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Entrevista a Paul B. Preciado

Paul B. Preciado: “Qué te llamen por el nombre que has decidido es un acto poético y político extrarodinario”

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Convertido en máximo referente de las teorías queer y después de reflexionar desde la filosofía con textos como Manifiesto contrasexual (2002) o Un apartamento en Urano (2019) Paul B. Preciado (Burgos, 1970) se adentra en la representación audiovisual de las personas trans a través una versión del Orlando de Virginia Woolf que es al mismo tiempo una particular biografía política del autor unida a lo colectivo y un cambio de paradigma total en la representación que históricamente ha hecho la industria audiovisual de las personas trans. Estrenada en la sección Encounters de la pasada Berlinale, -donde recibió cuatro premios-, Orlando, mi biografía política, se ha presentado en Zabaltegi-Tabakalera del Zinemaldi como anticipo a su estreno en los cines el próximo día 11 de octubre.

 ¿Qué valoración hace de la representación histórica de las personas trans en el audiovisual?

La representación trans se ha hecho desde una mirada binaria muy normativa. En esa representación ha habido dos registros fundamentales. Uno, un registro patologizante, de película de horror en el que la persona trans aparece como si fuera un asesino y al final de la película tiene que ser asesinado igualmente. El epítome de esa genealogía visual es Psicosis, de Hitchcock. Esa tradición en la línea de Psicosis es larguísima y llega hasta ahora mismo. El otro registro es el del porno exótico, en el que la persona trans tiene que aparecer en algún momento desnuda y hacer de ese momento una revelación de la anatomía. En muchas películas aparece el momento de la operación filmado como una especie de porno gore. Se ha representado como un momento terrorífico, como si fuera una especie de castración o mutilación. Los registros de representación de lo trans han sido históricamente patologizantes. Eso continúa ahora incluso con películas que tenemos en el Festival, tal vez de una manera más azucarada.

Orlando rompe con esa formulación visual anterior para representar a las personas trans. ¿Desde donde ha partido y qué referentes audiovisuales ha tenido?

 Al principio no sabía que película iba a hacer pero sí sabía qué película no quería hacer. Sabía que no quería filmar el proceso de opresión sino que quería filmar el proceso de emancipación política, que para mí es totalmente distinto. En ese sentido tenía muchos referentes que me ayudaron también a imaginar, a pensar y hacer otras imágenes, a inventar otro lenguaje visual tanto trans como no trans. He tenido dos referencias, tal vez distantes. Un referente, que llamaría del cine filosófico, que sería Godard con Historie(s) du Cinema, Masculine féminin o La Chinoise. Godard ha sido muy importante para mí porque muchas preguntas que me hacía desde un punto de vista formal, él ya las había resuelto pero, claro, desde una mirada muy masculina y binaria. Y aquí ya tendría otros referentes como Un chant d’amour, de Jean Genet, la adaptación que hace  Fassbinder de Querelle, incluso el primer corto de Almodóvar, que es una adaptación de Salomé de Oscar Wilde. Evidentemente también del cine de John Waters, Bruce LaBruce, Rosa von Praunheim y toda la cultura underground de la imagen que no tiene que ver con la representación de lo trans sino que trata de generar un lenguaje disidente que también está en el cine underground queer y en parte del cine underground trans como la película de Hans Scheirl Dandy Dust, una película totalmente punk que ha sido muy inspiradora para mí. En mi película la estética no es punk como tal porque está muy cuidada, pero de alguna manera quise hacer la película como un fanzine, un corta y pega. Está hecha en formato digital pero si la hubiera rodado en analógico la hubiera hecho igual. He tenido poquísimos medios, casi todo lo he hecho en casa, desde el vestuario hasta la escritura.

 ¿Cómo se puede integrar la representación trans en el mainstream? 

La cuestión no es tanto como integrar algo en el mainstream. El problema es que siempre imaginamos que el público es binario, heterosexual, masculino y normativo pero no es verdad. Nunca pensé en el público que vería Orlando pero siempre imaginé que sería “orlandesco”, que está mutando, que está haciéndose preguntas constantemente, que es un público inteligente. No me gustan los directores que dicen “esto no lo entiende el público” porque al final cada película construye un público y lo modifica. El público tiene una potencialidad en la mirada increíble. Cuando presenté la película en Berlín, en la sala había personas de todo tipo, de todos los ámbitos y al finalizar la película se miraban y se reconocían diciendo “estamos en esto juntos”. Eso es lo que quería generar, que se dieran cuenta de que estamos viviendo un momento “orlandesco” colectivamente, que estamos mutando juntos y quería invitar a cualquier persona a  que se una a ese proceso de transformación. Tras su paso por los cines se proyectará en abierto a las 8 h de la tarde en ARTE y no veo mayor complicación. Por ejemplo, a la proyección de ayer vinieron mis padres. Mi padre tiene 92 años, siempre me ha dicho “te aprecian mucho en el extranjero pero no entiendo lo que haces”. Ayer vino y me dijo: “lo he entendido todo. Qué mensaje das al mundo tan bonito. Me voy a morir y me muero contentísimo viendo que las cosas van para mejor”. Igual eso es la maravilla de hacer cine, que es una industria supervalorada y puedes llegar a otros colectivos.

En la película participan muchas personas que se presentan como diferentes “orlandos”. ¿Era fundamental esa representación colectiva?

 Me di cuenta que mi biografía no podría ser escrita sino como una biografía colectiva, que la historia de mi vida no tiene mayor importancia sino es dentro de esa historia colectiva. Surgió también cuando hice el casting para encontrar a los “orlandos”, aunque a algunos ya los conocía, como Jenny Bel’Air, una activista histórica en Francia, porque tenía claro que ciertas personas tenían que aparecer en la película. Lo maravilloso fue que se presentaron 100 personas y cada una decía “yo soy Orlando y te voy a explicar porqué”. Eso me maravilló y acabo confirmando cinematográficamente la idea inicial que teníamos de que fueran varias las personas que representaran a Orlando. Al empezar a trabajar juntos colectivamente tanto la persona de 8 años como la de 78 hablaban y decían: “tu vida depende de la mía y la mía de la tuya”. El propio rodaje fue un proceso muy enriquecedor.

Comentaba que antes de iniciar el proyecto de Orlando consideraba el cine como algo demasiado comercial alejado de la práctica artística. 

