore utiliza una épica monumental y operística conformando un gran fresco de carácter clásico con escenas magníficas como la de los jucios donde Bellocchio demuestra su sabiduría filmíca de décadas. Destacar también el trabajo del actor Pierfrancesco Favino encarnando al mafioso Buscetta, que es presentado como un hombre producto de unas determinadas circunstacias vitales que toma conciencia de las consecuencias de sus actos sin llegar a redimirlo en ningún momento. Sección Oficial

 

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MEKTOUB, MY LOVE: INTERMEZZO. Abdelatif Kechiche

Segunda entrega de la trilogía de Kechiche donde continúa con el reflejo de la juventud a través de algo tan inaprensible y complejo como las sensaciones, la luz del verano, el deseo sexual, el viento, la piel, el sudor, las conversaciones intrascendentes, los ligues, la música, las discotecas de verano….. Si en la primera parte ya produjo controversia por la forma de mirar el cuerpo femenino en esta continuación se acentúa su obsesión fetichista que llega a su culmen con un cunnilingus explítico de ventitrés minutos de duración. Película radical, compleja y polémica que auna dificultad cinematográfica con una mirada anacrónica y desfasada del sexo, y del cuerpo femenino especialmente, en tiempos en que internet y la lucha feminista han cambiado los paradigmas. Sección Oficial

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 9

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PARASITE. Bong Joon Ho

Siguiendo la estela que dejó el año pasado la magnífica Burning (Lee Chang dong), Parasite es una nueva bomba de relojería cinematográfica en todos los sentidos. En principio, es una demostración de que Bong Joon Ho domina todos los registros ya que utiliza una galería de géneros que apabulla. Por la película desfilan el cine negro, el de terror, el gore,  casi la ciencia ficción o el cine de catástrofes. Pero el sustrato sobre el que se asienta esta increíble película es la profunda carga de crítica social subversiva que contiene. Desarrollada en buena parte de su metraje en un moderna casa de una familia burguesa coreana, Parasite nos trae a la memoria El Ángel Exterminador de Buñuel en ese intento de alteración del orden social. Si Buñuel utilizaba el surrealismo, el coreano lo hace dede casi un hiperrealismo más  acorde a siglo XXI consiguiendo una película extraordinaria. Sección Oficial

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EVGE (En terre de Crimée). Nariman Aliev

Primera película de su director, Nariman Aliev, y por lo tanto en liza por la Cámara de Oro, EVGE pone el objetivo en uno de los conflictos latentes en la Europa del Este como es el de la guerra entre Ukrania y Rusia y la anexión de la península de Crímea por parte de los rusos y los probemas derivados con la minoría tártara. Como una especie de anti road movie, la película cuenta las visicitudes por las que pasan Mustapha y su hijo pequeño para enterrar en su tierra natal a su hijo mayor, muerto en el frente. Durante este duro viaje por un país en conflicto, el padre y el hijo, hostiles en un principio, cambiarán la relación y aprenderán a reconocerse para hacer frente a todo lo que supone un país en guerra. La película funciona más como constatación de un conflicto debido a la sobria realización de Nariman Aliev. Un Certain Regard

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MATTHIAS & MAXIME. Xavier Dolan

Xavier Dolan vuelve a casa, es decir , al festival que lo descubrió y encumbró desde su primera película con Matthias&Maxime, un drama sobre un amor imposible. Dos amigos de la infancia se besan como parte de la filmación de un cortometraje para la universidad pero tras el beso, ambos comienzan a preguntarse cuáles son sus auténticos sentimientos, lo que pone en peligro la estabilidad de sus vínculos sociales y familiares. Una idea argumental que desde el inicio se muestra como muy poco original. Dolan parece ser consciente de esta falla en su planteamiento, por lo que se muestra especialmente cuidadoso en el aspecto formal de la película que aun teniendo momentos brillantes no es suficiente para dar empaque y solidez a su película. Sección Oficial

