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Mi (muy) parcial Festival Internacional de San Sebastián 2021

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Si el año pasado el equipo directivo del Festival, encabezado por José Luis Rebordinos, fue capaz de sacar adelante contra viento y pandemia pero con enorme brillantez la edición del certamen, algo que fue celebrado y reconocido por todos los medios, este año la perspectiva era mucho mejor al no estar tan condicionado por las medidas anti covid. Con todo, el aforo de las proyecciones siguió reducido a la mitad además de otras medidas ya comunes a los eventos culturales. Si el año pasado San Sebastián fue uno de los beneficiados de la no celebración del Festival de Cannes al acoger a numerosas películas de alta calidad destinadas en principio a participar en el certamen francés conformando una selección de gran nivel, este año tenía el reto de conformar una sección a competición que fuera los suficiemente interesante para atraer la atención mediática y cinéfila. Si bien el nivel de la Sección Oficial no fue igualado ha contado con numerosas películas de gran calidad e interés y autores de prestigio como Terence Davies, Zhang Yimou, Claudia Llosa, Laurent Cantet, Claire Simon o Jonás Trueba. También ha servido de plataforma de lanzamiento para nuevas directoras como la danesa Tea Lindeburg o la rumana Alina Grigore, que fue la ganadora de la Concha de Oro. El jurado, comandado por Dea Kulumbegashvili -ganadora del año pasado, concedió la mayoría de premios al cine dirigido por mujeres, reconociendo por fin la calidad y la audacia creativa tantas veces negada a las mujeres.

Algunas películas que pude ver fueron:

THE POWER OF THE DOG. Jane Campion

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Recién llegada de la Mostra de Venecia con el premio a la mejor dirección para Jane Campion, The Power of the Dog es una obra brillante y poderosa que supone la vuelta al cine de su directora después de doce años. Basada en la obra del mismo título que el escritor Thomas Savage publicó en 1967, Campion realiza un minucioso estudio psicológico de los personajes para contar una historia sobre la identidad negada y las consecuencias derivadas de la masculinidad tóxica y los deseos reprimidos. Una de las principales cualidades por las que esta película marca un hito es el uso de los códigos del western desde una visión totalmente nueva y, como Kelly Reichardt en Meek’s Cutoff, llevan el western a lugares que nunca nos contaron antes pero que siempre estuvieron.

La película pivota sobre varios elementos, todos brillantes. La interpretaciones de los cuatro actores principales, con Benedict Cumberbacht a la cabeza encarnando un complejísimo papel con un gran arco de registros.  Casi a la misma altura interpretativa, Kodi Smith-McPhee, Kirsten Dunst y Jesse Plemons, junto a la fotografía de Ari Wegner y la sobresaliente banda sonora de Jonny Greenwood, logran conformar una extraordinaria pieza de cámara no exenta de momento sombriamente majestuosos enmarcados por los grandes paisajes de Nueva Zelanda donde se ha rodado la película. PERLAS

ARTHUR RAMBO. Laurent Cantet

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Después de la magnífica El Taller de Escritura (2017), Laurent Cantet vuelve con una película donde analiza uno de los aspectos más presentes en nuestras sociedades como es la influencia y las consecuencias de las redes sociales en nuestras vidas. Protagonizada por el ascendente Rabah Nait Oufella, que encarna a un escritor que pasa de la noche a la mañana de ser aclamado a ser despellejado en la redes sociales, la película tiene un interesante guion que parte de una premisa inicial bien llevada por Cantet aunque el conjunto final deja la sensación de que podía haber llegado a cotas mayores. Con todo, es hasta el momento de las mejores plasmaciones vistas en una pantalla sobre las diferentes vertienes y distorsiones  de las redes sociales y la dependencia de ellas de buena parte de la sociedad. SECCIÓN OFICIAL

 