Comercial, normativo….No sólo desde la cuestión de la militancia, lo consideraba como un ámbito en el que no puedes desarrollar suficientemente tu creatividad artística porque estás sometido a los puntos de vista de productores, televisiones, etc. Cuando eres filósofo es muy importante que tengas un campo de experimentación lingüística lo más amplio posible. En el caso del cine he tenido que defender ese espacio de libertad. He tenido muy poco presupuesto pero también ha habido una relación proporcional entre poco presupuesto y mucha libertad artística. Eso el espectador lo tiene que percibir en la pantalla porque a veces mira una pantalla y no ve lo que hay detrás. Lo que hay detrás es una industria comercial y no es lo mismo ver una película que ha costado 100.000 euros que 10 millones. En el cine cada detalle cuenta, eso lo he cuidado mucho. Por ejemplo, la persona que ha hecho la dirección de fotografía, ha trabajado con artistas, es migrante, LGTBI, tiene una mirada muy especial. No hubiera podido trabajar con alguien que simplemente coge la cámara. Y es así en cada caso, el montador es palestino…He vivido todo este proceso como algo más filosófico y artístico que en otras películas que pueda haber en el festival que están hechas de otra manera.

Era muy importante para usted tener esa coherencia ética en todo el proceso de trabajo.

Sí, importantísimo. Han habido momentos de transformación para todo el mundo que ha participado, incluidas mis productoras, que al principio no entendían nada de lo que yo quería hacer. Quince días de iniciar el proceso de casting llegaban a los sitios decían a la gente “estamos haciendo una película no binaria”, y yo pensaba ¡como se han puesto las pilas estas mujeres!. Se han convertido en dos transfeministas increíbles. Es alucinante lo que este proyecto ha podido generar.

 También hay una crítica a la violencia institucional sobre las personas trans.

Imaginaros que estuviéramos atravesando un periodo como la Revolución Francesa y la gente no se diera cuenta. En parte, el hecho de vivir en una sociedad neoliberal como la nuestra, es que incluso la posibilidad de imaginar, la posibilidad de la esperanza, el cambio, la imaginación ya ha sido capturada. La gente vive en un estado de violencia y letargo constante. Lo que quería con la película es que la gente se diera cuenta de que el hecho de llevar un nombre, el nombre que tu quieres llevar y que la gente te llame por tu nombre, no está ya dado. Es un acto de reconocimiento y un cuidado político extraordinario. Es un acto poético que nadie te puede quitar, es un momento maravilloso. Qué cuando atravieses una frontera te digan: pase. Pero eso no está dado, sucede por una serie de convenciones y porque alguien te respete y te considere un sujeto político. Quería imaginar otro mundo colectivamente y decir a la gente que nuestra forma de vida está mejor porque se vive mejor en un mundo sin violencia que con violencia, redistribuyendo el poder que en una sociedad jerárquica; se vive mejor poéticamente que bajo la ley. No creo que nadie se pueda negar a eso.

Texto por Juan Arteaga Villar. Festival de San Sebastián 2023

*Entrevista publicada originalmente en la web El Contraplano el 28 de septiembre de 2023

(Partial) Top Berlin International Film Festival & European Film Market

Sin orden de preferencia / In no order of preference

 

Mi vacío y yo / My Emptiness and I. Adrián Silvestre

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Lo que hacen Adrián Silvestre y Raphaëlle Pérez es maravilloso y muy valioso. Una película tan profunda y valiente como fácil de ver y empatizar. Raphaëlle hace una inmersión en sí misma que muy pocas veces se ven el cine de esta forma tan sincera. Entre la realidad, la ficción y el testimonio personal, las posibles limitaciones  narrativas de la película también son su virtud.

What Adrián Silvestre and Raphaëlle Pérez do is wonderful and very valuable. A film as deep and brave as it is easy to watch and empathize with. Raphaëlle makes an immersion in herself that is rarely seen in cinema in such a sincere way. Between reality, fiction and personal testimony, the possible limitations of the film are also its virtue.

Un été comme ça / That kind of summer. Denis Côté

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El director canadiense Denis Côté sigue el recorrido emocional de tres mujeres que intentan curar sus heridas personales y sexuales durante un mes de verano en una casa de reposo en el campo. Una interesante y sólida  película sobre los diferentes aspectos de la sexualidad femenina sin obviar aspectos provocadores pero que finalmente se conforma un relato emotivo y bastante austero en su forma.

Canadian director Denis Côté follows the emotional journey of three women who try to heal their personal and sexual wounds during a summer month in a rest home in the countryside. An interesting and solid film about the different aspects of female sexuality without omitting provocative aspects, but which in the end forms an emotional and rather austere story.

Cinco lobitos / Lullaby. Alauda Ruiz de Azúa

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La primera película de la directora Alauda Ruiz de Azúa es un bellísimo ejercicio sobre la maternidad vista desde una doble perspectiva, como madre y como hija, sin obviar los aspectos más positivos y conflictivos de ambos roles. Es también un trabajo sobre los diferentes roles de las mujeres madres en dos generaciones diferentes y los desafíos que enfrentan en épocas tan distintas. Además, es un gran trabajo sobre la familia desde un punto de vista femenino.  Bajo una parente sencillez, muy basada en los detalles, destaca el trabajo admirable de dos grandes actrices como son Laia Costa y Susi Sánchez, que dotan de sinceridad a sus papeles, sin olvidar a Ramón Barea.

Director Alauda Ruiz de Azúa’s first film is a beautiful exercise on motherhood seen from a double perspective, as a mother and as a daughter, without ignoring the most positive and conflictive aspects of both roles. It is also a work about the different roles of women mothers in two different generations and the challenges they face in such different times. A simple film, very much based on details, it is supported by the admirable work of two great actresses, Laia Costa and Susi Sánchez, who give truth to their roles.

Klondike / Klondike. Maryna Er Gorbach

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Presentada en el Festival de Sundance, Klondike es una película premonitoria por estrenarse pocos días antes en la Berlinale pocos días antes de la invasión de Ucrania por Putin. Es también un viaje a los origenes del conflicto con un hecho que ahora puede resultar casi mínimo (el derribo de una avión de Malasian Airlines) por medio de un dispositivio audiovisual tan brillante como desgarrador y dramático, con aspectos que rayan en el surrealismo y el absurdo.

Presented at the Sundance Film Festival 2022, Klondike is a premonitory film, premiering a few days before Putin’s invasion of Ukraine at the Berlinale. It is also a journey to the origins of the conflict with an event that may now seem almost minimal (the shooting down of a Malaysian Airlines plane) through an audiovisual device as brilliant as it is heartbreaking and dramatic, with aspects bordering on surrealism and absurdity.

