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Top 10 Cannes Film Festival 2019

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   1

Portrait de la jaune fille en feu. Céline Sciamma

2

O que arde. Oliver Laxe

3

Jeanne. Bruno Dumont

4

Parasite. Bong Joon-ho

5

Frankie. Ira Sachs

6

Liberté. Albert Serra

7

Roubaix, une lumiére. Arnaud Desplechin

8

Ghost Tropic. Bas Devos

9

Once Upon Time in…Hollywood. Quentin Tarantino

10

Beanpole. Kantemir Balagov

*No incluye Dolor y Gloria, vista en España

 

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BEST CINEMATOGRAPHY CANNES 2019

1

Artur Tot. Liberté

2

José Luis Alcaine. Dolor y Gloria

3

Rui Poças. Frankie

4

Mauro Herce. O que arde

5

Grimm Vanderkerckhove. Ghost Tropic

6

Jarin Blaschke. The Lighthouse

7

Claire Mathon. Portrait de la jaune fille en feu

8

David Chambille. Jeanne

9

Florian Zinke. Nina Wu

10

Kyung-pyo Hong. Parasite

 

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BEST SOUNDTRACK CANNES 2019

1

James Newton Howard. A hidden life

2

Alberto Iglesias. Dolor y Gloria

3

Grégoire Hetzel. Roubaix, une lumiére

4

Christophe. Jeanne

5

Mark Koven. The Lighthouse

6

Fatima Al Qadiri. Atlantique

7

Para One. Portrait de la jaune fille en feu

8

Dickon Hinchliffe. Frankie

9

Jeong Jae-il. Parasite

10

The Pink Noise. Les Miserables

 

Festival de Cannes. CANNINO DÍA 11

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GHOST TROPIC. Bas Devos

El belga Bas Devos se ha colocado con solo tres películas en el punto de mira de los programadores de festivales y de una parte de la crítica. Devos fue descubierto por la Berlinale en 2014 con Violet, donde ganó el premio de la sección Generation y en su última edición presentó Hellhole. En Ghost Tropic, su primera visita a Cannes en la Quincena de los Realizadores, el director nos presenta a Khadija, una mujer de 58 años que a la salida del trabajo se queda dormida en el metro de vuelta y aparece en un barrio alejado del suyo. Sola y sin dinero debe cruzar a pie y de noche Bruselas para volver a su casa. En su largo transitar por la noche bruselense va encontrando diferentes personas con las que establece una relación de empatía y generosidad dotando a la película de un sentido humanista que diluyen los peligros asociados tradicionalmente a la oscuridad. Ghost Tropic es también una película de percepciones mentales y reflejos de estados de ánimo asociados a luz y sus variaciones, alcanzando cotas de inusitada belleza gracias a la fotografía de Grimm Vandekerckhove, que es capaz de trasladar a la pantalla visiones muy complejas.  Sin duda una de las películas más bellas y personales de todo el festival y un nombre para seguir muy de cerca en el futuro. Quincena de los Realizadores

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IT MUST BE HEAVEN. Elia Suleiman

Heredero de grandes del cine mudo como Chaplin, Keaton o Tati, el palestino Elia Suleiman presentó en la competición de Cannes It must be heaven, primera película desde 2009, donde realiza una denuncia en clave satírica y humanista la injusticia social y las sociedades dominadas por la violencia y la hiperseguridad, con la identidad palestina como tema latente y a quien dedica la obra. Rodada en su Nazareth natal, París y Nueva York, Suleiman prácticamente no habla, pero ve el mundo y la vida como un observador de visión empática pero distanciada, siempre llena de humor y comprensión descubriendo aspectos ridículos y paradójicos de la sociedades contemporáneas. Sección Oficial

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THE LIGHTHOUSE. Robert Eggers

Revelada con una de los grandes descubrimientos de la presente edición del festival, es, sobre todo, una constatación del talento de su director.  Filmada en blanco y negro exquisito y situada en una isla de Nueva Inglaterra a principios del siglo XX, es tambien un compendio de las variadas influencias e inspiraciones que transpira la película. Sin llegar a la evocación directa, por la película desfilan los universos literarios de Melville y Allan Poe; el cine expresionista alemán, ecos de El Resplandor de Kubrick y toda la imageneria asociada a los relatos míticos marinos. Con trabajo excepcional de Willem Dafoe y Robert Pattinson, el director ha sabido equilibrar todos los elementos logrando una película que actúa como pieza de cámara autoral y como relato de género, como relato literario y teatral y como espectáculo cinematográfico. Quincena de lo Realizadores