BENEDICTION. Terence Davis

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Regreso de Terence Davies, uno de los directores más queridos por el certamen, al Festival de San Sebastián tras participar dos veces en la Sección Oficial y una en Zabaltegi, además de la retrospectiva de su obra en 2008. En esta ocasión lo hace con una nueva biografía de una figura histórica que desafió las convenciones políticas, morales  y sexuales de la sociedad de su tiempo como es el poeta Siegfried Sassoon, quien tras participar y ser condecorado por su participación en la I Guerra Mundial se enfrentó al estamento militar al declararse pacifista al mismo tiempo que profundiza en su orientación homosexual. Fiel a la elegancia y exquisitez en la puesta en escena, marca tradicional del director, Davies plantea una película ambiciosa en la descripción tanto de la evolución vital del personaje interpretado por Jack Lowden al tiempo que describe meticulosamente el ambiente social en el que se desarrolló la vida del poeta. En las películas de Davies simpre hay una melancolía y un dolor subyaciente que también está presente de manera muy elocuente en Benediction logrando una película a ratos sublime y en otras demasiado clásica para los parámetros actuales. SECCIÓN OFICIAL

AS IN HEAVEN. Tea Lindeburg

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La primera película, es tambián directora de series de televisión, realizada por la danesa Tea Lindeburg es una de las apuestas fuertes del Festival para esta edición del certamen. En As In Heaven, Lindeburg nos traslada a la Dinamarca rural de finales del siglo XIX para contarnos una historia sobre como las tradiciones religiosas y heteropatriarcales marcan el destino vital de una joven de 14 años que sueña con horizonte personal independiente y luminoso. Basada en una novela de Marie Bregendahl, los puntos fuertes son el extraordianario trabajo interpretativo de la joven actriz Flora Ofelia Hofman Lindahl, la fotografía de Marcel Zyskind y una dirección en la que Lindenburg demuestra una gran madurez y seguridad. SECCIÓN OFICIAL

QUIÉN LO IMPIDE. Jonás Trueba

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La nueva película de Jonás Trueba es un impresionante y deslumbrante fresco que retrata a lo largo de tres horas y cuarenta minutos a la juventud española en este momento histórico. Rodada en diferentes formatos, tal y como mandan los tiempos y las circunstancias de la pandemia, por sus realistas imagenes transita una generación de jovenes que no hace participe de toda la escala de sentimientos, sensaciones, ingenuidades y responsabilidades; anhelos y ansiedades comunes a cualquier generación que empieza a enfrentarse al descubrimiento de la vida adulta. Con un tono de marcada nostalgia, en el mejor sentido de la palabra, Quién lo impide está llamada a ser una obra referencial dentro de la historia del cine español por portar en sus imágenes tanta verdad como belleza. SECCIÓN OFICIAL

 

VOUS NE DÉSIREZ QUE MOI. Claire Simon

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Una de las películas más interesantes y arriesgadas de todo el festival ha venido de la mano de la conocida directora de no ficción francesa Claire Simon. En este caso toma la ya conocida entrevista que Yann Andréa concedió en 1992 a la periodista Michèle Monceaux donde describe la inusual y tormentosa relación con una figura del calibre de Marguire Duras que únicamente se hizo pública tras la muerte de los dos protagonistas. Fiel al texto original y a la situación que se vivió realmente, Simon disecciona en una pieza de cámara la verdadera naturaleza de esa relación de carácter dependiente que asombró a la escena cultural francesa y europea por las especiales características de sus protagonistas. Con apenas tres actores, destacando el sobresaliente trabajo de Swann Arlaud encarnando los abismos vividos por el personaje real, y en contraposición vital, el papel de la periodista interpretado por la siempre brillante Emmanuelle Devos, Simon nos sumerge a través de un formato de entrevista en una relación a menudo tiránica y cruel solo interrumpida por pequeños insertos animados que metaforizan las relaciones sexuales de los protagonistas. SECCIÓN OFICIAL

 