Alcarràs / Alcarràs. Carla Simón

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Ganadora del Oso de Oro, la segunda película de la catalana Carla Simón es más compleja y ambiciosa narrativamente y requiere una implicación más activa del espectactador. Asistimos a una elegía sobre la desaparición de una forma de vida en el campo y la agricultura tradicional narrada con sinceridad, precisión y minuciosidad a través de un grupo increíble de actores no profesionales, logrando un bellísimo fresco familiar crepuscular. Como en Verano 1993, Simón refleja con especial maestría los ritos y juegos de la infancia, característica que se ha convertido en una de las marcas reconocibles de su forma de hacer cine.

Winner of the Golden Bear, the second film by the Catalan director Carla Simón is more complex and ambitious narratively and requires a more active involvement of the viewer. We witness an elegy on the disappearance of a way of life in the countryside and traditional agriculture narrated with sincerity, precision and thoroughness through an incredible group of non-professional actors, achieving a beautiful twilight family fresco. As in Verano 1993, Simón reflects with special mastery the rites and games of childhood, a characteristic that has become one of the recognisable marks of his filmmaking.

Mutzenbacher / Mutzenbacher. Ruth Beckermann

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La nueva película de Ruth Beckermann toma como punto de partida la novela del mismo título Josefine Mutzenbacher o la historia de una prostituta vienesa contada por sí misma, publicadada anonimamente en Viena en 1906. Prohibida durante décadas, fue leída clandestinamente por diferentes generaciones, y solo muy recientemente, se ha atribuido la autoría de la novela a Félix Salten, autor de Bambi. La originalidad de la película de Beckermann consiste en reunir a 100 hombres de diferentes generaciones para que lean diferentes pasajes de la novela en un sofá siguiendo las indicaciones de la directora. El resultado produce una nueva “lectura” de la novela desde un nuevo punto de vista debido a las diferentes reacciones y pensamientos que origina la lectura o representación en sus protagonistas sin que en ningún momento la directora ridiculice a los entrevistados.

Ruth Beckermann’s new film takes as its starting point the novel of the same title, Josefine Mutzenbacher or the story of a Viennese prostitute told by herself, published anonymously in Vienna in 1906. Banned for decades, it was read clandestinely by different generations, and only very recently has the novel’s authorship been attributed to Felix Salten, author of Bambi. The originality of Beckermann’s film consists in bringing together 100 men from different generations to read different passages from the novel on a sofa, following the director’s instructions. The result is a new “reading” of the novel from a new point of view due to the different reactions and thoughts that the reading or representation causes in its protagonists, without the director ever ridiculing the interviewees.

Afterwater / Afterwater. Dane Komljen

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Fascinante película que nos lleva a terrenos estéticos diferentes con una premisa argumental basada en los lagos. La segunda película de su director tras All the cities of the north (2016), se basa en textos del estudioso de los lagos Georges Evelyn Hutchinson. Consta de tres partes que parecen representar diferentes estados del tiempo. Cada fragmento se acompaña por la lectura de diferentes textos. En la primera parte se leen pasajes de la obra de Hutchinson y Wislawa Szymborska. En la segunda parte nos encontramos con el lago de Sanabria, en Zamora, y con Miguel de Unamuno y un texto de su conocida novela San Manuel Bueno Martir, mientras que la última parte es la más experimental. Toda la película está atravesada de fluided, sensualidad y fisicidad de los cuerpos que parece transmitir la necesidad de comunicación con la naturaleza.


Fascinating film that takes us to different aesthetic terrains with a plot premise based on lakes. The director’s second film after All the cities of the north (2016), it is based on texts by lake scholar Georges Evelyn Hutchinson. It consists of three parts that seem to represent different states of time. Each fragment is accompanied by the reading of different texts. In the first part, passages from the work of Hutchinson and Wislawa Szymborska are read. In the second part we meet the lake of Sanabria, in Zamora, and Miguel de Unamuno and a text from his well-known novel San Manuel Bueno Martir, while the last part is the most experimental. The whole film is full of fluidity, sensuality and physicality of the bodies, which seems to transmit the need to communicate with nature.

Cerdita / Piggy. Carlota Pereda

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Traslación a largometraje de su conocido corto Cerdita (2018) con el que consiguió premios en todo el mundo. Parte de idéntica trama argumental para ir expandiendo la historia y lograr una película completamente diferente. Ambientada en Extremadura durante un tórrido verano, se inicia bajo los parámetros de cierto costumbrismo muy reconocible -esto lo entronca con Destello Bravío) para ir derivando progresivamente  hacia una película de género que la relaciona con Crudo, de Julia Ducournau. Las dos tienen en común algunos elementos -las protagonistas son adolescentes- aunque en el caso de Cerdita, la directora busca una empatía con la protagonista mucho más clara que en la película francesa. En cualquier caso, Cerdita es la demostración de las capacidades de su directora por su gran ejercicio de dirección.

Translation to feature film of his well-known short Cerdita (2018) with which he won awards all over the world. It starts with the same plot to expand the story and achieve a completely different film. Set in Extremadura during a torrid summer, it begins under the parameters of a certain very recognisable costumbrismo (this connects it with Destello Bravío) to progressively drift towards a genre film that relates it to Crudo, by Julia Ducournau. The two have some elements in common – the protagonists are teenagers – although in the case of Cerdita, the director seeks a much clearer empathy with the protagonist than in the French film. In any case, Cerdita is a demonstration of its director’s abilities through her great directing exercise.

Dreaming walls. Maya Duverdier & Amelie van Elmbt

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Documental sobre el mítico Chelsea Hotel de Nueva York, lugar por el que pasó y habitó gran parte de las figuras de la cultura más vanguardistas del pasado siglo XX. Como revisitación de un lugar “sagrado”, la película es un ejercicio de nostalgia poblado por la impresionante galería de fantasmas ilustres que se alojaron en sus habitaciones. Pero al mismo tiempo es también una película que refleja la evolución de la ciudad, convertida en un paradigma neoliberal ya que el hotel está siendo renovado como hotel de lujo, nada que ver con lo que lo hizo célebre.

Documentary about the mythical Chelsea Hotel in New York, a place where many of the most avant-garde cultural figures of the 20th century stayed and lived. As a revisiting of a “sacred” place, the film is an exercise in nostalgia populated by the impressive gallery of illustrious ghosts who stayed in its rooms. But at the same time it is also a film that reflects the evolution of the city, converted into a neoliberal paradigm as the hotel is being renovated as a luxury hotel, nothing like what made it famous.