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ROUBAIX, UNE LUMIÉRE. Arnaud Desplechin

Segunda película francesa en competición con la policía como eje temático siguiendo la gran tradición del polar francés. Pero nada que ver con Les Miserables. Aquí Desplechin intenta sublimar el género y llevarlo a un lugar nuevo, casi místico y trascendental. A veces lo logra, llegando a momentos fascinantes y bellísimos. Es la noche de Navidad en Roubaix. El jefe de policía Daoud realiza la enésima patrulla por la ciudad en la que creció. Coches robados, altercados… En el cuartel, el novato Louis Coterelle trata de reunir información sobre su nuevo trabajo. Cuando se reúne con Daoud, el primer encargo de ambos consiste en investigar el brutal asesinato de una anciana. Sólo tienen a dos sospechosas: Claude y Marie, dos chicas alcohólicas y que parecen mantener una relación romántica entre sí. Con esta premisa argumental, Desplechin realiza una película con dos partes donde tampoco se pierde de vista el convulso panorama social francés. A destacar la presencia constante de la impresionante música compuesta por Grégoire Hetzel a lo largo de la película, dándole un sentido esencial y profundo. Sección Oficial

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 8

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FRANKIE. Ira Sachs

El norteamericano Ira Sachs se ha colocado en la Sección Oficial por primera vez con una película de clara inspiración rohmeriana donde suenan los ecos de Pauline en la playa y la Rodilla de Clara consiguiendo una de las obras más bellas vistas hasta ahora en el certamen. Ambientada en Sintra durante un verano, Sachs cuenta la historia de una actriz (Isabelle Huppert) que reúne a su familia y seres queridos en los que serán los últimos meses de su vida ya que padece un cáncer terminal. Con fotografía del Rui Poças, habitual de Miguel Gomes y Lucrecia Martel, Sachs consigue un relato irisdencente, lleno de honestidad, sencillez y sutileza. Frankie es una película sobre todo hablada donde las miradas son los elementos fundamentales para la reordenación vital y de aprendizaje de este grupo de personas. Sección Oficial

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O QUE ARDE. Oliver Laxe

Después de haber participado en la Quincena de los Realizadores en 2010 con Todos vos sodes capitans y en la Semana de la Crítica en 2016 con Mimosas Laxe da el salto con O que arde a una de las secciones mayores del festival como es Un Certain Regard, esperemos que antesala de su paso a la sección oficial a concurso en un futuro. Frente a las dos obras anteriores Laxe consigue en su nueva obra una apertura narrativa aunque la capacidad para generar imáges y sensaciones únicas persiste igualmente. La película es un homenaje bellísimo a la Galicia rural y a sus  formas de vida ancestrales así como de los peligros que la amenzan con destruirla. A destacar la fotografía excepcional de Mauro Herce. Un Certain Regard

Leonardo DiCaprio star in Columbia Pictures ÒOnce Upon a Time in Hollywood"

ONCE UPON A TIME IN…HOLLYWOOD. Quentin Tarantino

Recibida y esperada con una expectación inusitada (con colas de horas entre los acreditados), el viaje de Tarantino al Hollywood de finales de los sesenta es un nuevo intento de adaptar la historia y recrearla en algo mucho más alegre y optimista. Más que una evocación es una recreación de un tiempo casi con carácter enciclopédico por el que desfilan innumerables referencias musicales (The Mamas and the Papas, Los Bravos, Neil Diamond, etc), programas de la televisión americana, anuncios o referencias cinematográficas a películas de serie B o a spaguetti-westerns rodados en Almería con homenaje incluido a Joaquín Romero Marchent. Pero bajo todo este despliegue de referencias lo que subyace en el trasfondo de la película es una incurable melancolía por un Hollywood que no volverá aunque Tarantino se ha empeñado en re crear a su imagen y semejanza en su nueva película. Sección Oficial

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 7

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CENIZA NEGRA. Sofía Quirós Ubeda