LA HIJA. Manuel Martín Cuenca

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La hija es un poderoso y brillante ejercicio de estilo donde su director, Manuel Martín Cuenca, hace un despliegue impresionante de todas sus capacidades para llevar a buen término una historia tan fascinante como imposible de creer en algunas de sus giros de guion. Como tema plantea la posibilidad/imposibilidad de ser madre vista desde su ángulo más perverso y cruel y lo articula a través de un poderoso y subyugante thriller, a veces también puro cine de terror, que mantiene enganchado al espectador hasta el final mismo de la proyección. Como espacio de desarrollo de esta esta axfisiante historia están los impresionantes y bellísimos paisajes naturales de las Sierras de Cazorla y Segura en Jaén, que se convierten en un personaje más de la película gracias al gran trabajo en la fotografía de Marc Gómez del Moral. Una propuesta tan arriesgada debe contar también con actores tan brillantes como lo que se quiere contar y en este caso todos, con Javier Gutierrez y Patricia López Arnaiz a la cabeza, e incluida la debutante Irene Virgüez, realizan magníficos trabajos. Destacar también la primera banda sonora compuesta por el grupo Vetusta Morla. SECCIÓN OFICIAL

 

ENQUÊTE SUR UN SCANDALE D’ETAT. Thierry de Peretti

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 Dirigida por el francés Thierry de Peretti, la película es un intento de armar una película comercial en forma de thriller pero que al mismo tiempo contenta los suficientes elementos persuasivos para convencer a diferentes tipos de públicos. Basada en una investigación real hecha por el diario Liberation, estos elementos persuasivos consisten en la introducción de temas que lo acercan al cine de denuncia política o el papel de la prensa en la vigilancia de los excesos  y corrupciones de los Estados democráticos. A priori, la propuesta es persuasiva pero no termina de convencer en ninguno de sus aspectos. Tampoco se luce la habitualmente brillante Clarie Mathon en la dirección de fotografía. SECCIÓN OFICIAL

ELES TRANSPORTAN A MORTE. Helena Girón, Samuel S. Delgado

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Vista en la Semana Internacional de la Crítica de la Mostra veneciana, la película trata de contar la historia desde otros puntos de vista y sensibilidades al margen de lo oficial desde un dispositivo audiovisual que auna tanto lo narrativo como el tratamiento experimental de las imágenes. El resultado es una película de gran interés ya que logra plantear nuevas visiones y acercamientos que desmitifican el colonialismo, en este caso de la conquista de América, y a la microhistoria anónima, aspectos que se ocultan en las visiones oficiales pero que son determinantes en las nuevas lecturas de la Historia. ZABALTEGI-TABAKALERA

HANYEO. Kim Ki-young

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Consideradada por la crítica más prestigiosa como uno de los grandes clásicos del cine surcoreano, para quien no la conoce Hanyeo asombra por la radical modernidad tanto de los temas que plantea como del tramiento que el director Kim Ki-youg da a temas como la infidelidad, los celos, la ambición social o el aborto. Rodada en 1960, la película nos cuenta la historia de una familia de clase media que aspira a un bienestar económico que ve trastocados sus planes al ser contratada una criada que progresivamente va trastocando el orden establecido. Comparada con el cine de Buñuel, es una de las películas que ha influenciado a Bong Joon-ho para realizar Parasite y su plasmación de las diferencias de clase. LA EDAD DE ORO DEL CINE COREANO

 

É STATA LA MANO DI DIO. Paolo Sorrentino

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Tras Loro y la serie The New Pope, Sorrentino vuelve a su Nápoles natal para contar una historia autobiográfica de carácter iniciático. El cine de Sorrentino se caracteriza por un poderoso y específico sentido visual creando imagenes tan emblemáticas como insustanciales y gratuitas en muchas ocasiones. En È stata la mano di Dio abandona la parafernalia audiovisual acostumbrada para depurarla y contarnos episodios iniciáticos de su vida que finalmente lo conviertieron en director de cine. Deudor, siempre, del cine de Fellini -que se percibe claramente en la primera parte de la película-, adopta un tono sencillo e intimista. El resultado es su película más accesible y seguramente otro gran éxito que se podrá ver en Netlix. PERLAS