 

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ATLANTIQUE. Mati Diop

Actriz de Claire Denis en 35 rhums y de Matías Piñeiro en Hermia&Helena, la senegalesa Mati Diop da el salto con Atlantique a la dirección de largos de ficción tras dirigir previamente un corto también titulado Atlantiques (2009) y el documental Mille Soleils (2013). El principal logro de esta primera película presentada a competición es el de haber logrado insertar de forma admirable en el realismo más descarnado de la situación social del país una visión fantástica y ancestral ligada a las tradiciones senegalesas con total naturalidad y credibilidad. Mati Diop es una directora a la que seguir los pasos por haber logrado una película, todavía imperfecta, pero que revela una visión y una forma de narrar original. Sección Oficial

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 10

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NUESTRAS MADRES. César Díaz

Primera película del director belgo-guatemalteco, autor de varios cortometrajes documentales premiados en festivales internacionales. En su paso por el festival francés ha conseguido el premio de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos (SACD) de la Semana de la Crítica, que ha valorado el trabajo equilibrado, sencillo y sensible de esta película que habla de los desaparecidos de Guatemala. Partiendo de los testimonios de las víctimas del larguísimo conflicto bélico de Guatemala (1960-1996), Ernesto, un joven antropólogo, inicia los trabajos para la indentificación de los desaparecidos. Pero un día, a través del testimonio de una mujer, Ernesto cree encontrar un indicio que le permitirá encontrar la vía para encontrar a su padre, un guerrillero desaparecido durante la guerra.

En Nuestras Madres, el director trabaja sobre dos vertientes. Una, en clave colectiva que implica a toda la sociedad guatemalteca y otra, a nivel personal, que servirá al protagonista para completar el puzzle de una identidad incompleta que su madre le ha negado desde siempre. La película se articula desde la voz de las mujeres indígenas, verdaderos motores del proceso de recuperación e identificación de las víctimas, a los que el director retrata con gran dignidad y humanismo. Una primera película con toques naturalistas que pone a la sociedad guatemalteca de frente a los horrores de su memoria, un tema universal que afecta a todas las sociedades y países. Semana de la Crítica

 

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ONCE IN TRUBCHEVSK. Larisa Sadilova

Sexto largo de la directora Larisa Sadilova y primera visita a la Croisette. La película parte de una premisa sugerente: una road movie con camiones a través de la Rusia rural contemporánea. Ambientado en la pequeña localidad de Trubchevsk, nos cuenta la relación clandestina de un camionero con una vecina del pueblo que va a Moscú de forma habitual para vender sus guantes de lana, lo que al final hará sospechar a sus familias. El aspecto más destacado es su tono humorístico y el retrato que hace de sus protagonistas. Película sin pretensiones resuelta con oficio por su directora que se cierra con un conservador final. Un Certain Regard

 

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NINA WU. Midi Z

Inmersión en el mundo del cine de la mano del director birmano pero afincado en Taiwan Midi Z. A través de Nina Wu (Wu-Ke-xi), una actriz de ambición desmesurada de orígenes rurales nos adentramos en el proceso de rodaje de una película de espías ambientado en los años 60, que provocará la aparición de inseguridades, paranoias, angustias y represiones sexuales de la protagonista. Con un estilo visual estilizado y contemporáneo, en Nina Wu suenan los ecos oníricos y psicóticos de Le Locataire (Roman Polanski) y Black Swan (Darren Aronofsky) aunque utilizados con cierta reiteración algunas veces sin sentido. Gran trabajo de la actriz Wu-Ke-xi. Un Certain Regard

 

 

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IL TRADITTORE. Marco Bellocchio

Vuelta a Cannes de Marco Bellocchio, uno de los últimos maestros clásicos del cine italiano y europeo con una película épica sobre la lucha contra la mafia a través de Tommasso Buscetta, un arrepentido de la mafia cuya confesión permitió la detención de centenares de miembros de la Cosa Nostra. Como es tradición en parte del cine italiano, Il Traditore utiliza una épica monumental y operística conformando un gran fresco de carácter clásico con escenas magníficas como la de los jucios donde Bellocchio demuestra su sabiduría filmíca de décadas. Destacar también el trabajo del actor Pierfrancesco Favino encarnando al mafioso Buscetta, que es presentado como un hombre producto de unas determinadas circunstacias vitales que toma conciencia de las consecuencias de sus actos sin llegar a redimirlo en ningún momento. Sección Oficial