Alis / Alis. Clare Weiskopf & Nicolas van Hemelryck

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Alis es una figura imaginaria que sirve a doce chicas de la calle que viven internas en el hogar La Arcadia, en Bogotá, para ir desgranando sus vivencias, traumas y también sus esperanzas futuras. Lo principal en esta película es como un espacio cerrado se ha convertido en un lugar de especial confianza para quienes lo habitan donde no hay lugar a discriminaciones de ningún tipo. Con un dispositivo muy sencillo, los directores logran conformar un retrato coral de estas doce chicas que anhelan un futuro de superación y esperanza.

Alis is an imaginary figure who serves twelve street girls who live in the La Arcadia home in Bogotá, in order to unravel their experiences, traumas and also their hopes for the future. The main thing in this film is how a closed space has become a place of special trust for those who live there, where there is no room for discrimination of any kind. With a very simple device, the directors manage to create a choral portrait of these twelve girls who yearn for a future of self-improvement and hope.

 

Mi (muy) parcial Festival Internacional de San Sebastián 2021

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Si el año pasado el equipo directivo del Festival, encabezado por José Luis Rebordinos, fue capaz de sacar adelante contra viento y pandemia pero con enorme brillantez la edición del certamen, algo que fue celebrado y reconocido por todos los medios, este año la perspectiva era mucho mejor al no estar tan condicionado por las medidas anti covid. Con todo, el aforo de las proyecciones siguió reducido a la mitad además de otras medidas ya comunes a los eventos culturales. Si el año pasado San Sebastián fue uno de los beneficiados de la no celebración del Festival de Cannes al acoger a numerosas películas de alta calidad destinadas en principio a participar en el certamen francés conformando una selección de gran nivel, este año tenía el reto de conformar una sección a competición que fuera los suficiemente interesante para atraer la atención mediática y cinéfila. Si bien el nivel de la Sección Oficial no fue igualado ha contado con numerosas películas de gran calidad e interés y autores de prestigio como Terence Davies, Zhang Yimou, Claudia Llosa, Laurent Cantet, Claire Simon o Jonás Trueba. También ha servido de plataforma de lanzamiento para nuevas directoras como la danesa Tea Lindeburg o la rumana Alina Grigore, que fue la ganadora de la Concha de Oro. El jurado, comandado por Dea Kulumbegashvili -ganadora del año pasado, concedió la mayoría de premios al cine dirigido por mujeres, reconociendo por fin la calidad y la audacia creativa tantas veces negada a las mujeres.

Algunas películas que pude ver fueron:

THE POWER OF THE DOG. Jane Campion

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Recién llegada de la Mostra de Venecia con el premio a la mejor dirección para Jane Campion, The Power of the Dog es una obra brillante y poderosa que supone la vuelta al cine de su directora después de doce años. Basada en la obra del mismo título que el escritor Thomas Savage publicó en 1967, Campion realiza un minucioso estudio psicológico de los personajes para contar una historia sobre la identidad negada y las consecuencias derivadas de la masculinidad tóxica y los deseos reprimidos. Una de las principales cualidades por las que esta película marca un hito es el uso de los códigos del western desde una visión totalmente nueva y, como Kelly Reichardt en Meek’s Cutoff, llevan el western a lugares que nunca nos contaron antes pero que siempre estuvieron.

La película pivota sobre varios elementos, todos brillantes. La interpretaciones de los cuatro actores principales, con Benedict Cumberbacht a la cabeza encarnando un complejísimo papel con un gran arco de registros.  Casi a la misma altura interpretativa, Kodi Smith-McPhee, Kirsten Dunst y Jesse Plemons, junto a la fotografía de Ari Wegner y la sobresaliente banda sonora de Jonny Greenwood, logran conformar una extraordinaria pieza de cámara no exenta de momento sombriamente majestuosos enmarcados por los grandes paisajes de Nueva Zelanda donde se ha rodado la película. PERLAS

ARTHUR RAMBO. Laurent Cantet

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Después de la magnífica El Taller de Escritura (2017), Laurent Cantet vuelve con una película donde analiza uno de los aspectos más presentes en nuestras sociedades como es la influencia y las consecuencias de las redes sociales en nuestras vidas. Protagonizada por el ascendente Rabah Nait Oufella, que encarna a un escritor que pasa de la noche a la mañana de ser aclamado a ser despellejado en la redes sociales, la película tiene un interesante guion que parte de una premisa inicial bien llevada por Cantet aunque el conjunto final deja la sensación de que podía haber llegado a cotas mayores. Con todo, es hasta el momento de las mejores plasmaciones vistas en una pantalla sobre las diferentes vertienes y distorsiones  de las redes sociales y la dependencia de ellas de buena parte de la sociedad. SECCIÓN OFICIAL

 

BENEDICTION. Terence Davis

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Regreso de Terence Davies, uno de los directores más queridos por el certamen, al Festival de San Sebastián tras participar dos veces en la Sección Oficial y una en Zabaltegi, además de la retrospectiva de su obra en 2008. En esta ocasión lo hace con una nueva biografía de una figura histórica que desafió las convenciones políticas, morales  y sexuales de la sociedad de su tiempo como es el poeta Siegfried Sassoon, quien tras participar y ser condecorado por su participación en la I Guerra Mundial se enfrentó al estamento militar al declararse pacifista al mismo tiempo que profundiza en su orientación homosexual. Fiel a la elegancia y exquisitez en la puesta en escena, marca tradicional del director, Davies plantea una película ambiciosa en la descripción tanto de la evolución vital del personaje interpretado por Jack Lowden al tiempo que describe meticulosamente el ambiente social en el que se desarrolló la vida del poeta. En las películas de Davies simpre hay una melancolía y un dolor subyaciente que también está presente de manera muy elocuente en Benediction logrando una película a ratos sublime y en otras demasiado clásica para los parámetros actuales. SECCIÓN OFICIAL

AS IN HEAVEN. Tea Lindeburg

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La primera película, es tambián directora de series de televisión, realizada por la danesa Tea Lindeburg es una de las apuestas fuertes del Festival para esta edición del certamen. En As In Heaven, Lindeburg nos traslada a la Dinamarca rural de finales del siglo XIX para contarnos una historia sobre como las tradiciones religiosas y heteropatriarcales marcan el destino vital de una joven de 14 años que sueña con horizonte personal independiente y luminoso. Basada en una novela de Marie Bregendahl, los puntos fuertes son el extraordianario trabajo interpretativo de la joven actriz Flora Ofelia Hofman Lindahl, la fotografía de Marcel Zyskind y una dirección en la que Lindenburg demuestra una gran madurez y seguridad. SECCIÓN OFICIAL