MASS. Fran Kranz

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Si algo es Mass es la constatación del increíble talento de su director y guionista Fran Kranz. Presentada en el Festival de Sundance, Mass gira en torno a la reunión que mantienen cuatro personajes alrededor de una mesa donde van a explorar e intentar sanar las terribles consecuencias que tuvo para sus vidas de un hecho violento protagonizado por el hijo de una de las parejas. Uno de sus logros, que consigue mantener alerta la atención del espectador, es la gradación de la información que recibe el espectador que va descubriendo progresivamente los hechos que han provocado la reunión. Así, durante dos horas asistimos a un recital interpretativo extraordiario de los cuatro actores que se sumergen, y también los espectadores, en el dolor más profundo pero también en la esperanza y el perdón. Desde el punto de vista cinematográfico Kranz demuestra hasta donde se puede llegar un una gran historia y cuatro enormes actores. NEW DIRECTORS

 MAROCCO/MIKADO. Emanuel Pârvu

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Segunda película dirigida por el también director de teatro y actor en obras de Cristian Mungiu o Constatin Popescu Emanuel Pârvu. La premisa del film parte de como un simple y anedóctico hecho como es el regalo de un brazalete por un padre a su hija por su cumpleaños puede desarrollar una cadena de acontecimientos que acaban trastocando la vida de los protagonistas. Fiel a una de las características de los cineastas de la Nueva Ola Rumana como es la disección lo más realista posible de la sociedad rumana, Pârvu consigue una obra de gran madurez y solidez cinematográfica desprovista de cualquier artificio donde el único elemento que desentona es el final elegido para finalizar la historia. Bajo este estilo realista el director consigue elaborar un tratado donde la culpa, la responsaibilad y las consecuencias de nuestros actos se ponen de frente al espectador y lo interrogan. NEW DIRECTORS

Mi (muy parcial) Festival de San Sebastián 2018

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Este es un muy parcial comentario sobre la última edición del Festival de San Sebastián, puesto que apenas he podido ver un puñado de las películas proyectadas. La edición de este año se presentaba bajo el signo de una renovación estética que afectaba tanto a la imagen gráfica del Festival como a un nuevo diseño de la propia Concha de Oro, un cambio que busca dar una nueva identidad de marca al festival a nivel internacional que lo haga fácilmente reconocible dentro del complicado mundo del cine y de los festivales.

Y también llegaba bajo el signo del crecimiento. El Festival cada vez es más grande e inabarcable y como consecuencia se han vivido algunas distorsiones entre prensa y acreditados y la organización, que sigue siendo casi modélica y de un trato personal magnífico. En mi opinión, el festival haría mal en imitar y copiar lo peor de otros festivales como dividir a la prensa en castas de colores (como se hace en Cannes) con el consiguiente desprecio y maltrato a quien se gasta su dinero o el de su medio de comunicación en desplazarse y alojarse en la ciudad.

En cuanto a la progrmación, si durante años las fechas del evento eran un obstáculo de cara a conseguir películas y directores de renombre que lo acercara en la medida de lo posible a otros festivales de su misma categoría, el actual equipo directivo del festival ha sabido encontrar una fórmula que lo haga atractivo tanto para la industria internacional, prensa estatal e internacional, y al público, verdadero guardaespaldas de un evento que es vivido en la ciudad con verdadera pasión y entrega. Este festival de lo posible consiste en convertirlo en un certamen que resuma lo mejor del panorama cinematográfico mundial de cada año, de tal manera, que quien no pueda asistir a las grandes citas cinematográficas pueda comprobar en pocos días la evolución del panorama audiovisual a nivel internacional durante el último año. Las secciones Perlas y Zabaltegi son dos imanes programáticos que sirven para atraer al festival tanto al público como a la prensa especializada en una suerte de festival de preestrenos de lo que se verá en los cines comerciales durante el otoño. En esta edición se ha podido ver -fuera de unos pocos títulos como Lazzaro Felice, Suspiria, The favourite o Border- prácticamente lo más destacado de Cannes y Venecia y en menor número películas procedentes de Berlín o Locarno. En cierta manera Perlas y Zabaltegi, inéditas en otros festivales de nivel A, distorsionan el papel que la prensa especializada juega en el festival,  que debería centrarse en cubrir sobre todo la Sección Oficial como New Directors que son las apuestas propias del equipo de programación.