Debut en el largometraje de la costarricense Sofía Quirós Ubeda ya conocida en Cannes por el cortometraje Selva que presentó en la Semana de la Crítica en 2017. El enigma de la naturaleza salvaje, la magia y la vida son los pilares sobre lo que se articula esta película de corte naturalista e intimista que busca mostrar una simbiosis entre los todos los elementos. Selva, interpretado por la joven Smachleen Gutiérrez comparte su vida con sus abuelos en una localidad de la provincia de Limón. Fruto de esta convivencia y de la especial relación que establecen entre los tres, Selva tiene acceso a un conocimiento ancestral transmitido por sus abuelos que suponen una etapa de crecimiento y de acceso al mundo de los adultos. Ceniza negra sabe jugar de forma equilibrada con todos los elemento e introduce con naturalidad los elementos antropológicos. Semana de la Crítica

 

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ADAM. Maryam Touzani

En la edición de 2018 pudimos ver en Un Certain Regard Sofia, dirigida por Meryem Benm’barek, una película sencilla pero de escritura precisa que dirigía su mirada hacía la terrible realidad de las mujeres marroquies que se quedan embarazadas fuera del matrimonio. Este año, la debutante Maryam Touzani vuelve su mirada otra vez hacia una mujer embarazada que va de puerta en puerta pidiendo trabajo en Adam. La intención de Samia es entregar a su hijo en adopción en cuanto nazca pero en el deambular por la ciudad se encontrará con Abla, una viuda que vive con su hija, que será quien la acoga. A partir de ahí se establece una relación entre las dos que transformará sus planteamientos vitales. Touzani ha sido habil para evitar el tremendismo de otras películas similares y ha sabido elaborar una primera película solvente y muy equilibrada entre su parte más oscura y la más optimista. Un Certain Regard

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LE JEUNE AHMED. Jean Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Dos veces ganadores de la Palma de Oro, los hermanos Dardenne no tuvieron una buena acogida crítica con La Fille Inconnu en 2016, una película que reunía todas las marcas tradicionales de su obra aunque fue interpretada como un exceso. En esta ocasión los hermanos belgas han presentado Le Jeune Ahmed, un acercamiento a un adolescente cuyo crecimiento y acceso a la vida adulta se ve contaminado por el yihadismo. Como es habitual en su cine, la cámara de los Dardenne sigue el recorrido vital de este joven en una progresiva carrera hacia un radicalismo que puede determinar su vida desde tan joven. Sin embargo, una vez vista la película, los directores parecen que haber querido parar esta carrera ascendente hacia los problemas con un final que es un corte radical. Al final, la sensación de ser más un boceto de una película que hubiera requerido una elaboración más profunda y trabajada. Sección Oficial

 

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CHICUAROTES. Gael García Bernal

En su segundo trabajo tras la cámara, el actor mexicano Gael García Bernal ha dirigido su mirada a los barrios y calles más desolados de su México natal para contar una historia de dos pícaros que viven de pequeños robos y estafas dejando ver un trasfondo de profunda injusticia social. Un tema, del que el propio García Bernal ha sido protagonista en algunas de sus películas más famosas y que le ha proporcionado el background necesario para afrontar la película. Chicuarotes es un trabajo con cierta solidez pero de momento es una película de aprendizaje que permite vislumbrar un interesante director. Proyección Especial

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 6

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NAN FANG CHE ZHAN DE JU HUI. Diao Yinan

Ganador del Oso de Oro en Berlín en 2014 por Black Coal, el chino Diao Yinan sorprendió por su contudente apuesta por un cine negro altamente estilizado con todos los elementos propios del género que reflejaba los ambientes más bajos de su país. En The wild goose lake repite casi la misma fórmula y vuelve a demostrar que domina magistralmente las claves del género, con increíbles escenas de acción, auque tal vez la propuesta se algo más abierta que la anterior. Con todo se echa en falta la presencia de elementos nuevos que hagan de su nueva película una obra más a la altura de la anterior.  Sección Oficial