QUIÉN LO IMPIDE. Jonás Trueba

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La nueva película de Jonás Trueba es un impresionante y deslumbrante fresco que retrata a lo largo de tres horas y cuarenta minutos a la juventud española en este momento histórico. Rodada en diferentes formatos, tal y como mandan los tiempos y las circunstancias de la pandemia, por sus realistas imagenes transita una generación de jovenes que no hace participe de toda la escala de sentimientos, sensaciones, ingenuidades y responsabilidades; anhelos y ansiedades comunes a cualquier generación que empieza a enfrentarse al descubrimiento de la vida adulta. Con un tono de marcada nostalgia, en el mejor sentido de la palabra, Quién lo impide está llamada a ser una obra referencial dentro de la historia del cine español por portar en sus imágenes tanta verdad como belleza. SECCIÓN OFICIAL

 

VOUS NE DÉSIREZ QUE MOI. Claire Simon

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Una de las películas más interesantes y arriesgadas de todo el festival ha venido de la mano de la conocida directora de no ficción francesa Claire Simon. En este caso toma la ya conocida entrevista que Yann Andréa concedió en 1992 a la periodista Michèle Monceaux donde describe la inusual y tormentosa relación con una figura del calibre de Marguire Duras que únicamente se hizo pública tras la muerte de los dos protagonistas. Fiel al texto original y a la situación que se vivió realmente, Simon disecciona en una pieza de cámara la verdadera naturaleza de esa relación de carácter dependiente que asombró a la escena cultural francesa y europea por las especiales características de sus protagonistas. Con apenas tres actores, destacando el sobresaliente trabajo de Swann Arlaud encarnando los abismos vividos por el personaje real, y en contraposición vital, el papel de la periodista interpretado por la siempre brillante Emmanuelle Devos, Simon nos sumerge a través de un formato de entrevista en una relación a menudo tiránica y cruel solo interrumpida por pequeños insertos animados que metaforizan las relaciones sexuales de los protagonistas. SECCIÓN OFICIAL

 

LA HIJA. Manuel Martín Cuenca

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La hija es un poderoso y brillante ejercicio de estilo donde su director, Manuel Martín Cuenca, hace un despliegue impresionante de todas sus capacidades para llevar a buen término una historia tan fascinante como imposible de creer en algunas de sus giros de guion. Como tema plantea la posibilidad/imposibilidad de ser madre vista desde su ángulo más perverso y cruel y lo articula a través de un poderoso y subyugante thriller, a veces también puro cine de terror, que mantiene enganchado al espectador hasta el final mismo de la proyección. Como espacio de desarrollo de esta esta axfisiante historia están los impresionantes y bellísimos paisajes naturales de las Sierras de Cazorla y Segura en Jaén, que se convierten en un personaje más de la película gracias al gran trabajo en la fotografía de Marc Gómez del Moral. Una propuesta tan arriesgada debe contar también con actores tan brillantes como lo que se quiere contar y en este caso todos, con Javier Gutierrez y Patricia López Arnaiz a la cabeza, e incluida la debutante Irene Virgüez, realizan magníficos trabajos. Destacar también la primera banda sonora compuesta por el grupo Vetusta Morla. SECCIÓN OFICIAL

 

ENQUÊTE SUR UN SCANDALE D’ETAT. Thierry de Peretti

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 Dirigida por el francés Thierry de Peretti, la película es un intento de armar una película comercial en forma de thriller pero que al mismo tiempo contenta los suficientes elementos persuasivos para convencer a diferentes tipos de públicos. Basada en una investigación real hecha por el diario Liberation, estos elementos persuasivos consisten en la introducción de temas que lo acercan al cine de denuncia política o el papel de la prensa en la vigilancia de los excesos  y corrupciones de los Estados democráticos. A priori, la propuesta es persuasiva pero no termina de convencer en ninguno de sus aspectos. Tampoco se luce la habitualmente brillante Clarie Mathon en la dirección de fotografía. SECCIÓN OFICIAL

ELES TRANSPORTAN A MORTE. Helena Girón, Samuel S. Delgado

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Vista en la Semana Internacional de la Crítica de la Mostra veneciana, la película trata de contar la historia desde otros puntos de vista y sensibilidades al margen de lo oficial desde un dispositivo audiovisual que auna tanto lo narrativo como el tratamiento experimental de las imágenes. El resultado es una película de gran interés ya que logra plantear nuevas visiones y acercamientos que desmitifican el colonialismo, en este caso de la conquista de América, y a la microhistoria anónima, aspectos que se ocultan en las visiones oficiales pero que son determinantes en las nuevas lecturas de la Historia. ZABALTEGI-TABAKALERA

HANYEO. Kim Ki-young

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Consideradada por la crítica más prestigiosa como uno de los grandes clásicos del cine surcoreano, para quien no la conoce Hanyeo asombra por la radical modernidad tanto de los temas que plantea como del tramiento que el director Kim Ki-youg da a temas como la infidelidad, los celos, la ambición social o el aborto. Rodada en 1960, la película nos cuenta la historia de una familia de clase media que aspira a un bienestar económico que ve trastocados sus planes al ser contratada una criada que progresivamente va trastocando el orden establecido. Comparada con el cine de Buñuel, es una de las películas que ha influenciado a Bong Joon-ho para realizar Parasite y su plasmación de las diferencias de clase. LA EDAD DE ORO DEL CINE COREANO

 

É STATA LA MANO DI DIO. Paolo Sorrentino

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Tras Loro y la serie The New Pope, Sorrentino vuelve a su Nápoles natal para contar una historia autobiográfica de carácter iniciático. El cine de Sorrentino se caracteriza por un poderoso y específico sentido visual creando imagenes tan emblemáticas como insustanciales y gratuitas en muchas ocasiones. En È stata la mano di Dio abandona la parafernalia audiovisual acostumbrada para depurarla y contarnos episodios iniciáticos de su vida que finalmente lo conviertieron en director de cine. Deudor, siempre, del cine de Fellini -que se percibe claramente en la primera parte de la película-, adopta un tono sencillo e intimista. El resultado es su película más accesible y seguramente otro gran éxito que se podrá ver en Netlix. PERLAS