 

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MEKTOUB, MY LOVE: INTERMEZZO. Abdelatif Kechiche

Segunda entrega de la trilogía de Kechiche donde continúa con el reflejo de la juventud a través de algo tan inaprensible y complejo como las sensaciones, la luz del verano, el deseo sexual, el viento, la piel, el sudor, las conversaciones intrascendentes, los ligues, la música, las discotecas de verano….. Si en la primera parte ya produjo controversia por la forma de mirar el cuerpo femenino en esta continuación se acentúa su obsesión fetichista que llega a su culmen con un cunnilingus explítico de ventitrés minutos de duración. Película radical, compleja y polémica que auna dificultad cinematográfica con una mirada anacrónica y desfasada del sexo, y del cuerpo femenino especialmente, en tiempos en que internet y la lucha feminista han cambiado los paradigmas. Sección Oficial

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 5

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PORT AUTHORITY. Danielle Lessovitz

Estimable ópera prima de la directora Danielle Lessovitz que en su debut en el largometraje ha contado nada menos que con Martin Scorsese como productor. La película cuenta la historia de Paul, un joven de veinte años en libertad condicional que llega a Nueva York en busca de una hermana que lo rechaza. Este situación aboca al protagonista a vivir con un grupo de delincuentes y también el acceso a la comunidad voguing de la ciudad, donde conoce a una chica trans de la que se enamora en lo que será un amor imposible que le servirá como paso a la edad adulta. La parte más destacable radica en como el personaje va percibiendo que lo que en principio es rechazado por la sociedad por marginal puede convertirse en su verdadera comunidad y familia que le sirva protección. Un Certain Regard

 

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JEANNE. Bruno Dumont

En una de las más bellas películas vistas hasta ahora en el Festival, Bruno Dumont se acerca a uno de los mitos franceses más tratado por grandes autores en la historia del cine como Dreyer, Bresson o Rivette. En este nuevo tratamiento, el director francés retoma algunas constantes de su cine como es el de trabajar con actores no profesionales o centrar la historia en pocos escenarios desprovistos de cualquier artificio. Lo que consigue es una sublime película iconoclasta que trastoca el mito y lo coloca en un lugar casi desacralizado pero lleno de fascinación. En mi opinión, una película que debería haber estado a concurso. Sección Oficial

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LIBERTÉ. Albert Serra

En su nueva película, Albert Serra lleva a un grupo de nobles libertinos del siglo XVIII hasta un bosque nocturno donde práctican sexo libremente durante toda la noche. Con este planteamiento, la película es un ejercicio de valentía y de radicalidad cinematográfica en la que Serra ha sido hábil y no ha caído en la provocación que a priori plantea la película para el espectador. Serra no crea imágenes pornográficas y no juega a provocar deseo en el espectador, lo admirable es como cinematograficamente es capaz de crear una atmósfera fascinante que posibilitan los deseos de transgresión de la naturaleza humana. Un Certain Regard

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LA GOMERA. Corneliu Porumboiu

Un tanto rara avis frente a la imponente nómina de directores rumanos, Corneliu Porumbiou aterrizó en la Sección Oficial con otro objeto volador no indentificado que bebe de muy diversas fuentes. ¿Alguien habría podido imaginar que el silbo de la isla de la Gomera podría servir como elemento clave de una película noir rumana y concursar en Cannes? Además al terminar suena la Marcha Radetzky! Éste es solo uno de los múltiples elementos, que comprende referencias cinéfilas y musicales, con los que Porumboiu construye una de las propuestas más interesantes y enigmáticas vistas hasta el momento. Vista la reacción tan seca del público intuyo que buena parte de los espectadores no quisieron participar ni de su película ni de su sentido del humor. Sección Oficial

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 3

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BACURAU. Kléber Mendonça e Filho y Juliano Dornelles.