 

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CHAMBRE 212. Cristophe Honoré

El año pasado Honoré presento a competición una de sus mejores películas con Plaire, aimer y courir vite, un recorrido memorialístico con su propio pasado como materia prima. Sin embargo, este año ha sido seleccionado en Un Certain Regard con Chambre 212, una película menor dentro de su filmografía. Con un reparto encabezado por Chiara Mastroianni, Benjamin Biolay y un magnífico Vincent Lacoste, Honoré hace una nueva entrega de ese casi subgénero del cine francés que es el de las infidelidades y los problemas de relación de pareja en clave de comedia. La película, que debe verse con claves de lectura muy francesas, no consigue aportar nada sustancialmente nuevo aunque está resuelta con la eficacia conocida del director y, por supuesto, fue muy aplaudida por la crítica francesa en su pase matinal. Un Certain Regard

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A HIDDEN LIFE. Terrence Malick

“Pero el efecto de su ser en los que tuvo a su alrededor fue incalculablemente expansivo, porque el creciente bien del mundo depende en parte de hechos sin historia, y que las cosas no sean tan malas para ti y para mí como pudieran haber sido se debe en parte a los muchos que vivieron fielmente una vida oculta, y descansan en tumbas no visitadas”. Esta cita de la escritoria George Eliot que aparece al final de la película se resume el espíritu que ha llevado a Malick a realizar A Hidden Life, la esperada vuelta de Malick a la Croisette.

La película está basada en la vida real del autríaco Franz Jägerstätter, un campesino y ferviente católico, que se declaró objetor de conciencia para no apoyar al régimen nazi y que fue guillotinado en 1943 después de su encarcelamiento ante la indiferencia de la jerarquía católica de entonces.

Con estos antecedentes, Malick sigue fiel a todas las marcas características de su cine basado en su visión panteísta, de comunión con la naturaleza y su percepción mística y bondadosa de la misma. Lo que diferencia A hidden life de sus anteriores obras es el intento de introducir una evolución narrativa para contar la historia en el aparato formal característico de Malick. Y es ahí donde vienen los problemas, ya que Malick abusa de las reiteraciones visuales extasiadas y poéticas sin que conseguir que la narración fluya al mismo nivel que el apabullante aparato visual que utiliza. Una película majestuosa y al mismo tiempo, fallida. Entre los aspectos formales hay que destacar la magnífica banda sonora que ha compuesto James Newton Howard. Sección Oficial

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PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU. Céline Sciamma

Cuarto largometraje de Céline Sciamma y primero en la Sección Oficial de Cannes, señal que marca la vía ascendente de esta directora francesa autora de Naissance des pieuvres, Tomboy y Bande de filles, y primera candidata sería a desbancar a Almodóvar como favorito para la Palma de Oro.

Estamos en 1770. Marianne (Noémie Merlant) es una pintora y debe realizar el retrato de boda de Héloïse (Adèle Haenel), una joven que acaba de salir del convento hija de una condesa italiana (Valeria Golino). Héloïse se resiste a su destino como esposa por lo que pone todas las trabas para que el cuadro se pinte porque servirá para casarla con un hombre que no conoce. Así, Marianne deberá pintar el cuadro fingiendo al principio una complicidad con Héloïse que pueda facilitar llevar a cabo el objetivo hasta convertirse en una historia de amor.

Con esta premisa, Céline Sciamma elabora una película de una sobriedad que despista desde el inicio ya que parte desde una visión convencional y clásica para ir descubriendo sus cartas de una modernidad estética plemanamente contemporánea que mira asombrado la evolución visual de esta historia de amor imposible. Es también  cine feminista, ya que se construye en todas las facetas de le película con miradas de mujeres consiguiendo una obra que deja traslucir de manera inesperada desde un punto de vista estético la posibilidad de alterar las normas sociales establecidas. Sección Oficial