MASS. Fran Kranz

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Si algo es Mass es la constatación del increíble talento de su director y guionista Fran Kranz. Presentada en el Festival de Sundance, Mass gira en torno a la reunión que mantienen cuatro personajes alrededor de una mesa donde van a explorar e intentar sanar las terribles consecuencias que tuvo para sus vidas de un hecho violento protagonizado por el hijo de una de las parejas. Uno de sus logros, que consigue mantener alerta la atención del espectador, es la gradación de la información que recibe el espectador que va descubriendo progresivamente los hechos que han provocado la reunión. Así, durante dos horas asistimos a un recital interpretativo extraordiario de los cuatro actores que se sumergen, y también los espectadores, en el dolor más profundo pero también en la esperanza y el perdón. Desde el punto de vista cinematográfico Kranz demuestra hasta donde se puede llegar un una gran historia y cuatro enormes actores. NEW DIRECTORS

 MAROCCO/MIKADO. Emanuel Pârvu

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Segunda película dirigida por el también director de teatro y actor en obras de Cristian Mungiu o Constatin Popescu Emanuel Pârvu. La premisa del film parte de como un simple y anedóctico hecho como es el regalo de un brazalete por un padre a su hija por su cumpleaños puede desarrollar una cadena de acontecimientos que acaban trastocando la vida de los protagonistas. Fiel a una de las características de los cineastas de la Nueva Ola Rumana como es la disección lo más realista posible de la sociedad rumana, Pârvu consigue una obra de gran madurez y solidez cinematográfica desprovista de cualquier artificio donde el único elemento que desentona es el final elegido para finalizar la historia. Bajo este estilo realista el director consigue elaborar un tratado donde la culpa, la responsaibilad y las consecuencias de nuestros actos se ponen de frente al espectador y lo interrogan. NEW DIRECTORS

TOP TEN BERLINALE 2021

1

Wheel of Fortune and Fantasy (Gūzen to Sōzō). Ryûsuke Hamaguchi

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2

Petite Maman. Céline Sciamma

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3

What do we see when we look at the sky?. Alekzandre Koberidze

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4

Mr. Bachmann and his class. Maria Speth

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5

Una película de policías. Alfonso Ruizpalacios

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6

Mbah Jhiwo. Álvaro Gurrea

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7

Natural Light. Dénes Nagy

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8

From where they stood. Christophe Cognet

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9

Come here. Anocha Suwichakornpong

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10

Nous. Alice Diop

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Mi (muy) parcial Festival de San Sebastián 2019

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Si la 66ª edición del Festival de San Sebastián se caracterizó por un crisis de crecimiento del certámen que pareció pillar desprevenidos a sus organizadores pero que afectó sobre todo al desempeño del trabajo de la prensa acreditada, con el consiguiente aluvión de críticas negativas a la organización, la edición de 2019 del Zinemaldi se ha desarrollado con comodidad inesperada para los profesionales de la información en eventos de este calibre, fruto de las inteligentes medidas introducidas por el equipo de José Luis Rebordinos.

Siempre que se hace una valoración de una edición del Zinemaldi hay que resaltar la especial posición que ocupa el certámen vasco dentro del complejísimo panorama de los festivales internacionales de cine. Si por un lado ha jugado ser un escaparate del cine latino sin conseguirlo realmente del todo, en los últimos años se ha conformado como el festival resumen del año, el festival al que hay que ir si realmente se quiere tener una visión de lo más destacado del año audiovisual si no se puede acudir a los grandes festivales históricos de Berlín, Cannes, Locarno o Venecia, que junto a Toronto y en menor medida, Sundance, marcan la evolución del cine cada año.

Con este rol asumido cada vez con más claridad, el equipo del Zinemaldi consigue armar cada año un evento que satisface diferentes intereses que van desde la promoción de la propia ciudad, los intereses del público generalista, los del cine español, los de la industria (sobre todo latinoamericana), los de la prensa especializada y la no especializada, de distribuidoras y exhibidores, todo sin perder de vista su carácter de evento competitivo e internacional y su función de plataforma para el descubrimiento de nuevos talentos.

Con este modelo de festival que parece funcionar, aunque no sabemos por cuanto tiempo dentro del competitivo y cambiante mundo de los festivales de cine, la sección Perlas/Perlak se configura como la más mediática, seguida y disputada del certámen. En esta edición se ha programado un buen número de las películas que probablemente van copar la temporada de premios a nivel internacional. De Berlín se ha podido ver el magnífico y conmovedor drama chino So Long, My Son (Wang Xiaoshuai), Amazing Grace, el documental sobre el concierto de Aretha Franklin donde grabó su álbum más vendido. De Cannes ha llegado la mayoría de títulos de la sección con Parasite (Bong Joon-ho), la bomba coreana ganadora de la Palma de Oro en la edición de este año, a la cabeza. También se han visto la magnífica y exquisita Portrait del jeune fille en feu (Céline Sciamma), Beanpole (Kantemir Balagov), la nueva joya del gallego Oliver Laxe y también premiada en Un Certain Regard O Que Arde; Les Miserables, de Ladj Ly o The Lighthouse, la nueva película de Robert Eggers. Desde la reciente Mostra se ha podido ver La Verité, la aventura francesa del siempre querido en Donosti Hirokazu Koreeda; la incendiaria Ema, del chileno Pablo Larraín o The Laundromat, la visión de Steven Soderbergh del escándalo de los papeles de Panamá.

En las últimas ediciones, New Directors es una sección que está aumentado su interés y prestigio por el buen ojo y selección de los programadores del Festival y al que la prensa especializada debería prestar mucha más atención. Si el año pasado nos descubrió al japonés Hiroshi Okuyama, autor de Boku wa Iesu-sama ga kirai/Jesus o a Celia Rico con Viaje al Cuarto de una Madre, en la última edición reconoció el trabajo del chileno Jorge Riquelme Serrano, director de Algunas Bestias,  que para una parte de la prensa ha sido una de las películas más interesantes de todo el festival. También han destacado La Inocencia, primera película de Lucía Alemany, graduada de la Escac, así como Las letras de Jordi, ópera prima de Maider Fernández.