Kléber Mendonça e Filho vuelve a Cannes con una película radicalmente diferente a la celebrada Aquarius, que presentó en Cannes en 2016. En Bacurau se aleja del Brasil urbano y se adentra en una zona despoblada y olvida del interior de país para contar una historia que supone una contundente crítica política a la situación del país y del intervencionismo de Estados Unidos. Lo sorprendente de su película es que contar todo una la forma de un western etnográfico periférico, casi a la manera de Pájaros de Verano (Ciro Guerra y Cristina Gallego) o de Los Pasos Dobles  que Isaki Lacuesta dirigió en 2012. El resultado es una obra irregular, barroca y provocadora que se asemeja a uno de los ovnis que aparecen en la película pero que no termina por formalizar un alcance de calado. Sección Oficial

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LE SERPENT BLANC. Taiji Yabushita (1958)

Programda en la cada vez más interesante sección Cannes Classics debido a la restauración de su copia, ver la película de Taiji Yabushita es contemplar un ejercicio de arqueología de la animación japonesa ya que se trata del primer film de animación en color que se produjo en el país. Basado en una leyenda popular china, se produjo en los estudios Tôei en un momento en que la industria de animación japonesa se planteaba competir con Disney.  Cannes Clasics

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BEANPOLE. Kantemir Balagov

Descubierto en Un Certain Regard en 2017 con Tesnota, su primera película, Kantemir Balagov levantó unas expectativas inusitadas por la madurez y contudencia de su ópera prima. Este año repite sección con Beanpole, un potentísimo drama histórico sobre las profundas consecuencias que tiene en la vida de dos enfermeras excombatientes de la Segunda Guerra Mundial. Además de las impresionantes actuaciones de las dos actrices principales hay que destacar la estilización de la película, algo que contrasta con el tiempo de profunda miseria que refleja la película, que gira sobre los tonos rojos y verdes de la fotografía. Entre sus productores está el magnate Román Abramóvich. Un Certain Regard

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LES HIRONDELLES DE KABOUL. Zabou Breitman y Elea Gobbé-Mevellec

Basada en un comic del mismo título de Yasmina Khadra, la película es una traslación al cine animado de una historia que transcurre en Afganistan en 1968. Si bien el trabajo de animación es brillante, reproduciendo la estética de la acuarela, la tesis intelectual peca de un fácil maniqueismo que lastra el alcance pedagógico y cultural que esta película podría tener. Un Certain Regard

Festival de Cannes 2019. CANNINO DÍA 2

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BULL. Annie Silverstein

La ópera prima de la estadounidense Annie Silverstein, Bull, ha sido la encargada este año de iniciar las proyecciones en la sección Un Certain Regard. Ya conocida en Cannes al haber ganado el premio de la Cinefondation en 2014 con su cortometraje Skunk,  la directora nos lleva hasta el mundo del rodeo en una pequeña localidad de Houston para contar la interesante relación que establecen Kris, una adolescente de 14 años con su madre en la carcel, y Abe, su vecino negro que ha iniciado ya su étapa de declive dentro del rodeo. Dos personas unidas por una terrible soledad.

En su debut en el largo, Silverstein demuestra sutileza y profundidad en la dirección aunque le falta audacia para trascender y descarse de películas de similar temática. Con todo es una obra que transmite sinceridad y logra un profundo retrato psicológico de los dos protagonistas.  Un Certain Regard

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LES MISÉRABLES. Ladj Ly

Otro debut pero más contundente y enérgico ha sido Les Misérables, obra del director francés Ladj Ly, formado en el cine militate del colectivo Kourtrajmé. Les Misérables supone una vuelta contemporánea a la explosiva situación social de los banlieu que Mathieu Kassovitz reflejó hace un cuarto de siglo en La Haine, película que produjo un choque emocional al director cuando la vio con 17 años. Filmada con fuerza y contundencia durante casi todo su desarrollo evita caer en maniqueismos fáciles pero también tiene escenas efectistas que si bien funcionan muy bien en pantalla no terminan por hacer la película redonda que podría haber sido. Como diagnóstico de la Francia actual resulta demoledora. Una película que muy seguramente estará en el palmarés final. Sección Oficial

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LA FEMME DE MON FRÈRE. Monia Chokri

A veces se me olvida que Cannes también es un festival de cuotas y la La Femme de Mon Frère, película de inauguración de la sección Un Certain Regard dirigida por la canadiense Monia Chokri es una de ellas. Cumple con la cuota quebequesa bajo influencia de Xavier Dolan porque como película no deja de ser un ejercicio paródico, histérico y gratuito que cuenta la alteración que sufre la relación entre dos hermanos al entrar en juego la mujer del chico. Una película que no pinta nada en un festival como Cannes. Un Certain Regard