Otro aspecto a destacar es la apuesta decidida del actual equipo directivo por la inclusión dentro de la Sección Oficial de películas de género que han logrado que se perciba con más interés y expectación aunque la conexión Toronto-San Sebastián sigue evidenciando la debilidad del certamen donostiarra frente a Berlín, Cannes, Venecia e incluso Locarno a la hora de las primicias mundiales, que a fin de cuentas es lo que mueve a la prensa internacional. En cualquier caso, títulos como In Fabric (Peter Strickland) hubieran sido impensables verlas programadas en la sección principal del Festival no hace tantos años.

En relación al cine español hay que señalar que dos de las películas más esperadas, El Reino y Quién te cantará, se habían proyectado previamente en Toronto -un mercado más que un festival-, buscando una repercusión internacional de la que adolece muy seriamente el cine español, prácticamente ausente desde hace años de los grandes festivales internacionales de cine, y una difusión que al menos permita a estas películas liderar las taquillas del mercado español. Tanto El Reino como Quién te cantará son dos triunfos artísticos por parte de Rodrigo Sorogoyen y Carlos Vermut aunque la que finalmente se llevó el gato al agua fue Isaki Lakuesta con Entre dos aguas, que llegó al festival de forma silenciosa y discreta al ganar la segunda Concha de Oro en un jurado presidido por Alexander Payne.

Con una Sección Oficial compuesta por una amplia variedad de estilos, géneros y estéticas, la elección de Payne, que realiza un cine que bebe del realismo y el costumbrimo tamizado por un humor melácolico,  como presidente del jurado se ha revelado como no acertada al obviar totalmente en el palmarés a High Life, de Claire Denis, la que en mi opinión ha sido la película más destacada de las vistas en el festival y uno de los grandes títulos del año a nivel internacional.

Con 66 ediciones a sus espaldas es uno de los festivales históricos del mundo y el primer festival en el ámbito latinoamericano. A pesar de ostentar esta condición desde hace décadas sorprende que desde las instituciones estatales y latinoamericanas no se contribuya de manera más decidida a reforzar esta condición y dotarlo de un presupuesto mayor que le permita ser en un plazo de tiempo razonable la plataforma de lanzamiento indiscutible de los cines del estado español y latinoamericano aunque iniciativas como el cada vez más decisivo e influyente Foro de Coproducción Europa-América Latina tratan de consolidar esta condición así como reforzar el papel vital de la industria dentro del certamen.

Algunas de las películas que pude ver y que más me interesaron fueron:

HIGH LIFE. Claire Denis

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Con un formato  de ciencia ficción distópica, Claire Denis, realiza una incursión abstracta que retrata los miedos, ansiedades, angustias y peligros de nuestro tiempo  y de paso, nos proporciona una de las experiencias audiovisuales, sensoriales y orgánicas más radicales del año. Por una lado, Denis, subvierte la reglas del propio género que usa como medio expresivo alejándose por completo de la convenciones de la ciencia ficción marcada históricamente por el cine americano y bebe tanto estéticamente como temáticamente de otros referentes menos espectaculares como son la ciencia ficción europea, en concreto de los países del Este, en los años 70 del siglo pasado. Esta elección estética se evidencia en el look que predomina en la película donde la propia nave espacial semeja a un pobre sarcófago o los propios trajes de los astronautas, más austeros y similares a la estética espacial soviética.