Como consecuencia del peculiar lugar que ocupa el Zinemaldi en el panorama de festivales competitivos, la Sección Oficial puede oscilar según los años en un escaparate interesante o una selección de menos nivel, cosa que ha ocurrido en la última edición. Hay que añadir que el jurado presidido por el realizador irlandés Neil Jordan no ha destacado por la audacia y sagacidad de sus elecciones para el palmarés, retomando una tradición de fallos garrafales de los jurados de San Sebastián que han lastrado históricamente una lista de películas ganadoras que podía ser impresionante. Concentró en pocas películas los siete premios posibles de la Sección Oficial, teniendo en cuenta que el premio de mejor actriz fue exaequo para Nina Hoss (The Audition) y Greta Fernández (La hija de un ladrón).  Concedió la Concha de Oro a la brasileña Pacificado, dirigida por el norteamericano Paxton Winters, y dos premios más – el premio al mejor actor y a la mejor fotografía-, un reconocimiento excesivo para una película que no contaba en las quinielas. La otra película que sale victoriosa de su paso por San Sebastián es La Trinchera Infinita, obra a seis manos por los locales Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, que recibió los premios a la mejor dirección y al mejor guion, y máxima favorita al triunfo final para buena parte de la prensa y desde luego para el público de San Sebastián.

La pasada edición no será especialmente recordada. Más bien supone un festival de transición y menos brillante que otros anteriores. El Zinemaldi reafirma su modelo con un respaldo masivo de un público que adora el festival y lo siente como suyo. Eso está muy bien pero desde otro punto de vista y si no quiere perder definitivamente sus opciones, el certámen deberá introducir cambios y abrirse a miradas renovadoras y sobre todo echar el resto en el competitivo mundo de los festivales de cine para conseguir películas que realmente dejen huella y merezcan el viaje a San Sebastián.

Algunas de las películas que pude ver y que más me interesaron fueron:

THE AUDITION. Ina Weisse

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La segunda película de la alemana Ina Weisse se construye en torno al portentoso trabajo interpretativo de Nina Hoss y en un principio remite al mundo de Haneke y La Pianista entre sus referencias más evidentes aunque de forma inteligente evita sumergirse por completo en los infiernos del director austriaco conformando un sobrio, preciso e inquiente retrato de la obsesion de una profesora de violín con su alumno en la búsqueda de la perfección artística. En el reflejo de su anhelo vital, la película se detiene especialmente en mostar el universo personal que rodea a la protagonista, buscando por un lado encontrar explicaciones a su comportamiento y por otro mostrar como el obsesivo afán de perfección tiene consecuencias terribles para quienes la rodean aunque evita en todo momento juicios morales. Para equilibrar las turbulencias de este viaje al fondo de la psique, Weisse recurre a magnífica interpretaciones de obras de Bach, que actúan  como contrapunto para evidencia que la belleza y la perfección artística se pueden alcanzar por otros medios. Sección Oficial

LA TRINCHERA INFINITA. Aitor Arregui, Jon Garaño, José Mari Goenaga

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Dirigida a seis manos por los donostiarras Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, La Trinchera Infinita es su película más ambiciosa hasta ahora y nada mas proyectarse en el Zinemaldi escaló a favorita de parte de la prensa y del público al triunfo final. Inspirada por  el libro Los Topos, escrito por Manu Leguineche y Jesús Torbado en 1977, y los innumerables casos que se dieron durante la Guerra Civil y la dictadura franquista de personas que vivieron escondidas durante décadas por miedo a las represalias, la película adopta en todo momento el punto de vista de estas personas. Esta orignalidad constituye un reto narrativo y audiovisual considerable si tenemos en cuenta que la película dura dos horas y media. El resultado es una primera hora que vuelta a gran altura desde todos los puntos de análisis pero que va perdiendo fuerza e interés a medida que la película avanza. Al inicio, los tres directores sumergen al espectador directamente en el horror que viven los personajes logrando una profundidad psicológica y sensorial increíble. El punto de inflexión lo marca el desarrollo narrativo de la historia, con decisiones de guion claramente erradas y altamente improbables que pudieran darse en la época. Desaparecido el estudio psicológico de los magníficos protagonistas, la película deriva en una edulcoración de la narración que tal vez permita respirar al espectador y hacerla más comercial pero le hace perder interés. Sección Oficial

MIENTRAS DURA LA GUERRA. Alejandro Amenábar

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Segunda película a concurso con la Guerra Civil como elemento protagonista y primera vez de Amenábar a competición en San Sebastián. Tras la fracasada Regression, presentada fuera de concurso hace cuatro años, nadie podía imaginar que Amenábar eligiera la compleja figura del intelectual Miguel de Unamuno en los inicios de la Guerra Civil como elemento protagonista de su siguiente película. Asumida la sorpresa inicial quedaba despejar la expectación generada por una propuesta en principio tan alejada de los temas tratados por Amenábar en sus anteriores trabajos. Con una puesta en escena magnífica -marca de la casa por otra parte-, y una interpretación de altura por parte de Karra Elejalde, la tesis de la película navega entre una equidistancia ideológica, que se aleja de buena parte de la filmografía del cine español sobre el tema, y un didactismo más propio de una clase de la ESO, tal vez con el objetivo de que sea entendida en el mercado internacional ya que remarca innecesariamente hechos históricos básicos conocidos por toda la sociedad. Desde el punto de vista cinematográfico contiene momentos brilllantes, -la escena del discurso de la famosa frase de “vencéreis pero no convenceréis” en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca-, y otras claramente sonrojantes como son los subrayados emotivos buscando una fácil identificación emocional del espectador. Sección Oficial

VENDRÁ LA MUERTE Y TENDRÁ TUS OJOS. José Luis Torres Leiva

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Primera participación a competición del cineasta chileno José Luis Torres Leiva, muy vinculado a la ciudad por haber colaborado con Tabakalera y haber prsentado sus obras anteriores en secciones del festival como Zabaltegi, donde hace tres años se pudo ver El viento sabe que vuelvo a casa y el corto El vuelo de Ana. Su nuevo trabajo toma el título de un poema del mismo nombre de Cesare Pavese que escribió antes de suicidarse. Con esta premisa, Torres Leiva aborda los últimos días de una pareja enamorada acosada por una enfermedad terminal de una de ellas que toma de decisión de no tratarse. Aceptado el planteamiento tan arriesgado, Torres Leiva nos muestra un poema visual elegíaco llevado casi al límite de la sublimación mediante las historias paralelas que cuenta pero donde no falta la ironía ni el elogio de la vitalidad en una película donde resuenan ecos del cine de Apichatpong Weerasetakhul. Película arriesgada y diferente auque que no termina de funcionar en todas sus aristas pero a tener en cuenta por aparterse totalmente de los lugares comunes. Sección Oficial