Un Lanthimos más convencional

Captura de pantalla 2019-01-26 a la(s) 08.34.17Yorgos Lanthimos dirigiendo a Olivia Colman en La Favorita

Desde su contundente irrupción en el panorama cinematográfico internacional en 2009 con la extraordinaria Canino -aunque tambien dirigió en 2005 Kinetta-, las siguientes películas de Yorgos Lanthimos (Alps, The Lobster, The killing of a sacred deer) están estrechamente ligadas al reflejo de las paranoias, descompensaciones, fustraciones y obsesiones del mundo contemporáneo con unas marcas estilísticas tan originales como indisociables del mundo y personajes que refleja. En La Favorita dirige por primera vez un guion ajeno  (Deborah Davis y Tony McNamara) y cambia las sociedades occidentales actuales por la Inglaterra de principios del siglo XVIII para contar una historia con transfondo histórico sobre poder, manipulación y dependencias emocionales entre la Reina y dos mujeres que se disputan ser sus preferidas.

A pesar del gran duelo interpretativo entre las tres actrices que protagonizan la película – Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone- y de algunas elecciones estilísticas como la oscura fotografía de Robbie Ryan y del vestuario de Sandy Powel, desde el punto de vista de la dirección, La Favorita es un infructuoso intento por insertar en una historia ajena y de época las marcas reconocibles del estilo cinematográfico de Lanthimos, quedando solo pequeños rastros en actitudes, gestos (el baile ridículo entre Rachel Weisz y Joe Alwyn) y encuadres de cámara (el forzado y recurrente uso del ojo de pez o el contrapicado final sobre el rostro distorsionado de Olivia Colman a la manera de Bacon).

Sin duda la película más convencional y menos interesante de su director aunque el espectador que no conozca el cine de Lanthimos pueda percibirla como un original acercamiento a un tema que cuenta con un amplio tratamiento en el cine como es la ambición de poder y sus consecuencias emocionales y políticas.

The Best Cinematography of 2018


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1. Zama. Rui Poças

 

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2. Lazzaro felice. Hélène Louvart

 

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3. Quién te cantará. Eduard Grau

 

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4. Burning. Kyung-Pyo Hong

 

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5. Good Time. Sean Price Williams

 

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6. Cold War. Lukasz Zal

 

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7. The House That Jack Built. Manuel Alberto Claro

 

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8. Roma. Alfonso Cuarón

 

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9. Rojo. Pedro Sotero

 

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10. Leto. Vladislav Opelyants

 

 

Joaquin Phoenix

IMG_1732You were never really here. Press conference, Cannes 2017

Mi (muy parcial) Festival de San Sebastián 2018

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Este es un muy parcial comentario sobre la última edición del Festival de San Sebastián, puesto que apenas he podido ver un puñado de las películas proyectadas. La edición de este año se presentaba bajo el signo de una renovación estética que afectaba tanto a la imagen gráfica del Festival como a un nuevo diseño de la propia Concha de Oro, un cambio que busca dar una nueva identidad de marca al festival a nivel internacional que lo haga fácilmente reconocible dentro del complicado mundo del cine y de los festivales.

Y también llegaba bajo el signo del crecimiento. El Festival cada vez es más grande e inabarcable y como consecuencia se han vivido algunas distorsiones entre prensa y acreditados y la organización, que sigue siendo casi modélica y de un trato personal magnífico. En mi opinión, el festival haría mal en imitar y copiar lo peor de otros festivales como dividir a la prensa en castas de colores (como se hace en Cannes) con el consiguiente desprecio y maltrato a quien se gasta su dinero o el de su medio de comunicación en desplazarse y alojarse en la ciudad.