Además, utiliza los cuerpos, el sexo y los fluidos como elementos expresivos para realizar un diagnóstico atroz de nuestra condición humana por medio de un grupo de ex convictos, encabezados por Robert Pattinson y Juliette Binoche, que son enviados como conejillos de indias a una misión espacial imposible. Por otro lado, la directora francesa sublima el propio género de la ciencia ficción al utilizar como referentes el cine de Tarkovski -Solaris y Stalker-, y al propio Kubrick de 2001, una odisea en el espacio. Sin duda una de las grandes películas del año por su ambición, originalidad

ROMA. Alfonso Cuarón

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Roma se plantea como un fresco al mismo tiempo íntimo e histórico con el trasfondo de la situación de México en los años 1970 y 1971. Pese a la enorme profundidad de campo que nos da la película rodada en 65 mm, Alfonso Cuarón no utiliza la épica para retratar sus memorias de infancia y opta por un punto de vista más distanciado ante lo que se muestra en pantalla. En cualquier caso, el espectador asiste a la película como si fuera un trozo de vida real que se desarrolla delante de sus ojos con una asombrosa naturalidad y fluidez siguiendo a Cleo, la criada de la familia de Cuarón en aquel tiempo, un personaje interpretado por la actriz no profesional Yalitza Aparicio, que dota a la película de verdad, dignidad y humanismo. Más allá de sus valores cinematográficos, la película producida por Netflix y úlitma ganadora del León de Oro en Venecia, plantea la paradoja de su forma de exhibición.

MANTA RAY. Phuttiphong Aroonpheng

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Avalada por el reciente premio a la mejor película de la sección Orizzonti de la última Mostra veneciana, Manta Ray está claramemente influenciada por el universo creativo del también tailandés Apichatpong Weerasetakhul. La principal novedad de la ópera prima de Phuttiphong Aroonpheng radica en el inserto de un sutil pero directo elemento de denuncia política como es la situación de los refugiados rohinhyá, la perseguida minoría éntica y cultural de Myanmar, en medio de una formulación cinematográfica tan misteriosa y “fantasmática” como acostumbra el cine tailandés. Lo que logra su director es una potente película críptica y ambivalente, entre el murmullo sonoro y el barroquismo audiovisual, donde convergen lo íntimo y personal con lo antropológico y político.

QUIÉN TE CANTARÁ. Carlos Vermut

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La nueva y esperadísima película de Carlos Vermut tras la Concha de Oro de Magical Girl llegaba a San Sebastián con un hype por encima de sus posibilidades como una de las apuestas indiscutibles de la Sección Oficial de este año. Y una vez despejada la incógnita se puede decir que Quién te cantará supone un paso sólido en la carrera de Carlos Vermut aunque en ese paso se ha dejado parte de la originalidad de su anterior película. Planteada como juego de espejos vampírico entre una cantante de éxito (Najwa Nimri) y una fan (Eva Llorach), la nómina de influencias es larga y excelsa: desde Almodóvar a Bergman, pasando por Douglas Sirk o David Lynch.

EL REINO. Rodrigo Sorogoyen

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Una de las claves de la nueva película de Sorogoyen es que consigue desvelar la parte oculta de la omnipresente corrupción entre la clase política española que no vemos en los telediarios. Junto a su guionista, Isabel Peña, ha conseguido dar forma a toda la intrahistoria de sus conversaciones, llamadas de teléfono, reuniones de partido, fiestas en los yates, como son sus casas y chalets, etc logrando reflejar la realidad de un país de forma demoledora a ritmo de música electronica y utilizando el thriller como forma de narración. Por su contundencia, El Reino es una película que debería trascender el ámbito cinematográfico y tener una influencia destacada en una sociedad que percibe la corrupción política y social como uno de sus grandes retos y problemas a solucionar.

ROJO. Benjamín Naishtat

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Triplemente premiada (dirección, actor -Darío Grandinetti- y fotografía) por el Jurado de San Sebastián, Rojo nos traslada hasta una provincia del interior de Argentina en 1975 para reflejar por medio de un magnífico thriller la cenagosa y malsana atmósfera que posibilitó el Golpe de Estado y la llegada de la dictadura militar en 1976. Con una puesta en escena cuidada donde resuenan los ecos del cine del extrañamiento de Lucrecia Martel y Yorgos Lanthimos y una gran fotografía del brasileño Pedro Sotero (Aquarius), Naishtat consigue una narración que logra radiografiar perfectamente la deriva moral de aquella sociedad cuyos ecos todavía resuenan en la actualidad.

#60SanSebastianfes