TEMBLORES. Jayro Bustamante

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La película del guatemalteco Jayro Bustamante es un profundo, meticuloso y detallado retrado de como el fanatismo e irracionalidad de las sectas, tan presentes entre las clases altas de muchas sociedades latinoamericanas, pueden condicionar y determinar la vida de una persona sino también tener consecuencias desastrosas para toda la sociedad. Para este preciso retrato, Temblores se sirve de la relación que establece Pablo, mienbro de la alta sociedad del país, con Javier, gay declarado, con el que inicia una nueva vida dejando atrás a su familia, que toma la determinación de “recuperar” y “curar” para una vida “normalizada a Javier utilizando para ello toda clase de manipulaciones y estragemas. Demoledor retrato de una sociedad condicionada por el fanatismo y la intoleracia. Como dispositivo formal, Bustamante pone especial énfasis en el uso de diferentes texturas y sonoridades, enriqueciendo la película hasta hacer de ella una verdadera experiencia. A destacar el gran trabajo interpretativo de los actores, en especial de su protagonista, Juan Pablo Olyslager, y de las actrices Sabrina de la Hoz y Diane Bathen. Horizontes Latinos

MONOS. Alejandro Landes

Captura de pantalla 2020-02-12 a la(s) 20.14.46La nueva película del colombiano Alejandro Landes, que ganó el Premio Especial del Jurado en Sundance, tiene su centro de gravedad en la gran potencia visual de sus imágenes. Ambientada en lo más profundo de la selva colombiana, Landes genera un dispositivo audiovisual imponente que subyuga e impresiona todo el tiempo la mirada absorta del espectador para retratar la vida de un grupo de guerrilleros jóvenes que al final son dominados por la fuerza y el misterio de la naturaleza más salvaje. Es una narración donde lo etnográfico tiene una presencia constante, se articula en un mix entre el clásico de William Golding, El Señor de las Moscas, el viaje a las tinieblas de Apocalypse Now y desde una vertiente política, la presencia de la guerrilla de las FARC en la vida colombiana. Horizontes Latinos

EMA. Pablo Larraín

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Recién llegada desde la Mostra veneciana donde ha sido uno de las películas más comentadas, el siempre interesante Pablo Larraín , autor de NO, El Club o Jackie, vuelve con espíritu disruptivo e incendiario. Ema trasciende el retrato generacional de la juventud chilena contemporánea para retratar un malestar que afecta a una gran parte de las capas sociales a ritmo de reggeaton, del que hace una elogiosa defensa como música y estética con implicaciones políticas. A destacar sin duda el enorme trabajo de Mariana di Girolamo, una especie de ángel caído que al igual que Terence Stamp en la muy profética Teorema (1968) de Pasolini, desestabiliza todas las convenciones sociales allá por donde pasa para alumbrar un nuevo orden social más donde las caducas convenciones no tienen lugar ni sirven para nada.  Y al igual que hizo Almodóvar hace más de veinte años en Todo sobre mi madre, Larraín crea una ficción, aunque tal vez se esté ya produciendo, donde sus personajes tienen el poder inmenso de articular su existencia de una manera más libre. Perlas/Perlak

HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO. Wang Xiaoshuai

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El director chino Wang Xiaoshuai, conocido en occidente a partir de La bicicleta de Pekín (2001), recaló este año en la sección oficial de la Berlinale con este drama-río de tres horas de duración donde ajusta cuentas con la imposición de la política de hijo único del régimen chino, que marcó dramaticamente la vida de varias generaciones en el gigante asiático desde los albores de la Revolución Cultural hasta el año 2015. La historia, contada a través de las visicitudes que vive un un matrimonio durante tres décadas, está narrada de forma clásica aunque evidencia una gran complejidad por la cantidad de saltos en el tiempo  y elipsis que contiene. Descansa, sobre todo, en una pareja de actores inconmensurables, -Yong Mei y Wang Yingchiun-, que realizan un trabajo prodigioso por el que recibieron el premio de interpretación en el Festival de Berlín. Tan bella como triste, Wang Xiaoshuai ha realizado una película produndamente humana que permanecerá en la memoria. Perlas/Perlak

SESTRA. Svetla Tsotsorkova

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La búlgara Svetlana Tsortsova es una directora respaldada por el Festival de San Sebastián ya que participó en 2015 con su primer largometraje, Thirst. Este año ha vuelto a la misma sección que la vió nacer como directora con su segunda película, Sister, donde narra la peculiar relación entre dos hermanas con su madre. Una relación plagada de ocultaciones, mentiras y medias verdades siempre al borde de la explosión durante todo el metraje. La originalidad de la película radica en que estas relaciones en apariencia tan conflictivas en realidad no lo son tanto planteando una irónica pero eficaz sororidad femenian. New Directors

DELPHINE ET CAROLE, INSOUMUSES. Callisto McNully

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La actriz francesa Delphine Seyrig fue una de las interprétes más reconocidas del cine autor europeo de los años 70, con títulos legendarios como El año pasado en Marienbad, El discreto encanto de la burguesía o Jeanne Dielman y reclamada por directores como Margarite Duras, Joseph Losey, François Truffaut, Jacques Demy o Chantal Ackerman. Lo que narra este documental programado en Zabaltegi es el proceso de toma de conciencia feminista y su puesta en práctica junto a la documentalista Carole Roussopoulos, quien le enseña las técnicas del vídeo, y su paso a la acción militante en una década donde una actriz de su prestigio y posición se podía jugar su carrera. Uno de los grandes atractivos de este documental es el uso del material de archivo, tanto de películas interpretadas por la actriz como del materiales – entrevistas, debates de televisión-, que rodaron las dos activistas. Destaca el conjunto de entrevisas realizadas en Estados Unidos a actrices como Jane Fonda, Maria Schneider o Ellen Burstyn, así como su papel en el Manifiesto de las 343, en pro del derecho al aborto. Sin duda dos mujeres adelantadas a su tiempo. Zabaltegi

¡Viva Pasolini!

 

Pasolini era un visionario porque decía la verdad, y cuando vas por ahí diciendo la verdad, tu obra vive para siempre. Abel Ferrara

 

pasolini_roma-uccellacci_uccellini-set“Uccellacci e uccellini”. 1966

Laurie Anderson

IMG_2260Laurie Anderson. San Sebastian International Film Festival. September 2015

Alain Resnais

“Nuit et brouillard”. 1955

 

Michelangelo Antonioni

Lo sguardo di Michelangelo. 2004

Otxarkoaga

Jorge Grau. 1961

 

Asociación de Familias de Otxarkoaga. 2011