En cuanto a la progrmación, si durante años las fechas del evento eran un obstáculo de cara a conseguir películas y directores de renombre que lo acercara en la medida de lo posible a otros festivales de su misma categoría, el actual equipo directivo del festival ha sabido encontrar una fórmula que lo haga atractivo tanto para la industria internacional, prensa estatal e internacional, y al público, verdadero guardaespaldas de un evento que es vivido en la ciudad con verdadera pasión y entrega. Este festival de lo posible consiste en convertirlo en un certamen que resuma lo mejor del panorama cinematográfico mundial de cada año, de tal manera, que quien no pueda asistir a las grandes citas cinematográficas pueda comprobar en pocos días la evolución del panorama audiovisual a nivel internacional durante el último año. Las secciones Perlas y Zabaltegi son dos imanes programáticos que sirven para atraer al festival tanto al público como a la prensa especializada en una suerte de festival de preestrenos de lo que se verá en los cines comerciales durante el otoño. En esta edición se ha podido ver -fuera de unos pocos títulos como Lazzaro Felice, Suspiria, The favourite o Border- prácticamente lo más destacado de Cannes y Venecia y en menor número películas procedentes de Berlín o Locarno. En cierta manera Perlas y Zabaltegi, inéditas en otros festivales de nivel A, distorsionan el papel que la prensa especializada juega en el festival,  que debería centrarse en cubrir sobre todo la Sección Oficial como New Directors que son las apuestas propias del equipo de programación.

Otro aspecto a destacar es la apuesta decidida del actual equipo directivo por la inclusión dentro de la Sección Oficial de películas de género que han logrado que se perciba con más interés y expectación aunque la conexión Toronto-San Sebastián sigue evidenciando la debilidad del certamen donostiarra frente a Berlín, Cannes, Venecia e incluso Locarno a la hora de las primicias mundiales, que a fin de cuentas es lo que mueve a la prensa internacional. En cualquier caso, títulos como In Fabric (Peter Strickland) hubieran sido impensables verlas programadas en la sección principal del Festival no hace tantos años.

En relación al cine español hay que señalar que dos de las películas más esperadas, El Reino y Quién te cantará, se habían proyectado previamente en Toronto -un mercado más que un festival-, buscando una repercusión internacional de la que adolece muy seriamente el cine español, prácticamente ausente desde hace años de los grandes festivales internacionales de cine, y una difusión que al menos permita a estas películas liderar las taquillas del mercado español. Tanto El Reino como Quién te cantará son dos triunfos artísticos por parte de Rodrigo Sorogoyen y Carlos Vermut aunque la que finalmente se llevó el gato al agua fue Isaki Lakuesta con Entre dos aguas, que llegó al festival de forma silenciosa y discreta al ganar la segunda Concha de Oro en un jurado presidido por Alexander Payne.

Con una Sección Oficial compuesta por una amplia variedad de estilos, géneros y estéticas, la elección de Payne, que realiza un cine que bebe del realismo y el costumbrimo tamizado por un humor melácolico,  como presidente del jurado se ha revelado como no acertada al obviar totalmente en el palmarés a High Life, de Claire Denis, la que en mi opinión ha sido la película más destacada de las vistas en el festival y uno de los grandes títulos del año a nivel internacional.

Con 66 ediciones a sus espaldas es uno de los festivales históricos del mundo y el primer festival en el ámbito latinoamericano. A pesar de ostentar esta condición desde hace décadas sorprende que desde las instituciones estatales y latinoamericanas no se contribuya de manera más decidida a reforzar esta condición y dotarlo de un presupuesto mayor que le permita ser en un plazo de tiempo razonable la plataforma de lanzamiento indiscutible de los cines del estado español y latinoamericano aunque iniciativas como el cada vez más decisivo e influyente Foro de Coproducción Europa-América Latina tratan de consolidar esta condición así como reforzar el papel vital de la industria dentro del certamen.

Algunas de las películas que pude ver y que más me interesaron fueron:

HIGH LIFE. Claire Denis

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Con un formato  de ciencia ficción distópica, Claire Denis, realiza una incursión abstracta que retrata los miedos, ansiedades, angustias y peligros de nuestro tiempo  y de paso, nos proporciona una de las experiencias audiovisuales, sensoriales y orgánicas más radicales del año. Por una lado, Denis, subvierte la reglas del propio género que usa como medio expresivo alejándose por completo de la convenciones de la ciencia ficción marcada históricamente por el cine americano y bebe tanto estéticamente como temáticamente de otros referentes menos espectaculares como son la ciencia ficción europea, en concreto de los países del Este, en los años 70 del siglo pasado. Esta elección estética se evidencia en el look que predomina en la película donde la propia nave espacial semeja a un pobre sarcófago o los propios trajes de los astronautas, más austeros y similares a la estética espacial soviética.

Además, utiliza los cuerpos, el sexo y los fluidos como elementos expresivos para realizar un diagnóstico atroz de nuestra condición humana por medio de un grupo de ex convictos, encabezados por Robert Pattinson y Juliette Binoche, que son enviados como conejillos de indias a una misión espacial imposible. Por otro lado, la directora francesa sublima el propio género de la ciencia ficción al utilizar como referentes el cine de Tarkovski -Solaris y Stalker-, y al propio Kubrick de 2001, una odisea en el espacio. Sin duda una de las grandes películas del año por su ambición, originalidad

ROMA. Alfonso Cuarón

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Roma se plantea como un fresco al mismo tiempo íntimo e histórico con el trasfondo de la situación de México en los años 1970 y 1971. Pese a la enorme profundidad de campo que nos da la película rodada en 65 mm, Alfonso Cuarón no utiliza la épica para retratar sus memorias de infancia y opta por un punto de vista más distanciado ante lo que se muestra en pantalla. En cualquier caso, el espectador asiste a la película como si fuera un trozo de vida real que se desarrolla delante de sus ojos con una asombrosa naturalidad y fluidez siguiendo a Cleo, la criada de la familia de Cuarón en aquel tiempo, un personaje interpretado por la actriz no profesional Yalitza Aparicio, que dota a la película de verdad, dignidad y humanismo. Más allá de sus valores cinematográficos, la película producida por Netflix y úlitma ganadora del León de Oro en Venecia, plantea la paradoja de su forma de exhibición.

MANTA RAY. Phuttiphong Aroonpheng

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Avalada por el reciente premio a la mejor película de la sección Orizzonti de la última Mostra veneciana, Manta Ray está claramemente influenciada por el universo creativo del también tailandés Apichatpong Weerasetakhul. La principal novedad de la ópera prima de Phuttiphong Aroonpheng radica en el inserto de un sutil pero directo elemento de denuncia política como es la situación de los refugiados rohinhyá, la perseguida minoría éntica y cultural de Myanmar, en medio de una formulación cinematográfica tan misteriosa y “fantasmática” como acostumbra el cine tailandés. Lo que logra su director es una potente película críptica y ambivalente, entre el murmullo sonoro y el barroquismo audiovisual, donde convergen lo íntimo y personal con lo antropológico y político.

QUIÉN TE CANTARÁ. Carlos Vermut

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La nueva y esperadísima película de Carlos Vermut tras la Concha de Oro de Magical Girl llegaba a San Sebastián con un hype por encima de sus posibilidades como una de las apuestas indiscutibles de la Sección Oficial de este año. Y una vez despejada la incógnita se puede decir que Quién te cantará supone un paso sólido en la carrera de Carlos Vermut aunque en ese paso se ha dejado parte de la originalidad de su anterior película. Planteada como juego de espejos vampírico entre una cantante de éxito (Najwa Nimri) y una fan (Eva Llorach), la nómina de influencias es larga y excelsa: desde Almodóvar a Bergman, pasando por Douglas Sirk o David Lynch.

EL REINO. Rodrigo Sorogoyen

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Una de las claves de la nueva película de Sorogoyen es que consigue desvelar la parte oculta de la omnipresente corrupción entre la clase política española que no vemos en los telediarios. Junto a su guionista, Isabel Peña, ha conseguido dar forma a toda la intrahistoria de sus conversaciones, llamadas de teléfono, reuniones de partido, fiestas en los yates, como son sus casas y chalets, etc logrando reflejar la realidad de un país de forma demoledora a ritmo de música electronica y utilizando el thriller como forma de narración. Por su contundencia, El Reino es una película que debería trascender el ámbito cinematográfico y tener una influencia destacada en una sociedad que percibe la corrupción política y social como uno de sus grandes retos y problemas a solucionar.

ROJO. Benjamín Naishtat

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Triplemente premiada (dirección, actor -Darío Grandinetti- y fotografía) por el Jurado de San Sebastián, Rojo nos traslada hasta una provincia del interior de Argentina en 1975 para reflejar por medio de un magnífico thriller la cenagosa y malsana atmósfera que posibilitó el Golpe de Estado y la llegada de la dictadura militar en 1976. Con una puesta en escena cuidada donde resuenan los ecos del cine del extrañamiento de Lucrecia Martel y Yorgos Lanthimos y una gran fotografía del brasileño Pedro Sotero (Aquarius), Naishtat consigue una narración que logra radiografiar perfectamente la deriva moral de aquella sociedad cuyos ecos todavía resuenan en la actualidad.